Der Lichtspiel-Leitfaden

Super 8

2012-01-30T18:03:00.001+01:00

Wer mochte nicht die ganzen schönen Spielberg-Filme Ende der Siebziger, Anfang der Achtziger? "E.T."? "Die Goonies"? Na gut, Letzteren hat er nur produziert. Und zusammen mit Chris Columbus das Drehbuch verfasst.

Egal, jedenfalls hat J.J. Abrams den Wunsch gehabt, einen Film in der Art dieser Klassiker zu machen. Dabei herausgekommen ist "Super 8". Kurz: eine Gruppe 14-Jähriger Nerds will einen Film machen, überreden die Schulschönheit (die natürlich ein Geheimnis hat) dazu, ebenfalls mitzumachen. So werden sie in ein Abenteuer verstrickt, in dem Kleinstädte im Mittleren Westen der USA, Außerirdische und das böse Militär vorkommen.

Leckere Zutaten, und tatsächlich passiert das Unglaubliche: während der Dreharbeiten zu dem Super 8-Film der Kinder entgleist ein Zug. Und glaubt mir, so ein Zugunglück habt Ihr noch nicht gesehen. Alsbald taucht das Militär auf und erklärt alles zum Sperrgebiet. In der zugehörigen Kleinstadt häufen sich in der Zwischenzeit merkwürdige Zwischenfälle.

Das Ganze hat Abrams mit viel Liebe zum Detail inszeniert, Meister Spielberg hat es sich außerdem nicht nehmen lassen, sein wachsames Auge auf den Streifen zu werfen und ihn mitzuproduzieren.

Und was soll man sagen: sehr unterhaltsam! Wobei mir das Skript zu viel Drama und zu wenig Gags enthält, es ist mir auch zu düster und brutal. Die Kinder haben mir zu wenig Einfluss auf die Handlung, dazu kommen Details wie dass die Kreatur mich deutlich an die aus "Cloverfield" erinnert. Da darf man sich ruhig was Neues ausdenken.

Der Look fängt aber sehr schön die Siebziger ein, auch wenn hier und dort ein paar Kleinigkeiten durchgeflutscht sind. Also: weiter so, Herr Abrams, Sie sind auf dem richtigen Weg.

Sherlock Holmes – Spiel im Schatten

2012-01-20T18:54:00.004+01:00

Recht zügig nach dem ersten Teil bringt das Team um Regisseur Guy Ritchie den zweiten "Sherlock Holmes"-Teil ins Kino. Wieder interpretiert der Engländer die Geschichten um den Londoner Meisterdetektiv eher actionreich, zeigt Holmes' Genie durchaus auf dem Weg zum Wahnsinn. Robert Downey Jr. macht das auch diesmal ganz hervorragend, Jude Law als Dr. Watson ist dort das erdende Element. Auch Rachel McAdams hat einen Kurzauftritt, den ich den Schreibern allerdings übel nehme.

In den weiteren Nebenrollen kommen Hochkaräter zum Zuge, etwa Stephen Fry als Holmes' Bruder Mycroft und Noomi Rapace als wahrsagende Zigeunerin. Rapace interessiert mich im Moment vor allem, weil sie in Ridley Scotts "Alien"-Prequel "Prometheus" mitspielt. Aber zurück in die Vergangenheit.

Holmes' Erzfeind Professor Moriarty ist hier der Bösewicht. Mittels gezielter Attentate will er einen Konflikt auslösen und so den 1. Weltkrieg in die Neunziger des 19. Jahrhunderts verlegen. Watson und Holmes versuchen diese Pläne, mit Intelligenz, Witz und Körpereinsatz zu verhindern. Sie verschlägt es dabei etwa nach Heilbronn, was scheinbar eine einzige Rüstungsfabrik gewesen zu sein schien.

So reiht sich Actionsequenz an erklärende Szene und so weiter. Macht zum einmal Ansehen Spaß, ist aber nichts unmäßig Besonderes. Um mal ein beliebtes Fazit rauszuholen: wem der erste Teil gefallen hat, wird auch dieser gefallen. Und es ist tatsächlich so. Eine hübsche kurzweilige Geschichte, die gut zwei Stunden sind ratzfatz vorbei – vielleicht sollten sich Ritchie und seine Autoren zum nächsten Film etwas mehr Zeit nehmen. Angenehmer Nebeneffekt für Downey Jr. – seine Verpflichtung hat ihn vor "Cowboys & Aliens" bewahrt, in dem sich dann Harrison Ford und Daniel Craig lächerlich machen konnten.

In Time – Deine Zeit läuft ab

2012-01-06T14:23:00.003+01:00

Frohes neues Jahr, Ihr lieben Blogleser! In den Weihnachtsferien bin ich endlich mal wieder ins Kino gekommen, und diesen schönen Streifen habe ich mir angesehen.

Irgendwann in nicht allzu ferner Zukunft ist es endlich gelungen: Menschen sind unsterblich. Sie altern, bis sie 25 Jahre alt sind, dann bleibt alles so, wie es ist. Blöder Nachteil: mit Erreichen des 25. Lebensjahrs hat man noch genau ein Jahr Zeit, bis die eigene Zeit abgelaufen ist – dann folgt der Exitus. Durch Arbeit kann man sich Zeit dazu verdienen, im Prinzip gilt sie als Währung, also: Zeit ist Geld (sorry, konnte ich mir nicht verkneifen. Ich habe extra keine anderen Reviews gelesen, damit ich nicht weiß, wer das noch alles geschrieben hat, hähä). Und damit auch jeder weiß, wieviel Zeit noch übrig ist, wird die auf dem Unterarm angezeigt.

Will Salas, gespielt von Justin Timberlake, wohnt in einem Ghetto, in dem Arbeit in der Fabrik gerade so viel Zeit bringt, um etwas zu essen und bis zum nächsten Tag durchzukommen. Erinnert an die Inflation in den Zwanzigern. Eines Tages taucht jemand auf, der nicht nur ein paar Stunden, sondern über 100 Jahre auf seiner Uhr hat. Er schmeißt eine Runde nach der anderen in der örtlichen Kneipe, bis Zeitdiebe (nett: die Verbrecher sind die "Minutemen") auf ihn aufmerksam werden. Salas hilft ihm, doch der Zeitreiche wollte gar nicht gerettet werden. Also überträgt er Salas die Zeit bis auf fünf Minuten, die er dazu nutzt, von der nächsten Brücke zu springen.

Am nächsten Tag stirbt Salas' Mutter (Olivia Wilde), da sie die plötzlich gestiegenen Buspreise nicht mehr bezahlen kann. Salas hält nichts mehr an seinem Wohnort, und er macht sich die Zeit zunutze, um in das Reichenviertel vorzudringen. Die Welt ist in Zeitzonen eingeteilt, deren Betreten Zeit kostet – so halten die Reichen die Armen aus ihrem Refugium fern.

Salas kommt allzu schnell den Gründen auf die Spur, die für die Zustände verantwortlich sind. Und überlegt sich, wie das System ausgehebelt werden kann.

Ziemlich gut besetzt, etwa mit Amanda Seyfried als die Tochter des Oberbösewichts und Cilian Murphy als Zeitwächter, ist der Film eine hübsche Analogie auf die Schattenseiten ungezügelten Kapitalismus. Und damit absolut nichts Neues. Sehenswert allemal zeigt er vor allem eins: dass Timberlake mehr kann als Britney Spears' Ex zu sein und lustige Lieder zu singen. Und auch als Hauptdarsteller taugt, nachdem er in "The Social Network" schon eine beachtenswerte Nebenrolle hatte.

Kleiner Gag am Rande: Das Nickelback-Video "Savin' Me" hat eine Gemeinsamkeit mit "In Time". Mal sehen, ob's wer rausfindet. :) Kleine Hilfe: bis zum Ende kucken. Lohnt sich eh schon wegen der Musik.

Frohe Weihnachten!

2011-12-14T21:33:00.002+01:00

Liebe Blogleser,

auch wenn's immer noch keine neue Rezensionen gibt - ich melde mich ab, wünsche allen ein fohes Fest und einen guten Rutsch.

Und Geschenke gibt's auch! Hier meine gesammelten Demos für Soundtracks:

http://soundcloud.com/mashmusic-1/sets/soundtracks
Wer fünfeinhalb Minuten Zeit erübrigen kann, hört sich hier drei verschiedene Themes an.

http://soundcloud.com/mashmusic-1/scary-intro
Dies wäre das Intro für einen (Mystery-)Thriller oder einen Horrorfilm: bedrohliche Pads zu Beginn, dann ein kräftiges Aufgreifen des Themas mit schön dick Synthesizer.

http://soundcloud.com/mashmusic-1/action-theme-01
Thema für eine Actionsequenz, eine Autoverfolgungsjagd beispielsweise.

http://soundcloud.com/mashmusic-1/montage-theme
Thema für eine klassische Montage. Dank Linn-Drumcomputersounds hört sich das recht 80er-mäßig an. :)

Dies ist übrigens der 100ste Blogeintrag - und die 100ste Filmrezension ist dann auch nicht mehr weit! :)

Sucker Punch

2011-11-07T22:26:00.004+01:00

Träume innerhalb von Träumen von recht abgefahrener Art verdanken wir in Filmen moderner Tricktechnik, erst in "Inception", nun in "Sucker Punch". Zack Snyder hat aber aus der Idee keinen Thriller gemacht, sondern ein Drama inklusive recht abstruser Actionszenen.

Baby Doll (in mehrfacher Hinsicht furios: Emily Browning) ist eine junge Frau in der Mitte des letzten Jahrhunderts plusminus ein paar Jährchen, ihre Mutter ist tot, ihr Stiefvater will sich das Erbe unter den Nagel reißen, und damit nicht genug. Er lässt sie in eine Nervenheilanstalt einweisen, nachdem sie ihn angegriffen hat, wobei im Verlauf der Attacke noch ihre kleine Schwester umkommt.

Nervenkliniken waren zu dieser Zeit kein wirklich angenehmer Ort, und damit Baby Doll nichts aussagen kann, soll sie lobotomiert werden. Dafür sorgt ein vom Stiefvater bestochener Pfleger. Sie hat fünf Tage Zeit zu entkommen. An dieser Stelle wechselt der Film in ihre Vorstellung, in der alles aus der Realität seine Entsprechung hat. Das Sanatorium ist ein Bordell, der Pfleger wird zum Mobster Blue, die Ärztin zur Tanzlehrerin, der anstehende Termin der Lobotomie der Tag, an dem Baby Doll ihre Unschuld an einen solventen Kunden verlieren soll.

Sie hat aber ein Talent. Sie tanzt fantastisch. Und jeder Tanz ist eine Actionszene, in der es anfangs noch gegen dämonische Samurai geht, später aber dampfbetriebene untote deutsche Soldaten, Orcs, Drachen, Kampfroboter und alles Mögliche weitere, was ich nicht verraten will. Und so abstrus diese Szenen sind, sie haben ebenfalls ihren Sinn.

Baby Doll findet vier Mitstreiterinnen, die vier wichtige Gegenstände besorgen werden. Alles dient zur Flucht. Und natürlich verläuft nicht alles genau so wie geplant.

Kritiker unterstellen dem Film Sexismus, da oberflächlich gesehen leicht bekleidete Mädels computerspielartig Unmengen von Gegnern niedermetzeln, der feuchte Traum jedes pubertierenden Nerds.

Tatsächlich haben wir hier klassische Motive des Feminismus, die kompromisslos durchexerziert werden: Unabhängigkeit von Männern, mit allen Mitteln durchgesetzt, Männer sind – von Baby Dolls Lehrmeister abgesehen, der in jeder Actionszene auftaucht – nichts als miese Typen, jeder mit anderen, finsteren Motiven.

Snyder sieht das als Antithese zum fast durchgängig männlich besetzten "300" (den ich übrigens vor allem mal unglaublich schlecht fand). Soll er. Viel bemerkenswerter sind die spannenden Erzählmuster, unsere Hauptdarstellerin etwa sagt in den ersten 25 Minuten kein Wort, und trotzdem bleibt keine Frage offen. Zum Ende haben wir einen kompletten Perspektivwechsel, ebenfalls ganz großartig inszeniert.

Außerordentlich: der Soundtrack, gefüllt mit einer Menge Coverversionen hauptsächlich englischer Musik, etwa "Love ist the drug" von Roxy Music, von der Hauptdarstellerin selbst gesungenen Stücken wie "Sweet Dreams" oder "Asleep", im Original von The Smiths. Auch großartig, "Panic Switch" der Silversun Pickups. Oder Björks "Army of me".

Bewertet habe ich den "Extended Cut", der sich von der Kinofassung wohl durch die Gewaltdarstellung unterscheidet. Aber keine Angst, ein Gemetzel wie bei vielen anderen Synder-Filmen haben wir hier nicht.

Visuell in jeder der drei Ebenen beeindruckend in Szene gesetzt steckt in "Sucker Punch" wohl weitaus mehr als so mancher erkennen mag. Denkt mal beispielweise über den Titel des Films nach. :)

Bermuda-Dreieck Nordsee

2011-09-26T19:15:00.003+02:00

RTL lässt nicht von den schönen Fernsehfilmen, warum auch, bei fünf Millionen Zuschauern und 16 Prozent Quote. Bettina Zimmermann muss wieder herhalten, die arme Frau scheint nichts anderes mehr zu spielen als in Eigenproduktionen des Privatfernsehens. Ihr steht mit Hannes Jaennicke ein weiterer langjähriger Streiter zur Seite, den es nach einigen überaus erfolglosen US-Jahren wieder nach Deutschland zurückzog. Gudrun Landgrebe "gibt" die miese Konzernchefin.

Schiffe verschwinden in der Nordsee, eine alte Legende spricht vom Höllenschlund, und schon haben wir es, das Bermuda-Dreieck direkt vor der Haustür. Garniert wird das Ganze von einem – natürlich – skrupellosen Konzern, der für das "Verklappen" von CO2 über Leichen geht, und – natürlich – edlen Öko-Recken, die für den Erhalt der Natur kämpfen.

Durch Sequestrierung von CO2 wird eine Methanblase zum Super-Blowout gebracht, eine Bohrinsel versinkt, und ein Mega-Liner mit Gästen des bösen Energieversorgers an Bord droht, in einen gigantischen Strudel gezogen zu werden.

Kein Klischee wird ausgelassen, vom Öko-Universitätsprofessor über den starrköpfigen Alten, der lieber in den Tod geht als auf die Warnungen seiner Tochter zu hören, eine PR-Tussi, die die Wahrheit erkennt, eine engagierte Studentin, die für die Wahrheit kämpft. Einzig erwähnenswert: der Bruch mit dem Klischee des Bösewichts, der im Angesicht der Gefahr sich zu retten versucht und dabei natürlich eines grausigen Todes stirbt. Hier besinnt er sich seiner Verantwortung und tut seinen Teil dazu, das Schiff vor dem Strudel zu retten. Auch nicht wirklich was Neues.

Trotz seiner gehörigen Überlänge schafft es "Bermuda-Dreieck Nordsee" immerhin, den Spannungsbogen die letzten 35 Minuten kontinuierlich zu halten, das haben wir schon anders gesehen. Trotzdem fehlt wieder die Motivation, denn was hat ein Konzern davon, Naturkatastrophen von gewaltigem Ausmaß in Kauf zu nehmen, wo er sowieso dafür verantwortlich gemacht wird? Und Methan ist nichts anderes als Erdgas – man könnte das Zeug sogar fördern und noch mehr Kohle, äh, Gas machen.

Zwischenzeitlich fallen dem Methanausgasungen auch Windräder zum Opfer – zum einen scheint die Nordsee an den betreffenden Stellen kilometertief zu sein, so wie die Dinger sinken, zum anderen interessiert das Schicksal der millionenteuren Anlagen wohl niemanden.

Wie immer, wenn in Deutschland versucht wird, einen Katastrophenfilm zu produzieren, werden genau die Sachen unverändert von US-Vorbildern übernommen, die schlecht und klischeehaft ausfallen. Leute, zeigt mehr Kreativität! Wir leben im Jahr 2011!

Wenn ich mir das Zeug von The Asylum ansehe, sind die Drehbücher zwar noch viel mieser. Aber die hauen wenigstens richtig auf die Kacke, auch weil sie genau wissen, dass sie gegen 200-Millionen-Dollar-Filme nicht anstinken können. Und sind somit zumindest als Trash unterhaltsam. Hier haben wir leider noch nicht mal das.

Harry Potter und die Heiligtümer des Todes

2011-07-16T09:04:00.002+02:00

So, jetzt hat’s auch als Film ein Ende. Ich geb’s offen zu, ab dem fünften Band habe ich die Bücher nur noch gelesen, weil ich wissen wollte, wie’s ausgeht. Ähnlich geht es mir mit den Filmen. Nein, da wusste ich dann schon, wie es ausgeht. :)

Aber natürlich wollte ich dann das große Finale doch sehen, auch wenn es mich sehr genervt hat, dass aus dem letzten Buch zwei Teile fabriziert wurden. Natürlich nur, weil die Story so dicht und die Handlung so sehr gepackt war, ganz sicher nicht aus kommerziellen Gründen.

Das letzte Buch ist auch eins der Schwächsten der Reihe, nur übertroffen vom unsäglichen „Orden des Phönix“. Was hilft es also, das auch noch auf über dreieinhalb Stunden auszudehnen? Vor allem der erste Teil leidet unter den Ewigkeiten der Rum-Appariererei durch die englische Pampa, mit Krach zwischen Ron und Hermine, zwischen Ron und Harry, und … nein, Harry und Hermine streiten sich nicht.

Im zweiten Teil geraten die Ereignisse dann etwas in Fahrt, es gibt den großen Kampf um Hogwarts, aber – nie habe ich eine derartige Massenschlacht derart unspektakulär in Szene gesetzt gesehen. Ich habe übrigens Rowling nie verziehen, dass mein Lieblingscharakter Tonks so sang- und klanglos im Buch abserviert wurde, und genau so ist es auch in der Verfilmung.

Ich habe mir die 3D-Version gespart, man konnte stellenweise erahnen, wie das wohl aussehen würde. Die 3D-Effekte wurden übrigens erst nachträglich hineingerechnet, was es wohl an Produktionskosten gespart haben mag, nicht gleich mit zwei Kameras zu drehen? Jedenfalls hat das Team um Regisseur David Yates es nur zum zweiten Teil geschafft, eine 3D-Fassung herzustellen.

Allerdings ist mir die Musik aufgefallen, und was durfte ich feststellen, sie stammt von Alexandre Desplat, der auch die Musik zu „Coco“ gemacht hat. Sehr intensive, schon fast zu gefühlige Musik, die zu einigen Szenen ganz hervorragend passt.

Alles in allem war es keine schlechte Unterhaltung, aber abschließend gibt es zur Reihe eigentlich nur zu sagen, dass keiner der einzelnen Teile spannend gewesen wäre. Unterhaltsam ja, hauptsächlich aber dadurch, die Welt um das Zauberinternat Hogwarts zum Leben erwachen zu sehen. Und natürlich die hervorragenden Schauspieler in Aktion zu erleben, inklusive unseres Triumvirats Radcliffe, Grint und Watson. Mein persönliches Highlight: Alan Rickman als Professor Snape. In diesem Film auch erwähnenswert Helena Bonham Carter – sie spielt in einer Szene Hermine, die dank Vielsafttrank Bellatrix LeStranges Aussehen angenommen hat.

Naja. Etwas Wehmut ist natürlich auch dabei. Ich werde den Zauberlehrling trotz allem vermissen.

Mega Shark versus Crocosaurus

2011-07-11T18:34:00.002+02:00

Wenn man am Samstagabend nach Hause kommt, lohnt es sich oft noch, RTL 2 einzuschalten, den Sender, auf dem so manches verkanntes Filmjuwel zu finden ist. So etwa dieses wundervolle Schauspiel, hergestellt von „The Asylum“, eine Firma, die sich sonst auf billige, schlecht gemachte „Mockbuster“ spezialisiert hat, Filme, die Kassenschlagern stark ähneln, aber doch nicht gleich sind. :)

Leider habe ich den Vorgänger „Mega Shark versus Giant Octopus“ nicht gesehen, in dem 80er-Teenie-Star Debbie Gibson die Hauptrolle spielt. Hier kennt man Robert Picardo, den Holodoc aus „Star Trek Voyager“. Der ist der Admiral, der etwa ein Atomkraftwerk dazu auffordert, einen Lichtbogen zu erzeugen, um das Riesenkrokodil zu verjagen. Es gibt in Atomkraftwerken also die Möglichkeit, per Knopfdruck einen Lichtbogen, sagen wir, nach Orlando zu schlagen. Faszinierend!

Aber ich enthalte Euch das Wichtigste vor: die beiden Kreaturen. Also, das Krokodil ist 500 Meter lang, der Hai nicht viel kürzer. Die versenken mit einem Schwanzschlag ein Schlachtschiff namens „USS Gibson“, kleine Anspielung auf den ersten Teil. Oder fressen mit einem Haps ganze Atom-U-Boote. Ist ja auch nicht so wild, laufende Atomreaktoren im Bäuchlein zu haben.

Bei der Hetzjagd um die halbe bekannte Welt ist weniger erstaunlich, dass die Viecher innerhalb von ein paar Stunden von den Azoren über den Panamakanal nach Hawaii gelangen. Bei der Größe dürfte Schallgeschwindigkeit ja kein Akt sein. Aber unsere Helden verfolgen sie mit einem Helikopter. Und das geht ja mal gar nicht! :D

Die Trickeffekte sehe ich bei jedem Online-RPG besser in Echtzeit gerendert, US-Kriegsschiffe sind grundsätzlich Archivaufnahmen, was dann schon mal dazu führt, dass alte Schlachtschiffe der „Iowa“-Klasse zu Zerstörern mutieren.

Viel interessanter aber finde ich, wie man solche Drehbücher verfilmen kann – der Film hat durchaus mehr als ein paar Darsteller, es gibt sogar die eine oder andere Szene mit hundert Statisten. Hier ist also wohl einiges Geld verbraten worden. Auch wenn die Szenen bestimmt in mehreren Filmen auftauchen. Und weckt in mir den Gedanken: das kann ich auch!

Wer hat denn da noch brauchbare Ideen? Ach ja: 80er-Teenie-Star-Rivalin Tiffany spielt mit Gibson zusammen in „Mega Python vs. Gatoroid“ – ich freue mich schon, wenn der bei RTL 2 läuft!

The Wrestler

2011-06-24T09:43:00.002+02:00

Ja, Mickey Rourke war mal in den Achtzigern ganz unten durch bei mir. Nur in überaus mäßigen Filmen (wer erinnert sich nicht an „Wilde Orchidee“? …würg) mitgespielt, sich geriert wie ein … OK, geht ja um Filmkritiken hier, nicht ums Fluchen.
Umso besser spielt er jetzt. Vor allem, wenn es sich um einen wirklich tollen Streifen wie diesen hier handelt. Rourke verkörpert (ruhig wörtlich nehmen) einen deutlich in die Jahre gekommenen Wrestler, der nur noch vom Ruhm längst vergangener Tage lebt. Steroide, Sonnenbank und gefärbte Extensions können nicht sein Hörgerät verdecken. Kohle hat er auch keine, er lebt in einem Trailer Park und kann auch da die Miete nicht zahlen.

Sein Interesse gilt einer Stripperin, die das gleiche Problem hat wie er selbst: das Alter. Außerdem versucht er, wieder mit seiner Tochter Kontakt aufzunehmen, die als kleines Mädchen von ihm verlassen wurde. Ein Herzanfall macht außerdem mit seiner Karriere als Kämpfer Schluss, also versucht er, sich eine bürgerliche Existenz aufzubauen – als Verkäufer im Supermarkt. Nachdem durch seine eigene Schuld alles schief geht, geht er wieder dahin, wo er sich auskennt: zum Wrestlen.

Rourke gibt den Verlierer, der sich nicht unterkriegen lassen will und lieber eine sichere Sache ausschlägt als seinen Stolz zu schlucken, ganz hervorragend. Sein weibliches Gegenstück wird wunderbar von Marisa Tomei in Szene gesetzt – die, mal ganz nebenbei gesagt, eine hervorragende Figur macht, völlig unabhängig vom Alter. Und auch deutlich authentischer ist als Kolleginnen, die einen wesentlich größeren Bohei um ähnlich gelagerte Rolle machen, aber eher „Goldene Himbeeren“ denn Oscars kassieren.

Dieses Drama bringt einen fast zum Heulen, selbst wenn es auch humorvolle Einlagen gibt, etwa das Hardcore-Match, bei dem man nicht glauben möchte, dass zivilisierte Menschen zu so etwas fähig sind.

Wrestling ist absolut nicht meine Sache. Aber dieser Film, der ist es.

PS: Welch ein Zufall! Heute Abend (24.06.) läuft er um 23:15 auf WDR!

Dragon Wars

2011-04-30T17:20:00.004+02:00

Liebe süd-koreanischen Filmfreunde,

herzlichen Dank für Euren Beitrag zum Fantasy-Film, der mit 75 Millionen Dollar Produktionskosten ganz schön teuer war. Ja, es war der erfolgreichste koreanische Film der letzten Jahre, ach, Jahrzehnte. Gut war er nicht.

Lieber Shim Hyung-rae, der Du Deine eigene, selbstgeschriebene Geschichte hier verfilmt hast: man fängt einen Film nicht mit einer Rückblende an, in der dann noch eine Rückblende kommt. Es wäre sehr viel spannender gewesen, hätte man die Hintergrundgeschichte erst nach und nach erfahren. Man fängt einen Film mit einer Actionsequenz an bzw. einem Konflikt. Dann weiß der Zuschauer gleich, um was es geht und entwickelt Interesse.

Dann: ist ja eine schöne Schlacht in Los Angeles. Nur sieht LA irgendwie nicht nach LA aus, ein Apache-Hubschrauber explodiert nicht nur schon beim bösen Ansehen, und hättet ihr, liebe Filmemacher, dann auch bitte die Güte, dem Zuschauer zu sagen, wie die Schlacht ausgegangen ist? Also, ich weiß jetzt nicht, ob die Panzer und Hubschrauber gegen die Drachen und die anderen Viecher angekommen sind.

Und, ganz übler Fehler: der Trick, den Hauptdarsteller ohnmächtig werden zu lassen, ist uralt. Und leider scheint auch das ganze Trickbudget zum Ende hin schon verballert gewesen zu sein, denn der Endkampf findet vor einer Art schlechten Nachbildung von Isengard statt, der das Modell schon auf meinem SD-Röhrenfernseher anzusehen ist.

Unsere Hauptdarstellerin muss sich dann zwischen guter und schlechter Riesenschlange entscheiden. Nur, irgendwie sehen die für mich völlig gleich aus, und ich kann nicht genau erkennen, welchen Vorteil es bringt, sich von der guten Riesenschlange töten und auffressen zu lassen als von der Bösen. Ach so, noch eins: ihr hättet auch eine hübsche Hauptdarstellerin nehmen können.

Und noch eins zum Schluss: Liebe Regisseure und Drehbuchautoren, die ihr Filme mit Drachen macht: bitte macht mal einen Guten. Auch das letzte westliche Produkt aus diesem Subgenre der Fantasy, „Die Herrschaft des Feuers“, war trotz Staraufgebot leider nur ein kurzes Glimmen (von den katastrophalen "Dungeons & Dragons-Filmen ganz zu schweigen, die eher den Charme von Fan-Projekten hatten). Kennt irgendwer einen guten Film mit Drachen? Ich kann übrigens eh keine Drachen mehr sehen, vor lauter roten, grünen, bronzenen und anderen Drachen …

The Road

2011-04-09T13:14:00.004+02:00

Die „Post-Doomsday“-Geschichten sind seit Ende des kalten Krieges ziemlich außer Mode gekommen. US-Autor Cormac McCarthy („No country for old men“) hat sich trotzdem an einer versucht – Gottseidank kann man nur sagen, denn das Thema wird meiner Meinung nach sträflich vernachlässigt. Nur ein Jahr nach Veröffentlichung des Romans gibt es eine Verfilmung mit Viggo Mortensen und Charlize Theron.

Nach einer nicht näher benannten Katastrophe sind so ziemlich sämtliche Pflanzen und Tiere tot, nur noch wenige Menschen existieren, ein guter Teil davon Kannibalen. Ein Vater zieht mit seinem Sohn nach Süden, in der Hoffnung auf mehr Wärme und Nahrung in einer Welt, in der die Sonne hinter ewigem schlechtem Wetter verborgen ist und wirklich nichts mehr existiert.

In Rückblenden erfahren wir, dass der Junge nach der Katastrophe geboren wurde, seine Mutter konnte die Situation nicht mehr ertragen und beging Selbstmord. In der Folge ist der einzige Lebensgrund für den Vater sein Sohn.

Und obwohl sich beide versichern, die „guten Jungs“ zu sein, stellt sich schon bald die Frage, wo man die Grenze zieht zwischen den Guten und den Bösen.

Der Film ist kein Kindergeburtstag. Der Film ist genau genommen eine Auseinandersetzung mit dem völligen Verschwinden von dem, was eine Zivilisation ausmacht. So wenige Menschen es noch gibt, so sehr dezimieren sie sich noch. An einer Stelle treffen die beiden auf einen alten Mann (ganz fantastisch: Robert Duvall), und der Junge insistiert solange, bis sie ihm zumindest ein wenig helfen und etwas zu Essen abgeben. Gute und Böse, ihr versteht. Auch ein Film über Verzweiflung: der Mann (niemand in diesem Film hat einen Namen) hat einen Revolver und im Verlauf der Geschichte nur noch eine Kugel – für seinen Sohn. Wie hoffnungslos muss jemand sein, das eigene Kind lieber zu töten als seinem Schicksal zu überantworten.

Das Ende hat mich ein wenig geärgert, ich hätte das alles anders ausgehen lassen. Nichtsdestotrotz, wir reden hier von keiner völligen Unmöglichkeit. Einige Szenen wurden übrigens am Mount St. Helens gedreht, wo auch dreißig Jahre nach dem verheerenden Vulkanausbruch Orte so aussehen, als sei die Katastrophe erst vor ein paar Tagen geschehen. Andere Teile entstanden in Pittsburgh, wo es komplett verlassene Stadtteile gibt.

Bemerkenswert: der Schauspieler des Kindes, Kodi Smit-McPhee, wurde nicht zuletzt durch seine große Ähnlichkeit zu Charlize Theron ausgewählt. Und es ist wirklich verblüffend, das Kind könnte tatsächlich ihrs sein.

Kein Film für einen gemütlichen Videoabend oder zum Kuscheln zu zweit. Sollte man sich vielleicht auch dann nicht ansehen, wenn’s einem eh schlecht geht. Trotzdem unglaublich gut.

The Social Network

2011-04-06T21:35:00.005+02:00

Jaaa, es hat nur fast 20 Jahre gedauert, aber endlich habe ich einen David-Fincher-Film gesehen, der mir rückhaltlos gefällt! Wie konnte das nur passieren?

Zum einen: hier sehen wir, dass man mit vier „Red“-Digitalkameras und schlanken 40 Millionen Budget einen Film machen kann, der über die halbe Welt verteilt ist. Und wenn man auf bekannte Namen bei den Schauspielern verzichtet, kommt man auch mit weniger Kohle aus. Das überwiegende Nutzen des Talentes junger unbekannter Darsteller kommt auch dem eigentlichen Sujet des Films entgegen – oder kann sich wer Leonardo diCaprio als Mark Zuckerberg vorstellen?

Erstaunlich finde ich, dass hier Klarnamen benutzt werden. Offensichtlich mag Zuckerberg gegen das dem Film zugrunde liegende Buch „The Accidental Billionaires“ sowie das Skript nicht vorgehen. Aus welchen Gründen auch immer. Kleiner Tipp: gebt doch mal den Namen von Zuckerbergs Ex-Freundin bei facebook ein. :)

Eingebettet in zwei Schlichtungsverhandlungen erzählt Fincher in Rückblenden die Geschichte von Zuckerberg und facebook. Zum einen sind da die Winklevoss-Zwillinge, die Zuckerberg beschuldigen, die facebook-Idee bei ihnen geklaut zu haben, zum anderen ist da Eduardo Saverin, der Zuckerberg vorwirft, ihre Freundschaft ausgenutzt und seinen Aktienanteil künstlich klein gemacht zu haben. Beide Auseinandersetzungen sind in der Realität übrigens mittlerweile geklärt, gegen Zahlung hoher Geldsummen.´

Justin Timberlake spielt den Napster-Erfinder Sean Parker, den Mann, der – laut diesem Film – Zuckerberg dazu bringt, groß zu denken und sich dabei nicht an Freundschaften zu stören. Und Timberlake kann nicht nur tanzen und singen.

So sind die beiden wichtigsten Szenen auch zum einen gleich die Anfangsszene, in der Zuckerbergs Freundin Schluss mit ihm macht, mit den Worten: „Du glaubst, Mädchen mögen Dich nicht, weil Du ein Nerd bist. Aber das stimmt nicht. Sie mögen Dich nicht, weil Du ein Arschloch bist.“ Und zum zweiten die Auseinandersetzung mit seinem Freund Saverin, der sein bester Freund war und ihn nun auf 600 Millionen Dollar Schadenersatz verklagt.

Dazu, ebenfalls sehr passend, die Musik von Trent Reznor und Atticus Ross, sehr elektronisch und trotzdem stimmig und passend. Lustigerweise entstand die Musik schon vor den Dreharbeiten, Fincher ließ sie dann nur noch an die Szenen anpassen.

Und Achtung bei 01:17, vor allem wenn ihr den Film wie ich nachts seht: da gibt es eine Szene in einem Nachtclub. Die Stimmen behalten ihre natürliche Lautstärke. Und dann kommt die Musik dazu. Ebenfalls in der entsprechenden Laustärke. Meine Fresse.

True Grit

2011-03-02T09:35:00.002+01:00

„True Grit“ – echten Schneid sucht Mattie Ross, denn sie ist auf der Jagd nach dem Mörder ihres Vaters. Und da das ansonsten sehr patente Mädchen den Behörden nicht allzu sehr traut, bietet sie dem Marshal Reuben "Rooster" Cogburn (Jeff Bridges) eine dicke Belohnung im Tausch gegen seinen Schneid, um besagten Übeltäter (sehr böse: Josh Brolin) zu suchen.

Dann ist da noch der Texaner LaBoeuf (Matt Damon), der ebenfalls den Mörder sucht, denn wie das mit Mördern so ist, hat er zuvor schon jemanden umgebracht. Und auch hier gibt es eine Belohnung, allerdings in einem anderen Bundesstaat.

Die Coen-Brüder waren mit ihrem neuesten Werk zwar für zehn Oscars nominiert, haben allerdings keinen einzigen gewonnen. Schade. Allerdings müssen sie nicht ganz so traurig sein, ihre letzte Oscar-Orgie „No country for old men“ ist ja noch nicht so lange her.

In der ersten Verfilmung des Westerns spielt noch John Wayne den knorrigen, schießwütigen und häufig betrunkenen Marshall, und Jeff Bridges muss sich dahinter keineswegs verstecken. Das teilweise wörtlich zu nehmende Schwanken zwischen Alkoholismus, Selbstgerechtigkeit und Pflichtgefühl zeigt sich in mehreren Szenen ganz hervorragend. Etwa in dem Moment, in dem er beschließt, Mattie doch mit auf die Jagd nach dem Verbrecher zu nehmen.

Sehr schön auch Hailee Steinfeld in der Rolle der 14-Jährigen Mattie, der man sofort abnimmt, kein normales Mädchen zu sein. Schon in den ersten Minuten des Films im Gespräch mit einem Pferdehändler kommt heraus, wer hier die Verhandlungen unter Kontrolle hat. Und Mattie nutzt jedes Zögern erwachsener Gegenüber sofort aus, die sie unterschätzen. Was häufiger passiert.

Der Film hält sich großteils an den gleichnamigen Roman, gerät mir zum Ende hin aber zu sehr Hoppla-Hopp, das ging mir zu schnell. Vor allem im Vergleich zum Rest der Romanumsetzung, die wohltuend ruhig ist. Nicht zu verwechseln mit langweilig. Hier haben wir einen fast klassischen Western, ohne moderne Helden, sonst gerne gespielt von Kevin Costner. Bevölkert mit Menschen, wie es sie zu jener Zeit gegeben hat, nicht mit Leuten, die fantastisch-moderne Vorstellungen haben und sofort ein Motivations-Seminar halten könnten, würde sie in eins gebeamt werden.

Also: mag ja keine Oscars gegeben haben, ein klasse Film ist „True Grit“ allemal. Und mögen die Coen-Brüder noch viele weitere Streifen machen.

Vergebung

2011-02-28T20:34:00.005+01:00

Ich wollte ja eigentlich nichts mehr über die „Millennium“-Trilogie schreiben – aber gerade habe ich das Ende gesehen, und es ist echt unfassbar.

Sie haben es versaut. Sie haben es tatsächlich versaut. Die drei Stieg Larsson-Thriller sind keine schriftstellerischen Meisterleistungen, aber eins sind sie: spannend. Hier bleibt eher wenig davon übrig. Obwohl „Vergebung“ der längste der drei Romane ist, hält sich die Fernseh-Verfilmung mit zusätzlichen, überflüssigen Szenen auf.

Und der Höhepunkt, die Gerichtsverhandlung, ist im Buch eine schöne, klare Sache. Präzise vorbereitet, ein Exempel. Davon ist hier nichts mehr zu sehen. Stattdessen wird noch ein überflüssiger Konflikt zwischen Blomkvist und Erika Berger eingeführt.

Ach so: sowohl in "Verdammnis" als auch "Vergebung" (wer ist eigentlich für die bescheuerten deutschen Titel verantwortlich?) konnte man Ausgaben von "Millennium" sehen. Ich rate da dringend zu einem Layout-Grundkurs, dann sieht das Magazin auch nicht aus wie eine Schülerzeitung.

Nee, sorry – das war nix. Und das vergebe ich jedenfalls nicht.

Hindenburg

2011-02-08T20:46:00.003+01:00

Und noch ein Event-Zweiteiler, basierend auf einer historischen Begebenheit. Diesmal geht es um den Absturz des Luftschiffs „Hindenburg“ 1937, der das Ende der Zeppeline einleitete. Mythen umranken die Absturzursache, wobei man heute davon ausgeht, dass Wasserstoff aus einem Leck durch statische Elektrizität entzündet wurde. Schade eigentlich, denn diese Giganten müssen ein beeindruckender Anblick gewesen sein. Dazu kommt, dass es wohl nie wieder eine Möglichkeit geben wird, derart luxuriös durch die Lüfte zu schweben.

Das ist natürlich viel zu langweilig für einen Film, und deswegen ist es die obligatorische Bombe, die gefunden werden muss. Das bisher aufwändigste Projekt von Fernsehfilm-Spezialist teamworx war fast zehn Jahre lang in der Mache. Umso enttäuschender fällt das Ergebnis aus.

So ziemlich alle Nasen des deutschen Films tauchen auf, vom unvermeidlichen Heiner Lauterbach als Dr. Hugo Eckener, dem internationalen „Superstar“ Hannes Jaennicke oder Christiane Paul als jüdische Emigrantin. Damit man den Streifen ins Ausland verkaufen kann, spielen noch Stacy Keach und Greta Scacchi (meine Fresse, ist die alt geworden) als Fabrikanten-Ehepaar mit. Und deswegen haben auch die ganzen Dreharbeiten auf englisch stattgefunden. Mit der Konsequenz, dass alles auf deutsch nachsynchronisiert wurde – und zwar schlecht. Witzigerweise war das Englisch der Akteure wohl so mies, dass die internationale Fassung ebenfalls nachsynchronisiert werden musste.

Wenn das jetzt ja alles wäre. Aber: zum einen wissen auf dem Schiff selbst schon so viele Leute Bescheid über besagte Bombe, dass die Unwissenden wohl in der Minderzahl sein dürften. Als nächstes wollen unser Hauptdarsteller und seine Geliebte – die Tochter der Fabrikanten – zwar die Bombe suchen, denken sich aber, ach, vorher treten wir noch eben schnell dem „Mile-High-Club“ bei.

Dann: das deutsch-amerikanische Komplott zur Zerstörung der Hindenburg soll das Helium-Embargo kippen. In Wirklichkeit geht es aber um Tetramethyl-Blei, einen Kraftstoffzusatz, mit dem Flugzeuge endlich über den Atlantik fliegen können. Sorry, Schwachsinn: die damaligen Flieger konnten nicht genug Sprit mitnehmen, weil sie zu klein waren. Man stelle sich für die heutige Zeit vor, dass die Nazis erst angreifen, wenn sie V-Power tanken können. Oder zumindest Super plus. Ach so, die Invasionspläne der Nazis passen übrigens in eine Zigarrenschachtel.

Da fällt die sofort in der ersten Szene kommende Musik aus dem Countryrock-Bereich gar nicht mehr auf, wieso nicht gleich Techno? Und: der Film heißt „Hindenburg“. Von dem schönen Luftschiff sieht man allerdings leider nicht allzu viel. Hauptsächlich zeigt Regisseur Kadelbach das Interieur. Das hat jemand mit einem fiesen geschmacklosen Muster ausgekleidet, was im realen Vorbild völlig anders ausgesehen hat. Auch der schöne Aluminium-Flügel war im wahren Leben schon vor dem Absturz aus dem Luftschiff geschafft worden.

Ich hätte jedenfalls gerne ein paar mehr Flugszenen gesehen, doch die Produktion war ja schon so ganz furchtbar teuer, da war wohl für weitere Computer-Rendereien kein Platz mehr. Übrigens hätte man bei denen ruhig die Kondensstreifen vom Himmel entfernen können.

Tron: Legacy

2011-02-06T09:20:00.004+01:00

Für Nicht-Computernerds: stellen Sie sich vor, wie es in Ihrem Computer tatsächlich aussehen könnte. Programme sind einzelne Typen, die durchaus mal Unfug bauen und in der Infrastruktur Ihres Rechners umhergeistern können. Was jeder Windows-Benutzer kennt, hatte Regisseur Steven Lisberger schon 1982 in „Tron“ als Spielfilm verwirklicht.

Kein allzu großer Erfolg, doch der Streifen wurde über die Jahre zum Kultfilm aller Computernerds (diese bitte hier einsteigen). Und so fanden sich fast 30 Jahre später wieder die Protagonisten Jeff Bridges und Bruce Boxleitner zusammen, um einen dreidimensionalen visuellen Overkill mit Leben zu erfüllen.

Kevin Flynn (Bridges) verschwand 1989 und hinterließ neben seinem Sohn auch den Softwarekonzern Encom (unschwer als Apple zu erkennen). Dieser schickt sich gerade an, ein neues Betriebssystem auf den Markt zu werfen, wird dabei aber von Sohnemann Flynn sabotiert, der den Quellcode ins Netz stellt. Einer mysteriösen Spur folgend gerät Sam Flynn ebenfalls in die Uralt-Sun-Workstation seines Vaters, der dort seit vielen Jahren gefangen und auf der Flucht vor seinem virtuellen Alter Ego Clu ist.

Clu versucht, in die Realität zu entkommen und das Internet zu infiltrieren, um – natürlich – die Welt zu unterwerfen. Das müssen nun Vater und Sohn Flynn verhindern, unterstützt von einem ganz besonderen Programm namens Quorra (hübsch anzusehen: Olivia Wilde).

Die Story weist ein paar kleinere Lücken auf, aber das war beim Ur-„Tron“ ja auch schon so. Stattdessen bekommen wir zu sehen, wie man mit heutigen Computereffekten eine komplette virtuelle Welt darstellen kann. Die Lichträder und Diskuskämpfe aus dem Original spielen ebenso eine Rolle wie eine Menge neuer Erfindungen.

Ebenfalls hervorstechend: ein 35-Jähriger CGI-Bridges. Und hier werden leider auch die Limitierungen der heutigen Technik sichtbar – die Haut wirkt wächsern, die Lippen nicht wirklich echt. In den (recht seltenen) Totalen fällt besonders auf, dass diese Figur nicht real ist. Was daran liegen mag, dass „reale“ Menschen immer noch nicht lebensecht dargestellt werden können. Die bisherigen CGI-Platzhirsche „Avatar“ und „Fluch der Karibik“ (hier Davy Jones) zeigen Phantasie-Wesen, die deutlich lebensechter wirken.

Untermalt wird das Ganze von einem Soundtrack aus der Feder des französischen Elektro-Duos Daft Punk. Sowohl die Orchesterwerke als auch die Synthi-Kompositionen passen fantastisch zum Film, besonders hübsch: die 8-Bit-Soundsamples in den Stücken, die klare Achtziger-Züge zeigen.

Also: besagte Computernerds – sofort ansehen, aber der Aufruf kommt vermutlich eh zu spät. Alle anderen mit nur etwas Vorstellungsvermögen – sofort ansehen.

Verblendung

2011-02-03T09:31:00.003+01:00

Sieben Millionen Buchkäufer können ja nicht irren – oder doch? Stieg Larssons „Millennium“-Trilogie hat jedenfalls ewig lang die Charts angeführt, also gab es flugs eine Fernsehverfilmung aller drei Bücher. Gekürzt kamen sie in die Kinos, das ZDF zeigt nun die komplette Fassung in sechs Teilen.

Ja, es handelt sich um eine schwedische Fernsehverfilmung. Trotzdem hätte man die Geschichte wohl nicht unspektakulärer inszenieren können. Obwohl die drei Bücher ihre Schwächen haben – allen voran Frauen-Superheld Mikael Blomkvist – zeichnen sie zwei Sachen aus: sie sind spannend, und sie haben Lisbeth Salander.

Die junge Dame ist eigentlich der einzige Grund, die Bücher zu lesen. Salander ist eine Soziopathin, hochintelligent und kümmert sich einen Scheiß um die gerade in Schweden ja ach so wichtige Political Correctness. Im Film zumindest optisch glaubwürdig verkörpert wird sie von Noomi Rapace, die allerdings eigentlich schon zu alt für die Rolle ist.

Weitaus schwerer wiegt jedoch, dass von Salanders messerscharfem Verstand und ihrer extremen Determination wenig übrig bleibt. Ich verrate jetzt mal was aus dem Film. Salander gilt als nicht geschäftsfähig und benötigt daher einen Vormund, der jedoch einen Schlaganfall erleidet. Sein Nachfolger ist ein Rechtsanwalt und ein mieses Sadistenschwein. In einer recht ausgedehnten Szene vergewaltigt er Salander – das kann man im Buch gerade noch ertragen, denn man weiß ja, sie wird sich fürchterlich rächen, einfach weil sie sowohl den unbedingten Willen als auch die Mittel dazu hat. Bei der Verfilmung hingegen weiß man das nicht. Hätte ich die Geschichte nicht vorher gekannt, ich weiß nicht, ob ich mir das hätte ansehen können.

Ja, so ein Mist aber auch. Einzig interessant sind die Effekte aus Licht und Schatten, die auf die Geheimnisse anspielen, die es zu ergründen gibt. Es ist bereits eine US-Verfilmung in Arbeit, Amerikaner sind ja scheinbar nicht in der Lage, Filme zu synchronisieren. In der wird Daniel Craig die Hauptrolle spielen. Ich befürchte das Schlimmste.

Aliens – Die Rückkehr

2011-01-26T16:31:00.004+01:00

Gerade wieder gesehen, dieses Schmuckstück der Actionfilme. Und auch wenn das eine oder andere ein bisschen angestaubt wirkt bei diesem 25 Jahre alten Werk, können hier Produzenten und Regisseure gerne noch etwas lernen. Mir sind kaum Filme bekannt, die in sich so logisch, sauber strukturiert und dramaturgisch gelungen sind.

Und dabei ist es ein zweiter Teil. Regisseur und Skriptautor James Cameron, damals noch weitgehend unbekannt – der „Terminator“ war zum Zeitpunkt seines Treatments für „Aliens" noch nicht angelaufen – hatte sich klugerweise dazu entschlossen, nicht einfach einen ähnlich gestrickten Nachfolger zu machen.

Stattdessen vermischte er seine Ideen zu einer Militäroperation in der Zukunft mit dem Einfall, was passieren würde, gäbe es mehr als eine der Kreaturen. Parallelen zum Vietnamkrieg sind beabsichtigt, so wie Cameron es bezeichnet mit „very much firepower and very little wisdom“ – einer hochtechnisiert ausgestatteten Truppe in einer feindlichen Umgebung.

Problematisch verliefen die Dreharbeiten, bei denen gleich zu Beginn Corporal Hicks-Darsteller James Remar gegen Michael Biehn und ebenso der Director of Photography Richard Bush ausgetauscht wurden. Zudem gab es große Spannungen zwischen der englischen Filmcrew, gewerkschaftlich organisiert und mit klaren Arbeitszeiten, und James Cameron, den man darüber hinaus für nicht fähig hielt, Ridley Scotts Nachfolger zu sein. Gale Anne Hurd hatte als weibliche Produzentin ebenfalls einen schweren Stand.

Ebenso stressig gestaltete sich die Zusammenarbeit mit Komponist James Horner, der gut eineinhalb Wochen Zeit für das Komponieren und Einspielen der Filmmusik hatte. Mit dem Ergebnis war Horner zu „80 Prozent zufrieden“, trotzdem gab’s eine Oscar-Nominierung. Die beiden Männer hatten soviel Ärger, dass sie erst zehn Jahre später wieder zusammenfanden – hier für das filmische Meisterwerk „Titanic“.

Und trotzdem sieht man hervorragend, was man mit 18 Millionen Dollar Budget alles auf die Beine stellen kann, ganz ohne CGI und mit klassischen Tricks wie Bluescreen, Modellen, an Drähten aufgehängten Dingen und einem Powerloader, der in Wirklichkeit von einem Bodybuilder angetrieben wird. Und ganz nebenbei arbeiteten auch Koryphäen ihres Fachs wie Stan Winston (Animatronik) und Syd Mead (Art Director, etwa beim "Blade Runner") an diesem Film.

Meine Lieblingsszene ist der erste „Plot Point“, an dem die Marines zu den eingesponnenen Kolonisten vordringen und dort dann von den Aliens dezimiert werden. Selten eine so gute Darstellung von Chaos, Durcheinander und Kampf gesehen.

Beim Anschauen drauf achten: die heute „reguläre“ Version ist der Director’s Cut, knapp 17 Minuten länger als die Kinofassung.

Restrisiko

2011-01-18T23:46:00.006+01:00

Ah, da ist er ja wieder, der deutsche Fernseh-Eventmovie, hier bei Sat.1. Diesmal nicht als Zweiteiler würde sich "Restrisiko“ gerne hinter "Das China Syndrom“ oder "Silkwood" einreihen. Leider gelingt das nicht ganz. Noch nicht mal ansatzweise.

Aber wie im Film blenden wir vom Ende mal zum Anfang um. Ulrike Folkerts spielt hier die Sicherheitschefin eines KKW, filmdramatisch legitimiert natürlich geschieden, zwei Kinder, die lieber beim Journalisten-Vater und dessen schwangerer Lebensgefährtin sein wollen. Und dann ist da noch der Marketingheinz, der dem KKW-Betreiber ein besseres Image verpassen soll. Der bezahlt dies – natürlich erst, nachdem er auf die „richtige“ Seite gezogen wurde – gemäß filmischer Hybris mit seinem Leben. Man weiß aber nicht genau, warum, hat er sich doch der gleichen Strahlung ausgesetzt wie unsere Hauptdarstellerin. Ich weiß außerdem nicht, wie man sich mit einer Atemmaske sinnvoll vor Strahlung schützen möchte, die in ihrer Stärke ja für ein Massensterben verantwortlich sein soll.

Ein Transformatorenbrand (Krümmel lässt grüßen) soll vor der Atomaufsichtsbehörde verschwiegen werden, außerdem wird der alte Reaktor gerade modernisiert. Der Leitende Ingenieur ist absolut dagegen und wird dann natürlich von der bösen Atomlobby ermordet. Man stelle sich vor, die Pfeifen von Vattenfall, e.on oder EnBW würden Profikiller engagieren. Ersterer mag sich nicht unbedingt als Betreiber eines Kernkraftwerkes empfehlen, aber wir wollen doch bei einem sensiblen Thema gerne bei ernstzunehmenden Möglichkeiten bleiben.

Jetzt hat der Skriptautor eines Dramas über ein KKW das gleiche Problem wie der eines Flugzeugkatastrophenfilms: er muss ein überaus sicheres, mit mehrfachen Redundanzsystemen ausgerüstetes technisches System überlisten. Das geschieht hier, in dem die Einfassringe des Reaktors zu groß waren und dann einfach per Hydraulikpresse in die richtige Form gebracht wurden. Das führte natürlich schon zu einem vertuschten Störfall in den Achtzigern, mit dem dann auch gleich die Kinderleukämiehäufung in der Elbmarsch erklärt wird. Man könnte auch nach der echten Ursache suchen, aber sei's drum, ist ja alles nur Fiktion.

Man fragt sich schon, wie so etwas dann von den zuständigen Behörden abgenommen worden sein soll, als ob Reaktoren nicht unter extremer Aufsicht stünden, die Radioaktivität innerhalb und außerhalb des Containments, der Betonkuppel und der Umgebung nicht strengstens überwacht würde. Außerdem fordert Folkerts Charakter, alle Reaktoren des gleichen Typs sofort abzustellen. Hm, gab’s da überall die gleiche Schlamperei? Man weiß es nicht.

Warum man nicht, wenn man auf etwas aufmerksam machen möchte, z.B. keine Geschichte rund um die Endlagerung macht, hat natürlich dramaturgische Gründe. Ein explodierendes Kraftwerk macht eben deutlich mehr Eindruck. Als Freund von Katastrophenfilmen wird mir selbige übrigens auch noch vorenthalten. Es heißt nach der Umrüstung und Leistungssteigerung lediglich, dass sich die Moderatorenstäbe nicht mehr einfahren ließen. Kein Wort, warum das so wäre.

Nur zur Info: gerät der Reaktor außer Kontrolle, fallen die Stäbe automatisch in ihre Halterungen, da muss niemand etwas tun. Steigt die Temperatur weiterhin, wird das Containment geflutet. Danach hat man dann natürlich eine Betonkuppel voller stark radioaktivem Wasser inklusive nicht mehr funktionstüchtigem Reaktor, aber keine Kernschmelze. Oder gar Explosion.

Die Dokumentation nach dem Film habe ich nur in Ausschnitten gesehen. Da wird aber die Behauptung aufgestellt und unwidersprochen hingenommen, dass 2020 Deutschland komplett auf erneuerbare Energien umgestellt sein könnte. Das ist leider nicht richtig, denn bis heute gibt es nicht ansatzweise ein System zur Stromspeicherung im notwendigen Maßstab. Wir werden also noch eine ganze Weile auf konventionelle Stromerzeugung angewiesen sein.

Auch dieser Film hat mich nicht davon überzeugt, KKW würden eine so große Gefahr darstellen, dass man sie sofort abschalten müsste. Filmisch überzeugt er mit seinen beiden zeitlichen parallelen Handlungssträngen nicht. Ebenso mit einer Menge Details, für die mir hier jetzt Zeit und Lust fehlen.

Die Doku endet mit einem Blick auf eine Kunstinstallation, auf der auf Betongrabsteinen die Namen aller Abgeordneten des Bundestags stehen. Sie soll sie daran erinnern, die richtige Entscheidung zu treffen. Ich finde es ja bemerkenswert, Drohungen auszustrahlen.

Rapunzel – Neu verföhnt

2011-01-12T09:45:00.007+01:00

Ich hatte mich vor Weihnachten davon abbringen lassen, „Rapunzel“ anzusehen – das hätte ich mal lieber nicht getan. „Rapunzel“ ist neben „Inception“ von den Filmen, die ich gesehen habe, 2010 der wohl beste. Die beiden Werke lassen sich natürlich kaum vergleichen – „Rapunzel“ hinterlässt aber auch noch gute Laune, so eine hübsche Geschichte. Und ist übrigens der fünfzigste Disney-Hauptfilm.

Die Story basiert lose auf dem Märchen, fügt aber noch eine Liebesgeschichte inklusive dem Dieb Flynn sowie einen Haufen Nebencharaktere ein. Dazu gehört Rapunzels Freund Pascal, ein winziges Chamäleon, der Disney-typische lustige Sidekick. Und wenn es ein Disney-Film ist, wird natürlich auch gesungen, zum Ende gibt es noch eine Version des Hauptthemas gesungen von Monrose. Wo man nebenbei noch erkennen kann, dass die drei Mädels in der Tat singen können, ob einem die Musik nun gefällt oder nicht.

Stattdessen gibt es einen Haufen netter Gags, eine auch für Erwachsene leidlich spannende Handlung und eine passend große Portion Kitsch. Da wäre etwa die Szene mit den Himmelslaternen. Hach, war das schön. Kann man (also ich ) sogar ein paar Tränen verdrücken angesichts Rapunzels kindlicher Begeisterung. Ich habe außerdem noch keinen Film gesehen, in dem die 3D-Effekte so passend eingesetzt wurden, selbst in „Avatar“ nicht.

Unsere beiden virtuellen Hauptdarsteller machen ihren Job ganz hervorragend, ebenso die deutschen Synchronsprecher Moritz Bleibtreu und Alexandra Neldel. Der verzeihe ich hiermit ihren furchtbaren Auftritt bei „Bang Boom Bang“.

Den besten Knüller hebe ich mir aber für den Schluss auf. „Rapunzel“ ist, man glaubt es kaum, der zweitteuerste Film aller Zeiten. Teurer kam nur der dritte „Fluch der Karibik“-Teil, und den kann man genau genommen nicht richtig berechnen, da er ja mit dem zweiten Film der Reihe zusammen produziert worden ist. „Rapunzel“ hat schlappe 260 Millionen Dollar gekostet. Unfassbar. Ich bin mir absolut sicher, das geht billiger. Das möchte ich auch hoffen, denn mit diesem Film haben auch die Disney Animation Studios gezeigt, dass sie Vorzeigbares machen können und nicht immer alles von Pixar gestemmt werden muss. Obwohl Ausführender Produzent hier John Lasseter war.

PS: Hier ein kleines Werbevideo für Rapunzels heilendes Haar!

Meine Frau, unsere Kinder und ich

2011-01-05T19:31:00.001+01:00

Frohes Neues Jahr! Im Weihnachtsurlaub habe ich mir natürlich auch Filme angesehen, mangels vernünftiger Internetverbindung aber nichts online gestellt. Hier also Streich Eins:

Die Fockers sind wieder da – was soll da schon schief gehen? Die ersten beiden Teile sind Komödien-Klassiker, Ben Stiller hat es wieder geschafft, alle Schauspieler vor die Kamera zu zerren und außerdem noch weitere große Namen zu verpflichten. So Harvey Keitel als mies gelaunter Bauarbeiter, Laura Dern als Kindergarten-Direktorin und Jessica Alba (süß wie immer!) als etwas überdrehte Pharmareferentin.

Nur: leider reicht das nicht. Regisseur Jay Roach produziert diesmal nur, dem neuen Mann auf dem Regiestuhl kann man also nicht anlasten, dass „Little Fockers“ (im Original) nur noch ein blasser Abklatsch der ersten Filme ist.

Ja, es gibt schon noch gute Gags und Situationen von derartiger Absurdität, dass es einen vor Lachen schüttelt. Leider sind die eher dünn gesät, die Konflikte ebenfalls, und damit alles, was die anderen beiden Teile ausgemacht hat.

Ich habe mich jetzt nicht wirklich geärgert, aber das Geld für die Karten hätte ich mir sparen können. Ach ja: laut Wikipedia hatte der Film ein Budget von über 100 Millionen Dollar. Wo die nur geblieben sind? Der Film selber kann jedenfalls nicht allzu viel gekostet haben.

Somewhere

2010-11-23T10:50:00.005+01:00

Filme, die Preise abräumen, sind ja grundsätzlich schon verdächtig. Sofia Coppolas letztes Werk hat den „Goldenen Löwen“ gewonnen – ansehen kann man sich den Film aber trotzdem. ;)
Johnny Marco (Stephen Dorff) ist ein Hollywood-Star und lebt als Dauerbewohner einer Suite im Hotel. Sein Leben besteht aus Trinken, Rauchen, Gelegenheitssex und Parties. Zuweilen besucht ihn seine Tochter Cleo – das elfjährige Mädchen ist das einzig Normale in dem ganzen Film.
Die Leere seines Daseins zeigt sich gleich am Anfang, als man Marco sieht, wie er minutenlang mit seinem Ferrari in der Wüste Kreise fährt. Wenn er einfach in seiner Suite auf dem Sofa sitzt, trinkt und raucht. Eine hübsche Szene haben wir da, wo Marco vor sich hin starrt, einen Schluck aus der Flasche nimmt, einen Zug von seiner Zigarette, wieder einen Schluck und dann die Flasche abstellt. Dann schaut er sich das Obst auf dem Tisch an, nimmt eine Birne in die Hand und legt sie wieder weg. Klasse.
Eines Tages ruft Layla, Cleos Mutter, Marco an und sagt ihm, sie müsse Zeit für sich allein haben und lässt ihr Kind bei ihm. Notgedrungen nimmt er Cleo mit auf die Promotour für seinen neuen Film und hat gute Mühe, sein Sexualleben vor seiner Tochter geheim zu halten – die selbiges natürlich missbilligt.
Cleo ist womöglich schon an Marcos Luxusleben gewöhnt, zeigt sich aber trotzdem noch recht normal, etwa wenn sie Frühstück für ihren Vater macht. Andererseits hat sie kein Problem, für ihr Sommercamp mit Papis Kreditkarte einzukaufen und sich dann mit dem Hubschrauber dorthin fliegen zu lassen.
Marco wird nach dem Abschied von seiner Tochter klar, dass sich in seinem Leben etwas ändern muss. Er versucht, selber Essen zu kochen und lässt in der letzten Szene seinen Wagen mit steckendem Schlüssel stehen.
Stephen Dorff, mir hauptsächlich als Bösewicht aus „Blade“ bekannt, zeigt hier wie dort, dass er ein wandlungsfähiger, talentierter Schauspieler ist. Etwa wenn Johnny Marco einen Termin bei einer SFX-Firma macht, die seinen Gesichtsabdruck nehmen wollen. Und dann 40 Minuten unter einer Gipsmaske verbringen darf.
Der Film hat gute Momente. Leider ist die Moral so vorherseh- wie durchschaubar. Ich bin also ein wenig enttäuscht – von Marcos Konflikten wird kaum etwas tiefer dargestellt, warum ist seine Ehe gescheitert, warum ruft er in Depressionen seine Exfrau an, was genau macht die Leere in seinem Inneren aus? Vielversprechend: Elle Fanning als seine Tochter, die jüngere Schwester von Dakota Fanning. Hübsch auch Benicio del Toro, der einen Cameoauftritt im Aufzug eines Luxushotels hat.
Die Musik von Phoenix kommt spärlich und passt meiner Meinung nach dann kaum. Das einzig gute ist das Titelstück, das die Motorengeräusche von Marcos Wagen aufgreift. Sofia Coppolas Freund ist Musiker und spielt bei Phoenix. Möglicherweise wäre es besser, das jemandem zu überlassen, mit dem man nicht verbandelt ist.

R.E.D.

2010-11-01T23:00:00.002+01:00

Eine Agenten-Altherrenriege im Ruhestand, die den jungen Schnöseln noch mal zeigt, wo der Hammer hängt? Könnte ja ganz lustig sein! Und gut besetzt ist der Film auch noch! Bruce Willis, Helen Mirren, John Malkovich, Morgan Freeman und – kaum zu erkennen – Richard Dreyfus spielen den armen Karl Urban direkt an die Wand. Oh, und als CIA-Archivar: Ernest Borgnine. Ich hatte gedacht, der wäre tot.

„Flightplan“-Regisseur Robert Schwentke schafft es leider nicht, diese Actionkomödie stringent umzusetzen. Der Film hat eine Reihe Highlights, etwa die Anfangssequenz, in der Bruce Willis gezeigt wird, wie er die Pension nicht wirklich verkraftet, morgens um 06.00 aufwacht ohne Wecker, trainiert, sein Essen macht und mit der Frau vom Agenten-Pensionsfonds redet, seiner offensichtlich einzigen Abwechslung.

Stellenweise brutal schafft der Film es jedoch nicht, die nötige Leichtigkeit für eine Komödie aufzubringen, oft genug ist er einfach nur albern. Die Momente, die tatsächlich ernst sind, kommen daher zu unvermittelt. Die Actionszenen hat man so auch schon gesehen.

Alles in allem – schade. Sowohl Schauspieler als auch das Sujet hätten eine Menge Potenzial gehabt. Also, auch hier wieder mein trauriges Lieblingsfazit: Hier wäre erheblich mehr drin gewesen.

Iron Man 2

2010-10-23T09:52:00.003+02:00

Ich habe einen Fehler gemacht. Ich habe auf die Kritiken vertraut und mir „Iron Man 2“ nicht im Kino angesehen. Acht Euro für die DVD wollte ich aber doch riskieren. Und was soll ich sagen, natürlich hält „Iron Man 2“ mit seinem Vorgänger mit.

Jon Favreau (der auch Tony Starks Leibwächter spielt) führt die Linie des ersten Films stringent weiter. Auch wenn andere Leute was anderes behaupten, hier findet sich genauso der subversive Humor von „Iron Man“ wieder, Robert Downey jr. läuft hier ebenfalls wieder zu Hochform auf.

Überhaupt ist der Film gut besetzt. Sein Gegenspieler ist Mickey Rourke, womit wir nun zwei Achtziger-Stars haben, die einen üblen Absturz erlebt haben und heute wieder da sind. Don Cheadle spielt Lt. Col. Rhodes (der einzige Schauspieler, der gegenüber der Originalbesetzung ausgetauscht wurde), Gwyneth Peltrow ist wieder als Pepper Potts zu sehen. Scarlett Johansson als Black Widow macht wortwörtlich eine gute Figur, Samuel L. Jackson als ihr Boss Nick Fury ganz genauso - gut, nicht wortwörtlich. Großer Vorteil: Marvel hat nun selbst die Filmproduktion in Händen. Und deswegen werden wir in den nächsten Jahren eine Reihe Cross-Overs sehen, Jackson allein wird in insgesamt neuen Filmen seine Rolle verkörpern. Alles wirkt nun deutlich stringenter.

Dieselbe Leichtigkeit wie im Vorgänger durchzieht den ganzen Film, selbst in der Szene, in der Tony Stark Frieden mit seinem Vater schließt. Umgeben von Hologrammen und anderer Higtech sieht sich Stark eine Botschaft seines Vaters für ihn aus den Siebzigern auf 16mm-Film an. Sehr hübsch.

Einer der Höhepunkte ist die Senatsanhörung, in der Stark seinen Superanzug gegenüber dem Militär und Politikern verteidigt, die das Ding gerne selbst kontrollieren möchten. Dass Stark in Heimarbeit noch eben ein neues chemisches Element bastelt, sei dem Sujet verziehen. Stattdessen bekommt man auch hier mal wieder zu sehen, zu was Hollywoods Tricktechnik in der Lage ist.

Also: der dritte Teil, der für 2013 avisiert ist, kann kommen. Ebenso die „Avengers“, in der Downey Jr. einen Gastauftritt hat. Allerdings führt Joss Whedon Regie und schreibt auch das Drehbuch. Und nachdem ich ihn zeitweilig für talentiert gehalten habe, musste ich leider erkennen, dass Whedon eher ein Talent für Kassengifte hat, die eine Nerd-Gefolgschaft haben – „Firefly“ etwa. Wer sonst kommt schon auf die Idee, SF mit Western zu verbinden.

Aber ich schweife ab. Ich werde den Film jedenfalls fürs Kino vormerken.

Kongo

2010-10-19T17:07:00.002+02:00

Ein verzwickter EUFOR-Einsatz, ein Feldwebel, der angeblich Selbstmord begangen hat, der Verdacht auf ermordete Zivilisten – der Job von Oberleutnant Ziegler (Maria Simon) ist nicht leicht. Die junge Offizierin der Feldjäger kommt in ein deutsches BW-Lager im Kongo, um dort den Tod eines Soldaten zu untersuchen. Und schon bald finden sich Ungereimtheiten.

Das Szenario ist sehr gut gewählt – im Ost-Kongo geht es bereits seit Jahren zur Sache. Kindersoldaten, grauenhafte Verletzungen durch Macheten, Vergewaltigung, Tod und spannende Rohstoffe sind eine ganz schlechte Kombination.

Teamworx hat für das ZDF einen Fernsehfilm gemacht, der die Themen Auslandseinsatz und Probleme im Kongo vereint. Daraus einen spannende, aufrüttelnden Film zu machen, wäre eigentlich kein Problem gewesen. Stattdessen bekommen wir hier ein Kammerspiel serviert, das von Pappfiguren bevölkert wird: die ehrgeizige Offizierin, die sich in einer Männerwelt durchsetzen muss, der kommandierende Offizier, der sich als Feingeist entpuppt, ein ruppiger Hauptmann (Jörg Schüttauf), der die Ermittlungen behindert, schießgeile Soldaten und welche, die innerhalb von Minuten posttraumatische Stresssyndrome entwickeln. Huhu, das heißt „posttraumatisch“, weil es noch Jahre später auftaucht.

Ne, Leute – bei der Bundeswehr hieße es „Nochmaaaaal!“ Hier ist das leider nicht möglich. Die ganze Thematik der Brutalität war den Filmemachern entweder für einen Fernsehfilm zu hart, oder sie haben sich nicht getraut. Man hätte außerdem tatsächlich einen Blick auf das Dilemma unserer Soldaten im Ausland werfen können, wo man nie weiß, wer ist Gegner und wer nicht, wem helfen wir, wem nicht, was ist hier das Richtige und gibt es das überhaupt?

Hölzerne Dialoge täuschen über mannigfaltige Fehler in Ausrüstung, Verhalten und Gebaren der Soldaten auch nicht mehr hinweg. Ganz schlimm die Dramaturgie – in der „Actionszene“ kurz vor Schluß läuft Oberleutnant Ziegler hinter ihrer fliehenden Übersetzerin her, stolpert über eine Wurzel und erlebt dann eine Art Traumsequenz. Ich hätte ja gedacht, dass man wieder aufsteht, wenn man fällt. Aber man kann auch wie die junge Dame durchdrehen, mit der Waffe in die Luft schießen und dann warten. Hilfe kommt natürlich gleich in Form des Hauptmanns, ihres Haupt-Antagonisten (sorry, ich konnte nicht anders), der bei „Mann unten!“ natürlich sofort persönlich Soldaten rettet. Mannomann.

Weiter warte ich auf einen Film, der das Thema der Auslandseinsätze der BW atmosphärisch dicht eindringlich darstellt. Liebe Filmemacher, habt Mut – das geht.

No country for old men

2010-09-26T15:14:00.003+02:00

Jaja, ich weiß, ich hätte mir den Film schon eher ansehen sollen. Aber die DVD lag da und lag da … es ist ganz klar der Gesichtsausdruck von Javier Bardem auf dem Cover, der mich davon abgehalten hat.

Die Gebrüder Coen haben sich wieder mal mit dem Thema Verbrechen und Gewalt beschäftigt. Ein Vietnam-Veteran (Josh Brolin) und Trailer Park-Bewohner in Texas gerät Anfang der Achtziger zufällig an zwei Millionen Dollar Drogengeld. Das hätten deren Eigentümer gerne wieder, außerdem ist ein Sheriff (Tommy Lee Jones) allen auf den Fersen.

Und ums gleich zu verraten: das geht nicht gut aus. Besonders brillant dabei ist der Spanier Javier Bardem in der Rolle des Drogendealer-Killers. Er tötet bevorzugt mit Druckluft und einer Pumpgun mit Schalldämpfer. Und glaubt’s mir, ich hatte selten so viel Schiss vor einer bestimmten Person. Ich hoffe, der begegnet mir nie im Dunkeln. Dazwischen turnt noch Woody Harrelson herum, der dafür sorgen soll, dass das Geld auch wirklich wieder bei den Eigentümern ankommt.

Hier kommt auch der wohl hinreißendste Dialog im ganzen Film vor, wird bei imdb komplett ignoriert. Harrelsons Charakter, ein Killer, sagt zu einem Drogenboß, der sein Büro in einem Hochhaus hat: „Ich habe die Stockwerke gezählt – es scheint eins zu fehlen.“ Antwort: „Wir kümmern uns darum.“ Was wollen sie wohl tun? Noch ein Stockwerk einziehen?

Ansonsten gibt’s in dem Film weniger zu lachen. Aber jede Menge bemerkenswerter Szenen. Zum Beispiel der Sheriff, der mit einem nicht allzu schlauen Deputy geschlagen ist, doch trotzdem nie die Contenance verliert. Oder die interessanten Gespräche des Killers, die allzu häufig damit enden, dass nur einer überlebt.

All das ist bemerkenswert ruhig inszeniert und verliert trotzdem keine Sekunde die Spannung. Einen Showdown im klassischen Sinne haben wir nicht, stattdessen erzählt uns Tommy Lee Jones am Ende zwei seiner Träume, über die es einiges nachzudenken gibt.

Trivia: Josh Brolin wollte die Rolle unbedingt und bat am Set von „Planet Terror“ Robert Rodriguez, ein Demotape von ihm zu machen. Was damit endete, dass Rodriguez Regie führte und Quentin Tarantino die Kamera bediente.

Persönlich eher geschmacklos finde ich, dass der Sheriff sich mit seinem Amtskollegen in El Paso unterhält und der den Niedergang der Gesellschaft beklagt. Gerade erst sei ein Richter erschossen worden. Das ist in der Realität 1979 tatsächlich geschehen, und der Täter, ein Auftragsmörder, war niemand anderes als Woody Harrelsons Vater.

Resident Evil: Extinction

2010-09-19T23:02:00.001+02:00

Rechtzeitig zum Release von „Resident Evil: Afterlife“ im Kino kam der Vorgänger im Fernsehen. Ach, was sehe ich mir das alles eigentlich noch an? Ja, ich gebe es zu: ich hatte Hoffnung. Ich habe sie immer noch, aber nach jedem Rückschlag wird es etwas weniger.

Doch zurück zum Film. Nach den Ereignissen der ersten beiden Teile hat der T-Virus die komplette Welt überrannt, es gibt kaum noch Überlebende, dafür jede Menge Zombies. Aus irgendwelchen Gründen hat der Virus aber auch alles restliche Leben getötet, also sieht es auf der ganzen Welt so aus wie in New Mexico, dem Drehort - wie praktisch.

Alice wandert durch die Gegend, während die böse Umbrella Corporation versucht, die Zombies zu einer Art Sklavenarbeiter umzufunktionieren. Dazu züchten sie Klone von Alice, bekommen aber auch Interesse an ihr selber, als sie anfängt, psionische Fähigkeiten wie Telekinese zu entwickeln.

Regie hat Russell Mulcahy geführt, verantwortlich für den brillanten „Highlander“ und den ebenso grauenhaften Nachfolger. Das Drehbuch hat Paul W.S. Anderson verfasst, der für mich nur ganz knapp über Uwe Boll steht. Anderson hat einen einzigen interessanten Film gemacht, „Event Horizon“, und auch den verbockt. Der Rest ist alles uninspiriertes, unoriginelles Zeug ohne eine einzige eigene Idee. „Alien vs Predators“ zum Beispiel. Der zugegebenermaßen besser ist als sein Nachfolger.

Hier haben wir eine Art „Mad Max“ trifft auf Zombies. Laaaaangweilig. Hat aber genug Geld gebracht, mit „Resident Evil: Afterlife“ einen 3D-Film zu produzieren. Der wiederum läuft gerade recht gut, ein fünfter Teil ist also zu befürchten.

Andromeda - Tödlicher Staub aus dem All

2010-09-13T23:19:00.003+02:00

Wie? Was? Hatten wir den Film hier im Blog nicht schon? Ja – aber die Originalversion. Für das US-Fernsehen wurde eine „Miniserie“ produziert, hier heißt das dann ganz unglamourös Zweiteiler. Und Fernseh-Niveau hat das Ganze dann auch. In den Hauptrollen: Ami-Fernsehdarsteller, etwa Benjamin Bratt („Law and Order“) und Christa Miller, bekannt aus „Scrubs“.

Die Handlung des Buches reicht natürlich nicht für 169 Minuten, also wurde der Stoff nicht nur aktualisiert, sondern auch erheblich erweitert. Und hier haben das erste Problem, denn all diese Erweiterungen zeichnen sich vor allem dadurch aus, ganz großer Mist zu sein.

Das fängt schon mal bei der Konzeption von Andromeda an, das hier kein Virus, sondern eine auf Schwefel basierende Lebensform ist. Und er kommt nicht einfach wie im Original aus der oberen Atmosphäre, sondern – ja genau – aus einem Wurmloch aus der Zukunft. Denn da kämpfen die Menschen ebenfalls gegen diese Krankheit, und nur irgendwelche Bakterien, die in der Nähe der „Schwarzen Raucher“ am Meeresboden leben, können Andromeda besiegen. Man weiß nicht genau, wieso.

Neue Charaktere gibt es auch. Etwa Jack Nash, den rasenden koksenden Reporter, der seinen Teil zur Aufklärung beiträgt, sowie mehrere miese Militärs, die alles vertuschen wollen. Überhaupt scheint den Autoren des Fernsehdrehbuchs nicht ganz klar zu sein, warum die Laborarbeit in der Vorlage im Geheimen stattfindet: nicht zum Vertuschen irgendwelcher Militärschweinereien, sondern um eine weltweite Panik zu vermeiden.

Dazu kommen eine große Menge faktischer Fehler. Etwa dass die Drehbuchschreiber nicht wissen, dass der Magensäurespiegel nichts mit dem ph-Wert des Blutes zu tun. Oder dass eine F-16 nicht so langsam wie ein Jet Ranger-Helikopter fliegen kann ohne abzustürzen. Wie im Original gibt der Präsident den Befehl, Andromeda per Nuklearschlag zu vernichten. Und wie im Original muss dieser aufgehalten werden. Nur ist das hier wesentlich dramatischer, mit Live-Feed ins Cockpit der Maschine. Und als der Atomangriff abgesagt wird, greift hier Andromeda ein, setzt die bereits entschärfte Waffe wieder in den entsicherten Zustand und sorgt so für eine Explosion.

Also: Andromeda denkt und hält Kontakt untereinander. Wie und warum, wird nicht erklärt. Zum zweiten: eine Atombombe explodiert nicht beim Aufschlag auf den Boden wie eine reguläre Bombe mit Aufschlagzünder. Zum dritten: die F-16 flog sehr niedrig, unwahrscheinlich bei einem Nuklearwaffeneinsatz. Und was hatten die vor? Wollten die das Ding auf dem Boden explodieren lassen? Sehr dämlich – auf dem Testgelände der ersten Atombombe strahlt es noch heute wie Seuche, man zündet so was in ein paar hundert Metern Höhe.

Und noch mehr Spaß mit der Kernspaltung: Im Original hatte das Labor einen Atomsprengsatz, um im Notfall die ganze Anlage zerstören zu können. Hier gibt es einen Atomreaktor, der dann zum Schmelzen gebracht werden soll. Um genau das zu verhindern, klettern unsere Protagonisten kurz vor Ende einen zylindrischen Schacht hoch. Nur: hier haben wir am Ende des Schachtes die Reaktorkühlung. Ja, schon blöd, wenn man das Kühlwasser da einfach so offen stehen lässt. Und so stirbt gleich einer der Wissenschaftler. Ich würde ja sogar sagen, es stirbt jeder, der in den Schacht klettert, und hoffentlich ist der gut gegen Radioaktivität gesichert.

Sorry, das war überhaupt nix. So wie die Seuche sich hier ausbreitet, hielte sie nichts und niemand mehr auf. Bitte nicht ansehen. Von den lauen Trickeffekten will ich gar nicht reden, da sind die aus dem fast 40 Jahre alten Original besser. Und warum schaue ich mir an einem lauen Sommerabend eine DVD an?

The Expendables

2010-09-05T15:43:00.003+02:00

Nachdem Bruder Mick schon vor längerer Zeit mal die grandiose Idee hatte, alle 80er-Actionstars in einem Film zu verbraten, hat Sylvester Stallone das nun in die Tat umgesetzt. Mit einer überaus hochkarätigen Besetzung erfüllt dieser schöne, geradlinige Actionfilm genau das, was er verspricht.

Stallone ist es gelungen, sowohl neue Helden wie Jasons Statham zu verpflichten wie auch einige Urgesteine. Da wären: Jet Li und Dolph Lundgren, in einem Kurzauftritt tauchen noch Bruce Willis und Arnold Schwarzenegger auf. Fantastisch, wenn es hierzulande auch ein kleines Problem gibt – sowohl Schwarzenegger als auch Stallone haben mit Thomas Danneberg dieselbe Synchronstimme. Der bemüht sich auch redlich, aber es klappt nicht so hundertprozentig.

Aus dem Fast-Charakterfach haben wir Mickey Rourke, der den einzigen Moment, in dem etwas Schauspielkunst erforderlich ist, souverän meistert. Die Szene hätte übelst kippen können, aber Rourke wie auch Drehbuch und Schnitt bekommen absolut rechtzeitig die Kurve. Eric Roberts spielt genauso routiniert den Bösewicht.

Die Expendables, eine Söldnertruppe, fallen allein schon durch ihre Chemie auf. Anders als in sehr vielen anderen Filmen stimmt das Zusammenspiel, achtet auf die Abschnitte in Tools Tätowierstudio.

Nach Beginn vergehen keine zehn Minuten, bis ich den nicht wegzudiskutierenden Eindruck bekomme, dass es nach Männerschweiß riecht. Nach richtigem Schweiß. Mit echtem Testosteron. Nicht der Geruch, der einem im Fitnessstudio aus dem Kraftraum entgegenweht. Nein, kerniger, kräftiger Männerschweiß. Außerdem weiß ich nun auch, dass sich ein Flugzeug mit dem Steuer in der einen, mit dem Bier in der anderen Hand fliegen lässt. Zigarre im Mundwinkel nicht vergessen.

Der Film ist eine gelungene Aneinanderreihung von mehr oder weniger gewalttätigen Sequenzen – dass wir uns nicht falsch verstehen, „The Expendables“ ist hierzulande nicht unter 18 Jahren freigegeben, und zwar mit absoluter Berechtigung. Man könnte sich mal die Muße antun und alle verschiedenen Tötungsarten aufzählen. Oder das viele Schießwerkzeug oder die großen Messer. Oder die Toten – 200 Soldaten sollen auf dem Eiland sein, das Stallone & Co. aufmischen. Ich bin mir recht sicher, zehn Minuten vor Schluss spätestens hätte schon der Nachschub ausgehen müssen. ;)

Und trotzdem wirkt die Gewalt nicht aufgesetzt, so in der Szene, in der Statham dem neuen Freund seiner Ex erklärt, wie man eine Lady behandelt. Und zwar sicherlich die eine oder andere Extremität dabei in Mitleidenschaft gezogen wird, gut, vielleicht auch ein paar Gesichter, aber getötet wird dabei niemand.

Ein paar Kleinigkeiten stören, so wird etwa die Motivation von Stallones Charakter Ross in der Mitte des Films nicht wirklich klar, und einer der Bösewichter, ein General, ist eine tragische Figur, aus der man sicherlich mehr hätte machen können. Ich hatte außerdem auch hier wieder mal gehofft, dass es einen hübschen Kampf Hubschrauber gegen Wasserflugzeug geben würde, wurde da aber enttäuscht. Ist natürlich mein Problem. Und noch eins: Herr Stallone, extreme Gesichts-Nahaufnahmen verlieren an Kraft, wenn man sie allzu häufig einsetzt.

Aber keine Sorge – es bleibt genügend Action übrig. Hier erfährt man keine neuen Einblicke in das Leben, lernt keine interessanten Charaktere kennen. „The Expendables“ ist ein handwerklich sauber gemachter, direkter und amüsanter Kracher mit Klassiker-Potenzial. Ein Sequel ist bereits in Planung; da Stallone aber jedem etwas anderes erzählt, lasse ich mich überraschen, was nun tatsächlich geschieht.

In der Zwischenzeit habe ich hier für Euch ein hübsches kleines Interview auf youtube gefunden, das sehr gut den Geist des Streifens wiedergibt. ;)

Desperado

2010-08-29T00:17:00.003+02:00

Mir war aufgefallen, dass ich diesen besseren Film von Robert Rodriguez noch nie ganz gesehen hatte. Also habe ich mich mit ein paar mexikanischen Bier (und keine der gleichnamigen eklig-süßen Pisse oder einem Szene-Corona) in meinen Fernsehsessel gesetzt und den zweiten Teil der „El Mariachi“-Trilogie angesehen. Und den Besten.

Die schöne Eingangsszene mit Steve Buscemi gehört wohl zu den Besten der neueren Filmgeschichte. Wie er da den Ami spielt, der sich abrippen lässt, mieses Bier serviert bekommt und trotzdem die ganze Bar in Schrecken versetzt – herrlich.

Salma Hayek war da noch jung und hübsch, Antonio Banderas zumindest jung. ;)

Es gibt meiner Meinung nach ein paar Längen, vor allem wenn es um Carolina und ihren Buchhandel geht, ansonsten sehr hübsch. Die ganzen Anleihen an Spaghetti-Western und deren Neuinterpretation – einfach schön.

Wen es interessiert – Banderas singt seine Lieder tatsächlich selbst. Außerdem führte er 2nd-Unit-Regie bei der Kampfszene in der Bar. Beim Durchwühlen seines Gitarrenkoffers zeigt er Carolina übrigens die gleiche Waffe, die „Sex-Machine“ in „From Dusk till Dawn“ benutzt. Die mit den zwei Trommeln und dem Rohr in der Mitte. ;)

Inception

2010-08-15T23:09:00.007+02:00

Is all what we see or seem
But a dream within a dream?

(Edgar Allan Poe)

Meine lieben Wachowskis – schaut mal her, so kann man einen Film machen, der sich mit verschiedenen Realitätsebenen auseinandersetzt und den man trotzdem verstehen kann. Man muss keinen französischen Existenzialismus hineinbringen, um einen intelligenten Thriller zu konstruieren. Gut, ich weiß natürlich nicht, ob es zu „Inception“ Nachfolger gibt und wie die dann aussehen. ;)

Nachdem er den wohl besten „Batman“-Film inszeniert hat, durfte Regisseur (und hier auch Autor) Christopher Nolan eine Geschichte realisieren, an der er seit zehn Jahren arbeitet. Dass er diesen Streifen mit Leonardo diCaprio besetzt hat und Christian Bale in dem Film nicht auftaucht, rechne ich Nolan dabei besonders hoch an.

diCaprio spielt mit souveräner Intensität einen Traumdieb. Mittels einer speziellen Technologie ist es möglich, in anderer Leute Träume einzudringen und dort beispielsweise Industriegeheimnisse zu stehlen. Was in der Psychotherapie eine Revolution wäre, ist für andere Menschen ein Super-Geschäft. So für Dom Cobb (DiCaprio), dessen letzter Auftrag fehlschlägt. Nun muss er für das vermeintliche Opfer einen Auftrag erledigen, der als unmöglich gilt: eine Inception durchzuführen, jemandem einen Gedanken einzupflanzen.
Also sucht er sich in klassischer Einbruchsfilm-Manier ein Team zusammen. Schön: die Architektin, welche die Traumwelten erstellt, heißt Ariadne. Und zwar nicht grundlos, wie sich im Film herausstellt. Es läuft natürlich nicht alles so wie geplant, was an Cobbs Unterbewusstsein liegt – und im Verlauf der Handlung muss er sich seinen eigenen Dämonen stellen.

Und entweder bin ich deutlich intelligenter als die Masse oder das, was ich in so ziemlich allen Kritiken bisher gelesen habe, stimmt nicht: man muss keineswegs jede einzelne Sekunde des Filmes einsaugen und verstehen. Sobald man die grundsätzliche Mechanik des In-einen-Traum-gehens verstanden hat, ist das Folgen der Handlung eigentlich recht einfach. Wir haben es hier mit mehreren Traumebenen zu tun, die aber sehr leicht voneinander zu unterscheiden sind. Natürlich gibt es wichtige Schlüsselszenen, doch die haben wir wohl in jedem Film.

Bis in die Nebenrollen hervorragend besetzt (Michael Caine als Cobbs Vater, Pete Postlethwaite als Vater des zu beeinflussenden Opfers) macht es einfach Spaß, dem Ensemble bei der Arbeit zuzusehen. diCaprio spielt (wie auch in dem brillanten Psycho-Thriller„Shutter Island“) einen zerrissenen Charakter, dessen Ehefrau der Schlüssel zu einem schrecklichen Geheimnis ist.

Der bisland beste Film des Jahres!
Und jetzt Frage an alle: fällt der Kreisel oder tut er es nicht?

The Reaping

2010-08-08T22:45:00.001+02:00

Schnarch.

Toy Story 3

2010-08-05T18:11:00.002+02:00

Als erstes: man kann immer noch unbesehen in einen Film gehen, an dessen Anfang die berühmte „Pixar“-Schreibtischlampe auf dem Ball herumhüpft. Der dritte „Toy Story“-Teil ist womöglich der Beste der Reihe.

Andy geht aufs College. WAS?!? Was wird aus den Spielzeugen? Aus Woody? Aus Buzz? Und seine kleine Schwester interessiert sich nicht mehr für ihre Barbie-Puppe! Nachdem die Figuren schon seit Jahren nicht mehr angefasst worden sind, scheint nur Woody Andy zum College begleiten zu dürfen – alle anderen Sachen kommen weg. Nur wohin?

In einer gleich zu Beginn saukomischen Szene erklärt Woody den Anderen, dass es auf dem Speicher doch auch schön sei, der alte Fernseher stehe dort, und solange jeder noch Batterien hat …

Doch die Handlung verschlägt unsere Protagonisten in eine Kita. Das ist doch toll! Viele Kinder, die den ganzen Tag nur spielen wollen! Und Anführer der Spielzeuge im Hort ist Lotso, ein großer, rosa knuddeliger Kuschelbär, der auch noch nach Erdbeeren riecht! Aber das ist alles nur Fassade, und Lotso dürfte der wohl mit Abstand fieseste Bösewicht in einem „Toy Story“-Film sein.

Die Kita gleicht eher einem Gefängnis, und Regisseur Unkrich macht Anleihen an diverse Ausbruchs- und sogar Horrorfilmen. Was zu sagenhaften Szenen führt. Um nicht noch mehr zu verraten, ich hatte teilweise wirklich Angst um die Spielzeuge, und der Schluss hat mich zu Tränen gerührt.

Hiermit zeigt sich – wieder einmal – dass Pixar-Filme nicht wegen ihrer Technik (und den hier zurückhaltend aber trotzdem hübsch eingesetzten 3D-Effekten), sondern wegen ihrer Stories seit 15 Jahren Garant für hervorragende Familienunterhaltung sind. Eine schöne Geschichte über Verlust, Abschied und Zusammenhalt.

Und natürlich gibt es auch hier einen überaus komischen Vorfilm!

Leider hat sich Disney hier in einer Sache durchgesetzt: Woody wird nicht mehr von Peer Augustinski wie in den beiden Vorgängern synchronisiert, sondern von Michael Herbig. Seufz. Natürlich sind dann auch Christian Tramitz und Rick Kavanian nicht weit, aber die fallen nicht negativ auf – Tramitz synchronisiert Ken (Ja! Endlich!), der ja neu ist, und Kavanian Rex, was ebenfalls gut klappt. Aber Woody – nein, wie konnte man das nur tun. Herbig sagt im TV Movie-Interview „Als ich gefragt wurde, habe ich … vergessen, vorher um Erlaubnis zu fragen. Mein Fehler.“ Einer, unter dem wir leider alle leiden müssen.

Der Nebel

2010-08-03T00:18:00.003+02:00

Frank Darabont zeichnet für die bisher besten King-Verfilmungen „Die Verurteilten“ und „Green Mile“ verantwortlich. (Bevor die Kubrick-Fans kommen: jaja, nur ist „Shining“ doch schon ein paar Jährchen her.) Mit „Der Nebel“ hat er sich an ein klassischeres Horrorthema von King gewagt.

In einer Kleinstadt bei Castle Rock im Bundesstaat Maine geht ein Vater mit seinem Sohn nach einem heftigen Sturm einkaufen. Ein überaus merkwürdiger Nebel zieht auf, und bald schon stellt sich heraus: da ist etwas im Nebel. Sehr schnell finden sich die Kunden als Belagerte wieder, und da hilft es nicht wirklich, dass eine religiös Verblendete mit eingesperrt ist.

Ist schon ein merkwürdiger Zufall, King hat die Geschichte 1980 geschrieben (als man noch in einer Geschichte jemanden ein paar Dosen Bier trinken und trotzdem Auto fahren lassen konnte), im gleichen Jahr, als „The Fog“ ins Kino kam. Aber wir wollen gar nicht weiter spekulieren – dieser Film packt zu gleichen Teilen durch die soziale Komponente wie auch den Horrorteil durch eine klare Bedrohung.

Darabont hat die Story ein wenig umgearbeitet, pointiert und schneller gemacht, trotzdem hält er sich sehr exakt an die Vorlage – was zeigt, dass sie auch nach fast 30 Jahren nichts verloren hat. Ich bin ja eh der Meinung, dass King in der Zeit von 1980 bis 1989 seine besten Romane geschrieben hat. Da lasse ich auch noch die religiöse Spinnerin durchgehen, weil er diesen Typ Charakter da noch nicht so häufig benutzt hat.

Der Film hatte mit unter 20 Millionen Dollar ein eher kleines Budget, das schadet ihm aber kaum – mag natürlich daran liegen, dass der größte Teil des Films in einem Supermarkt spielt. ;) Ein guter Teil dürfte eh für die Trickeffekte draufgegangen sein.

Noch ein paar kleine Bonmots zum Schluss: das Bild, was unser Held zu Beginn malt, ist Roland vor dem Dunklen Turm, außerdem hängen noch Plakate zu „Green Mile“ und „Das Ding“ an den Wänden. Und die Valve-Programmierer von „Half-Life“ haben zugegeben, sich bei der Handlung ihres PC-Klassikers von der „Der Nebel“ inspiriert zu lassen haben.

Predators

2010-07-25T22:57:00.003+02:00

Nach den beiden unrühmlichen „Alien vs. Predators“-Crossovern, die eigentlich verboten gehören, wollte Robert Rodriguez dem Franchise neues Leben einhauchen. Wir erinnern uns, 1987 kam der erste „Predator“ in die Kinos und wurde von Arnold Schwarzenegger in die Schranken gewiesen, in den Neunzigern gab es eine gute Fortsetzung.

Hier kommen nun neben Rodriguez einige klangvolle Namen zusammen, etwa Adrien Brody als Hauptdarsteller, oder Laurence Fishburn. Verheißungsvoll. Und leider, leider völlig zu unrecht. Ich würde ja behaupten, man habe den Mann nicht machen lassen. Aber das Drehbuch basiert auf einem Entwurf von Rodriguez aus dem Jahre 1994, außerdem hatte er die kreative Kontrolle.

Dabei fängt der Film schön an, wie meine Begleitung meinte, „es ist alles da“. Richtig. Und trotzdem ist der Streifen ein Beispiel dafür, wie man es versemmeln kann. Um eins klarzustellen: ich finde das Original schon nicht überragend, aber ziemlich gut.

Hier hat man nie Angst um die Gruppe, das ganze Potenzial wird kaum ausgeschöpft. Wer die Handlung nicht kennt: eine Anzahl Menschen, bestehend aus Kämpfern mit unterschiedlichstem kulturellen Hintergrund, wird auf einem unbekannten Planeten ausgesetzt, um fortan zur Unterhaltung der Predatoren zu dienen.

Jegliches Konfliktpotenzial, bestehend aus besagten unterschiedlichen Hintergründen, wird erfolgreich ignoriert und umschifft. All die interessanten Gespräche über das Töten, die sich ergeben könnten, über die moralischen und philosophischen Implikationen – nichts da. Fast wünschte man sich, Tarantino hätte mitgeschrieben.

Stattdessen haben die Autoren nichts über den Background ihrer Charaktere recherchiert, das hätte jeder aus dem Stegreif gekonnt. Wieder – nichts. Stattdessen peinliche Actionfilm-Sprüche, und wir verstehen uns richtig, es geht nicht darum, dass Sprüche in Actionfilmen generell peinlich wären. _Diese_ hier sind peinlich. Kostprobe?
„Wer bist Du?“
„Am Leben!“
Hinter mir saß eine Frau, die die restlichen Dialoge ergänzt hat. Normalerweise hätte mich das tierisch genervt, aber sie hat nur das laut gesagt, was ich eine Sekunde vorher gedacht habe.

Und besonders schlimm: Laurence Fishburn. Der sitzt schon seit vielen Jahren auf dem Planeten und versteckt sich vor den Predatoren. Zum einen müssen die schon ziemlich dämlich sein, zum zweiten fragt man sich, wie schafft der alte, dicke Mann das? Die „Matrix“-Zeiten sind lange vorbei, und Fishburn hatte wohl keine Lust oder keine Zeit oder wurde zu schlecht bezahlt, um sich körperlich auf den Film vorzubereiten. Anders als Brody übrigens, der sich gute 12 Kilo Muskeln antrainiert hat.

Wer den Film kennt, weiß, dass es kurz vor Schluss eine völlig unglaubwürdige und ärgerliche Szene gibt, in der Alice Braga eine Rolle spielt. Die übrigens scheint seit „I am legend“ auf die ernst schauende Kampflatina festgelegt zu sein. Im Film taucht außerdem noch Danny Trejo auf, der gerne in Rodriguez-Produktionen mitspielt und mit „Machete“ bald eine eigenen Film bekommt. Der basiert nebenbei auf einem Fake-Trailer, der für das Double-Feature „Death Proof/Planet Terror“ produziert wurde. Meiner Meinung hätte es da auch bei bleiben können, aber wer weiß.

Laut Rodriguez soll „Predators“ das für „Predator“ sein, was „Aliens“ für „Alien“ ist. Weiter entfernt könnte die Wahrheit nicht liegen. Der Film hat bis jetzt das Doppelte seiner Produktionskosten eingespielt, Sequels stehen also zu befürchten.

Für immer Shrek

2010-07-21T14:25:00.003+02:00

Er erinnert mich an einen ehemaligen Arbeitskollegen, der große grüne Oger, der eigentlich nur seine Ruhe haben will. Dank seiner Nachkommenschaft, der Familie von Esel samt Drachen und dem Touristenbus, der jeden Tag durch den Sumpf fährt, bekommt er sie jedoch nicht. Daraufhin lässt er sich mit Rumpelstilzchen ein, was für einige üble Verwicklungen sorgt …

Waren die ersten beiden „Shrek“-Filme noch von zynischem, boshaften Humor durchsetzt, war der dritte Teil einfach nur langweilig und unlustig. An das Level der ersten beiden Teile kommt auch „Für immer Shrek“ nicht dran, übertrifft seinen direkten Vorgänger jedoch bei weitem. Die Moral ist leider eher schnulzig, wenn auch die kleinen Baby-Oger meine Begleitung zu Tränen gerührt haben. :)

Angekommen in einer Parallelwelt, in der es ihn bislang nicht gibt, trifft Shrek auf alle bekannten Charaktere wie dem gestiefelten Kater, Esel und natürlich Fiona, die den Oger-Widerstand anführt. Eine Reihe Themen des ersten Streifens werden aufgegriffen, und was eine langweilige Aneinanderreihung von Szenen hätte werden können, fügt sich halbwegs sinnvoll zusammen.

Das Ganze garniert mit nicht zu aufdringlichen 3D-Effekten macht „Für immer Shrek“ zu einem moderaten Abschluss der Serie – und liebe Dreamworks-Mitarbeiter: ihr dürft gerne noch ein paar Specials vom Kaliber „Shrekliche Weihnachten“ machen, aber bitte keinen ganzen Film mehr.

Zombieland

2010-07-11T13:44:00.004+02:00

Meine Fresse, was eine Hitze! Ideales Wetter, um nach der Siesta in den wärmemäßig abflauenden Abendstunden noch eine DVD zu schauen. Besonders gut: nach dem Halbfinale, bei dem Deutschland Uruguay geschlagen hat, hähä.

„Zombieland“ ist eine günstig produzierte Zombie-Komödie – ich schreibe absichtlich nicht untot, denn das sind die Befallenen hier nicht. Sondern sie haben sich mit einer besonderen Form von BSE angesteckt. Hier wollen wir mal großzügig über den naturwissenschaftlichen Unsinn hinwegsehen.

Unser Held Columbus ist ein soziopathischer Nerd, was er dafür verantwortlich macht, bisher überlebt zu haben. Ebenso seine 31 Regeln, die er im Laufen des Films noch um eine ergänzt, die übrigens auch im „normalen“ Leben nicht unterschätzt werden sollte: Genieß die kleinen Dinge des Lebens.

Die ersten 15 Minuten sind dann auch satirisch mit zwinkerndem Auge inszeniert, was man vom restlichen Film leider nicht sagen kann. Woody Harrelson spielt seine klassische Paraderolle als gewaltgeiler Redneck, die eigentlich ganz hervorragende Abigail Breslin („Little Miss Sunshine“) kommt leider nicht zum Zug.

Auch das Gastspiel von Bill Murray samt dessen unwürdigem Ende überzeugt weniger. Und das gleiche gilt dazu noch für den Showdown in einem Vergnügungspark. Der Film hatte eine schöne Idee, die allerdings nicht stringent umgesetzt worden ist. Einziges Highlight: die mannigfaltigen Methoden, Zombies umzubringen.

Bei einem Budget von gut 20 Millionen hat „Zombieland“ über 100 Millionen eingespielt, ein Sequel ist geplant, bei dem alle Hauptdarsteller wieder mit dabei sein sollen. Kleiner Gag noch am Rande: Veganer Harrelson hat Regisseur Fleischer dazu genötigt, sich eine Woche lang veganisch zu ernähren, da er ansonsten nicht mitspielen würde. So kann man auch Überzeugungsarbeit leisten! ;)

Tremors – Im Land der Raketenwürmer

2010-07-02T21:34:00.004+02:00

Schockschwerenot! So wenig Blogeinträge! Naja, die Hitze im Moment, außerdem läuft irgendwie gar nichts Großartiges im Kino. Zeit, sich einen Klassiker anzusehen!

Diese schöne B-Horrorkomödie ist schon schlappe 20 Jahre alt. Und trotzdem zeigt sie, wie man mit wenig Geld und einer hübschen Idee einen sehr unterhaltsamen Film machen kann.

Kevin Bacon und Fred Ward in den Hauptrollen spielen zwei Gelegenheitsarbeiter in einem Wüstenkaff mit dem schönen Namen Perfection. Sie bekommen es mit Kreaturen zu tun, die sich unter der Erde in rasender Geschwindigkeit bewegen und nur dann nach oben kommen, wenn sie Hunger haben.

Jede Menge launiger Kommentare sorgen dafür, dass der Film nie langweilig wird, unvergessen auch die Szene, wo eins der Monster in den Keller des Survival-Ehepaares einbricht – und dort von ungefähr 50.000 Kugeln getroffen wird. Ja, das passiert halt, wenn man in andererleuts Waffenkammer landet.

Genau diese Kommentare haben anfangs für ein „R“-Rating in den Staaten gesorgt, nicht die Gewalt, woraufhin die Produzenten fast alle „Fuck“-Iterationen entfernt haben.

Leider zog „Tremors“ drei Fortsetzungen nach sich, eine schlechter als die andere, sowie eine Fernsehserie. Die habe ich nicht gesehen, allerdings wurde sie vorzeitig eingestellt. Das sagt wohl Einiges.

Hier zum Schluss noch ein paar hübsche Zitate:

Earl: Run for it? Running's not a plan! Running's what you do, once a plan fails!

Rhonda: No, you don't understand, these creatures are absolutely unprecedented.
Nestor: Yeah, but where do they come from?

Earl: What kind of fuse is that?
Burt: Cannon fuse.
Earl: What the hell do you use it for?
Burt: My Cannon!

Plane Dead

2010-06-09T14:20:00.002+02:00

Hm, es läuft auch gerade sonst nichts im Kino … also kann ich mich der Premiere dieses fantastischen Machwerks aus dem Jahre 2007 im deutschen Fernsehen auf dem Spielfilmsender Tele 5 widmen!

Hier haben wir die Verquickung zweier Genres, also machen diesmal originellerweise Untote ein Flugzeug unsicher. Der Name des Films, „Plane Dead“, wäre als Wortspiel wohl auch mir als Nicht-Muttersprachler eingefallen. Ein von bösen Forschern erzeugtes Virus verwandelt erst eine Wissenschaftlerin in einer Kühlbox in einen Zombie, und natürlich ist der Erreger ansteckend. Der im Handumdrehen gleich einen Haufen Passagiere infiziert. Obwohl es sich um eine modifizierte Version von Malaria handeln soll, die im übrigen gar kein Virus ist. Aber egal.

Egal sind dazu Kleinigkeiten wie sich im Flug öffnende Türen des Jets, was aber keine Auswirkungen zu haben scheint, außer dass ein paar Leute nach außen gesogen werden. Unsere Helden machen sich zudem keine Gedanken darüber, dass das Abfeuern von Waffen, insbesondere Maschinenpistolen, in einem Druckkörper ganz hässliche Konsequenzen haben kann. Doch diese Befürchtung wäre auch überflüssig, denn es passiert hier ebenfalls nichts. Stattdessen feuern die beiden nicht näher beschriebenen Helden im Gang der 747 wie auf einem Schießstand.

So eine 747 scheint dazu ein ganz besonders robustes Gerät zu sein, macht ihr doch die Bombe im Frachtraum und die neben ihr explodierende Rakete auch nichts aus. Ich werde von nun an darauf bestehen, mit Jumbo-Jets zu fliegen! Ach, hatte ich schon erwähnt, dass natürlich ein Mordssturm herrscht? Schön auch der Dialog zwischen Pilot und Co-Pilot:

Co-Pilot: Oh mein Gott, wir müssen sofort landen! Das ist nicht menschlich! Wir werden alle sterben!
Pilot: Um Gottes Willen, beruhigen Sie sich! Was sagen Sie da?
Co-Pilot: Es frisst die Toten! Wir müssen sofort landen!
Pilot: Sie wissen so gut wie ich, dass ich ohne Landeerlaubnis nicht landen kann!

Hua, sie haben keine Genehmigung! Na, dann würde ich natürlich auch nicht landen!

Die Schauspielerriege ist hervorragend besetzt mit Erick Avari und Kevin O’Connor, beides Nebendarsteller-Veteranen aus „Die Mumie“. Der Rest rekrutiert sich aus TV-Darstellern. Die Trickeffekte sehen schlimmer aus als in Computerspielen für den Budget-Markt, auf youtube finden sich tausende bessere Fanprojekte, die dazu vermutlich nur einen Bruchteil des Geldes gekostet haben.

Die Regierung schickt natürlich eine Kampfmaschine hoch – übrigens eine F-14; die sind zum einen ausgemustert, zum anderen flogen die für die Navy, und was die nun wieder mit der Luftsicherheit über dem Festland zu tun hat … aber mein Gott, was erwartet man von einer Filmproduktion, die das Pentagon nach Washington verlegt?

Man wünscht sich jedenfalls, dass die schon viel früher gekommen wären und außerdem sofort das Feuer eröffnet hätten. Dann wäre schon viel früher Schluss mit diesem Trauerspiel gewesen.

Robin Hood

2010-05-24T23:04:00.002+02:00

Woran erkennt man, dass man langsam alt wird? Wenn man die letzte „Robin Hood“-Verfilmung ebenfalls im Kino gesehen hat, als sie aktuell war. :)

Es gibt ja große Diskussionen darüber, ob Russell Crowe oder Sean Connery in dem hervorragenden „Robin und Marian“ der älteste Darsteller des Rächers mit dem Käppi ist. Ich neige dabei ja dazu, mich meinem Bruder anzuschließen.

Der großartigste Darsteller der Welt (siehe auch diese fantastische „South-Park“-Folge) – Vorsicht, Ironie – in einem neuen Film von Ridley Scott – ist das was?

Zum ersten: in dem Film wird übelste Geschichtsklitterung betrieben, und das, wo doch der echte Legendenbilder und eben kein Held in Strumpfhosen gezeigt werden soll. Und so will König Philip von Frankreich in England einfallen, in einer Invasion, die wie die Spielzeugversion der Landung in der Normandie aussieht.

Zum zweiten: das Drehbuch kann sich nicht recht entscheiden, ob es komisch oder ernst oder realistisch oder doch ein Drama sein möchte. Es finden sich Elemente von allem, die aber nicht zusammen passen. So etwa das Ausgangsszenario, warum Mr. Longstride überhaupt erst zu dem wird, was er der Story nach sein soll. Oder die Darstellung des Mittelalters – zu Beginn haben wir eine schäbige französische Burg, die zeitgleiche Darstellung von Nottingham zeigt auch eine hässliche Ansammlung von Häuschen. Achtet drauf, im Verlauf des Films haben die Häuser plötzlich gerade Linien, werden sauberer, das Städtchen selber wird unvermutet heimelig. Jetzt darf es ja ruhig Entwicklungen in einer Story geben, aber so?

Angenehmerweise hält sich Scott, anders als in anderen seiner Werke, hier mit der Brutalität zurück. Das liegt sicherlich am Stoff – wobei „Robin Hood“ ja eigentlich eine Rachegeschichte ist. Hier gerät unser Held eher zufällig in die Ereignisse. Und es folgen ein paar Lächerlichkeiten, etwa ist von einer „Charta der Rechte“ die Rede, die Mittelalterversion der „Magna Charta“, die also da schon jemand in der Art formuliert haben soll.

Und jetzt kommt ein kleiner Spoiler, der aber nicht wirklich etwas verrät, dafür unfreiwillig komisch und umso lustiger ist:
Englische Königsmutter: Am Hof ist ein französischer Maulwurf! Helft mir, ihn zu finden!
Französische Verlobte des Königs: Isch weiß nischt – wer soll’te das sein?
Pruuust!

In der Vorgeschichte zum Dreh finden sich ein paar bemerkenswerte Dinge, verschiedene Plots waren im Gespräch: so sollte etwa ursprünglich der Held der Sheriff von Nottingham sein, Robin Hood deutlich negativer gezeigt werden. Herr Crowe wollte aber lieber Robin Hood als Held spielen. Dann gab es die Option, Hood selbst den Sheriff sein zu lassen, der dann vom Bösewicht verdrängt wird.

Letztendlich wurde es eine Art Vorgeschichte. Auch bedauerlich: Sienna Miller sollte Lady Marion spielen, konnte aber wegen der Verschiebung des Drehs nicht. Cate Blanchett war genau genommen erst die dritte Wahl. Nichts gegen Frau Blanchett, aber sollte Lady Marion nicht hübsch sein (hust)?

Kleines Bonmot zum Schluss: Crowe hält im Original wohl scheinbar nicht den richtigen Akzent durch (was ich nicht beurteilen kann). Ein Journalist hat in einem Interview darauf angesprochen, woraufhin Crowe das Interview abgebrochen hat. Zumindest hat er nicht mit Gegenständen geworfen. Hihi.

Kick-Ass

2010-05-07T15:15:00.004+02:00

Ich mochte als Kind nie Superhelden-Comics. Und auch später nicht. Ich mochte Superhelden an sich schon nicht. Komische Typen mit merkwürdigen Klamotten, die außerdem immer auf die eine oder andere Art einen an der Waffel haben.

Superhelden-Filme mag ich hingegen. Warum? Weil die nicht für die Gruppe der 31.455 Hardcore-Fans weltweit sind, sondern aufgrund der Produktionskosten für die Allgemeinheit auch von Interesse sein sollten. Folge: nachvollziehbare Handlung, gerne auch Humor. So etwa Sam Raimis „Spider-Man“-Filme.

Nun haben wir hier einen neuen Superhelden, ganz ohne Super-Fähigkeiten. Genau genommen haben wir eine ganze Gruppe. Und die machen Gebrauch von moderner Technologie, von youtube und MySpace.

Regisseur Matthew Vaughn hat uns schon den viel zu wenig beachteten „Sternenwanderer“ beschert, mit Claire Danes, Robert DeNiro und Michelle Pfeiffer. Ein Märchen für Erwachsene, und nein, nicht so wie man jetzt denken möchte.

Die Idee zu „Kick-Ass“ hingegen fand so wenig Anklang bei den etablierten Verleihfirmen, dass Vaughn den Film selbst finanziert hat. Und dann Universal zugeschlagen hat, für wesentlich mehr Geld, als Vaughn zunächst wollte. So ein Pech.

Der Film selber ist komisch, brutal, spannend, zuweilen zu ernst, wenn etwa die Hintergrundgeschichte von Big Daddy (Nicholas Cage) samt Nachwuchs beleuchtet wird. Gute Idee: dies geschieht in einer Rückblende in Comic-Grafik. Die Liebesgeschichte unseres Helden geht mir auch ein wenig zu holterdipolter, zu wenig nachvollziehbar.

Ansonsten: wer sich nur entfernt für das Genre interessiert, ins Kino, sofort. Und alle anderen auch. Es sei denn, man kann kein Blut sehen. Wunderbar: Chloe Moretz als Hit-Girl. Es hat natürlich wieder die üblichen Proteste gegeben, ein kleines Mädchen zu zeigen, das eine ziemlich üble Schnauze hat und brutal Leute tötet. Aber wisst Ihr was: ist mir egal. Ich bin alt genug.

Im Ende ist schon ein Sequel angelegt. Wenn das so wird wie dieser Film, kann das Royal mir schon mal eine Karte zurücklegen.

Und: ich will ein Hit-Girl-Spinoff! Hier ein kleiner Ausschnitt:

Inglourious Basterds

2010-04-26T22:09:00.004+02:00

Quentin Tarantinos oscar-prämierter Film steht schon seit einiger Zeit auf meiner „Ansehen“-Liste. Nachdem ich von den letzten Streifen wie „Death Proof“ oder „Kill Bill“ nicht richtig überzeugt bin, habe ich mir gedacht, vielleicht klappt’s jetzt ja.

Oder auch nicht. Zweieinhalb Stunden wird mehr oder weniger gescheit gelabert. Sehr gut: die über 20-minütige Anfangssequenz in guter Tradition von Sergio Leone, in der Christoph Waltz als SS-Oberst Landa einen französischen Bauern dazu überredet, Juden auszuliefern, die er versteckt. Es gibt nach einem kurzen Gewaltausbruch nur eine Überlebende, die noch später im Film eine Rolle spielen wird.

Aber dann geht’s los: Brad Pitt als Lieutenant Aldo Raine fällt am Anfang durch eine so dämliche affige Rede an seine Leute auf, es tut echt weh, sich das anhören zu müssen. Es ist wirklich ärgerlich, kaum jemand zeigt irgendetwas von einer bemerkenswerten schauspielerischen Leistung. Besonders übel: Diane Kruger (die doch irgendwann mal Diane Heidkrüger hieß), die ihr kaum vorhandenes Talent noch dadurch schlimmer macht, indem sie sich selbst synchronisiert. Bitte weitere filmische Großtaten verbieten. Bitter: Eigentlich war Nastassja Kinski für die Rolle vorgesehen. Die hatte aber keine Lust, wird schon gewusst haben, warum. Til Schweiger spielt seine übliche Rolle als cooler Schweiger (sorry, der musste sein), kommt Gottseidank kaum vor und wird nach der Hälfte des Films erschossen.

Warum bekommt denn jetzt Christoph Waltz einen Oscar? Weil er im Alleingang fast das komplette Ensemble an die Wand spielt. Daniel Brühl als deutscher Supersoldat fällt auch nicht unangenehm auf, Mélanie Laurent als die überlebende Jüdin wird dann gut, wenn sie ihre kühle eisige Maske in einigen Szenen kurz fallen lässt. Etwa als sie mit Oberst Landa, der sie nicht erkennt, ein Stück Strudel essen muss.

Noch eine warum-Frage: was hat einer dieser Freitag-Abends-Sat-Eins-Comedy-Verblödern in einem Film verloren? Volker Zack Michalski spielt einen deutschen Soldaten. Furchtbar. Einfach nur furchtbar.

David Bowie hat es sich nicht nehmen lassen, seinen Song „Cat People“ zum Soundtrack beizusteuern. Ein klasse Lied, nur leider in der Szene (ich möchte behaupten, im ganzen Film) völlig unpassend.

Alles in allem: hier gab’s noch nicht mal verschenktes Potenzial.

Lichtblick auf der DVD: der im Film vorkommende Propagandastreifen „Stolz der Nation“ ist in voller Länge (knapp sieben Minuten) im Bonusmaterial. Und der ist weitaus unterhaltsamer, auch wenn Details stören. Sehr witzig: der US-Kommandeur, der nicht die Artillerie auf einen italienischen Kirchturm mit einem deutschen Scharfschützen schießen lassen will, weil ihm die italienische Kultur und Architektur so wichtig sind.

Green Zone

2010-04-19T22:21:00.002+02:00

Der neue Film des „Bourne“-Teams basiert lose auf einem Sachbuch und zeigt Matt Damon als US-Soldaten Roy Miller im Irak, der versucht, die Massenvernichtungswaffen zu finden, die dort angeblich versteckt sein sollen.

Paul Greengrass inszenierte den Film praktisch genauso wie die vorhergehenden Thriller, also mit recht hektischen Schnitten in den Actionszenen und sehr viel Wackelkamera. Nebeneffekt: ich weiß jetzt, dass mir dabei auch im Kino nicht schlecht wird.

So ambitioniert auch das Vorhaben ist, so konventionell geht es zu. Miller steht zwischen einem Regierungsbeamten (klasse: Greg Kinnear), einem CIA-Ortsleiter (Brendan Gleeson) und einer Journalistin und versucht, die Wahrheit herauszufinden. Da der Zuschauer die ja nun schon kennt, ist das alles halb so interessant, wie es sein könnte.

Greengrass vermeidet es außerdem, echte Storywendungen zu bringen, das alles wirkt recht konventionell, es wird nichts wirklich Aufregendes enthüllt. Als Actionfilm wird er auch zumindest von den letzten beiden „Bourne“-Teilen deutlich überboten, gerade die Schlusssequenz zeichnet sich durch meisterhafte Unübersichtlichkeit aus. So eine Verfolgungsjagd zu Fuß durchs nächtliche Bagdad ist auch nicht so wirklich spannend. Vom unbefriedigenden Ende ganz zu schweigen.

Schön aber die visuelle Darstellung der irakischen Hauptstadt, am Anfang gibt es einen Überblick über den Flughafen und den republikanischen Palast, und das sieht wirklich beeindruckend aus. Ebenfalls sehr hübsch: natürlich hat das US-Militär für diesen Film keine Helis zur Verfügung gestellt, also sind alle Hubschrauber UH-1, die man digital in „Blackhawks“ verwandelt hat – nicht schlecht. Das allein reicht aber leider nicht.

Männer die auf Ziegen starren

2010-04-12T22:34:00.003+02:00

Ah, endlich mal wieder eine Kriegssatire. Und hochkarätig besetzt dazu: Ewan McGregor, Jeff Bridges, George Clooney und Kevin Spacey wirken mit. Kurz nach dem Ende des letzten Irakkrieges angesiedelt erhofft sich ein Reporter die Story seines Lebens und bekommt sie in der Tat auch.

Basierend auf dem gleichnamigen Sachbuch, na ja, zumindest einem Buch, in dem reale Personen vorkommen, geht es hier um eine parapsychologische Spezialeinheit der US Army, die New Earth Army. Deren Angehörige verfügen über die Fernsicht, können durch Wände laufen oder lassen das Herz einer Ziege durch bloßes Anstarren stillstehen. Leider gibt es das eine oder andere Problem.

So ist etwa Sergeant Cassidy (Clooney, der hier äußerlich frappant an Tom Selleck erinnert) in der Lage, kraft seines Willens Wolken zum Zerplatzen zu bringen. Doof nur, dass er das während einer Autofahrt durch die Wüste nach Bagdad macht. Und den einzigen Felsblock weit und breit erwischt.

Natürlich gibt es auch einen Bösewicht in Form von Spacey, der die New Earth Army von ihrem Esoteriktrip herunterbringen will und lieber handfeste Tötungsaufträge durchführt. Der Film hat viele kleine hell scheinende Momente. Dass sich die Angehörigen der Truppe Jedi nennen und Ewan McGregor dem fasziniert lauscht, ist nur eine kleine Anspielung.

Leider bekommt der Streifen nicht wirklich die Kurve, hat kein richtiges Ende und führt viele Gedanken nicht zum Schluss. Schade, denn an Absurditäten, die eine reale Grundlage haben, mangelt es nicht. Man hätte sie nur besser zusammenrühren müssen.

Monster vs. Aliens

2010-04-05T20:31:00.003+02:00

Was sich anhört wie ein neues Mash-Up aus „Aliens“ und einem x-beliebigen anderen Franchise, ist tatsächlich ein Dreamworks-Animationsfilm. Der nimmt so ziemlich alle 50er-SF-Monsterfilme auf die Schippe, die man sich so vorstellen kann.

Unsere Heldin Susan will eigentlich ihren Märchenprinzen, einen TV-Moderatoren, heiraten, als das Unglück seinen Lauf nimmt. Sie wird von einem Meteor getroffen, der ihr unglaubliche Stärke verleiht – allerdings bei ebenfalls unglaublicher Größe (die 20-Meter-Frau lässt schön grüßen). Das macht ihr Liebesleben nicht einfacher, zumal die Regierung auf sie aufmerksam wird und sie für ein Monster-Mutantenkorps (woher kenne ich nur diesen Ausdruck …) verpflichtet.

Dort finden sich weitere schreckliche Experimente/Mutationen aus dem Fundus alter Jack Arnold-Filme, mit denen sie zögerlich Freundschaft schließt. Aber auch andere, außerirdische Kräfte richten ihren Blick auf sie. Und so beginnt ein hübscher Showdown, bei dem der Humor absolut nicht zu kurz kommt. Etwa wenn der US-Präsident Kontakt mit den Außerirdischen aufnehmen will und dazu das Thema aus „Unheimliche Begenung der Dritten Art“ auf einem Original-Yamaha-DX7-Synthesizer aus den Achtzigern spielt.

Susans Stimme ist im Original Reese Witherspoon, in der Synchronisation Diana Amft, die leider deutlich schwächelt. Soviel zu der Idee, Nicht-Profis zum Synchronisieren einzusetzen. Eine üble Angewohnheit, die aus den USA hier herüberschwappt. Nur: in den USA nehmen sie erst den Ton auf und passen dann die Charaktere an. Hier ist es logischerweise umgekehrt. Leider werden lieber irgendwelche Semi-Prominente denn bewährte Synchronstimmen genommen. Und hierzulande gibt es nun wirklich genügend davon.

Eigentlich als Killerapplikation für 3D-Leinwände gedacht, musste der Film diesen Platz „Avatar“ überlassen. Stattdessen liegt er nun irgendeinem 3D-Blueray-Player bei, auf dass sich 3D-Fernseher auch zuhause durchsetzen mögen. Was wohl nicht so bald der Fall sein wird. Wenn überhaupt.

Trailer Park Boys: The Movie

2010-03-27T16:18:00.004+01:00

Auch als „The Big Dirty“ bekannt: der erste Kinofilm der kanadischen Kult-Fernsehserie „Trailer Park Boys“. Was, eine Kultserie, die hier keiner kennt? Leute, sie ist ka-na-disch!
Drauf aufmerksam geworden bin ich, als ich mich mit einem Kumpel über Filme unterhalten habe, in denen ausgiebig geflucht wird, „The Big Lebowski“ etwa, oder „Brügge sehen … und sterben?“ Und so habe ich mir alle Staffeln angesehen und nicht bereut. Hihi.

Es geht, wer hätte es gedacht, um ein paar Jungs (gut: Männer), die in einem Trailer Park leben. Jede Staffel dieser Pseudo-Dokumentation beginnt damit, dass Ricky und Julian aus dem Knast kommen und am Ende der Staffel wieder einfahren. Ihr Erzfeind: Mr. Lahey, Ex-Cop und Trailer Park Supervisor, sowie sein unfähiger Gehilfe Randy. Dessen besonderes Kennzeichen: trägt nie Oberbekleidung.

So werden unsere beiden Helden wieder entlassen, und während Ricky von „The Big Dirty“ träumt, dem allumfassenden Coup, der ihn reich bis ans Lebensende machen wird, hat Julian – wie immer – ein Glas Cola-Rum in der Hand und natürlich einen Plan: welches Geld wird nie verfolgt und überprüft? Richtig, Münzen. Also klauen wir von nun an Münzen. Nachdem die beiden, begleitet von den noch dämlicheren Sidekicks Cory und Trevor sowie Bubbles, dem guten Gewissen des Parks, vergeblich versuchen, ihr Auskommen mit dem Ausrauben von Parkuhren zu machen, kommt ihnen eine brillante Idee: im örtlichen Kinocenter läuft ein Wettbewerb, der Gewinner bekommt eine riesige Kugel voller Kleingeld.

So ist das Ziel des Plans rasch ausgemacht. Nur: so wie geplant wird das alles nicht enden.

Produziert von Ivan Reitman ist „Trailer Park Boys: The Movie“ ein brillantes Kabinettstück, ebenso ein Lehrstück, wie man mit geringem Budget von rund 5 Millionen Dollar einen wundervollen Film hinbekommt.

Und damit man sich mal einen Eindruck machen kann, hier ein kleiner Ausschnitt. Und obwohl ich ja kein grundsätzlicher Verfechter von Originalversionen bin, hier der gute Tipp, sich das Werk unbedingt auf Englisch anzusehen. Gleiches gilt für die Serie. Ein Sequel gibt es bereits unter dem schönen Namen „Countdown to Liqour Day“.

Shutter Island

2010-03-18T20:17:00.000+01:00

Martin Scorsese und Leonardo diCaprio sind seit „Gangs of New York“ Garanten für eine gewisse Qualität, die mit „Aviator” ihren bisherigen Höhepunkt erreicht hat. Ihr neuestes Werk hebt die Messlatte nochmals ein Stück.

Eine Nervenklinik für gefährliche Kriminelle auf einer abgelegenen Insel in den Fünfzigern, eine verschwundene Patientin, mysteriöse Psychologen – klassische Zutaten für einen Psycho-Thriller. Marshall Daniels trifft zusammen mit seinem neuen Partner Chuck auf Shutter Island ein, um den Fall aufzuklären.

Psychologe und Anstaltsleiter Cawley (Ben Kingsley) scheint mehr zu wissen, als er zugibt. Es dauert nicht lange, und Daniels findet immer mehr Ungereimtheiten, die auf ein Geheimnis hindeuten. Als er es schließlich lüftet, steckt etwas völlig Unerwartetes dahinter.

Der wohl packendste und spannendste Film von Scorsese mit diCaprio zieht eine Menge Register. Ich werde ihn mir wohl noch ein paar Mal ansehen, bis ich alle Details mitbekommen habe. Es gibt jedenfalls eine Menge Symbole, etwa das Feuer, in dem Daniels’ Frau umgekommen sein soll und die Streichhölzer, mit denen der Marshal durch die Dunkelheit des geheimnisvollen Blocks C wandert. Oder die Bilder von der Befreiung des KZ Dachau, bei dem Daniels als junger Soldat dabei war.

In dem Film gibt es ungewöhnlich viele Anschlussfehler, vor allem im ersten Akt. Und fast immer betreffen sie die Körperhaltung. Ich vermute also fast, dass das Absicht ist und darauf hinweisen soll, dass irgendetwas nicht stimmt. Genau genommen, dass die Realität eine andere ist als hier ersichtlich.

Das ist jedenfalls der beste Film, den ich in diesem Jahr bisher gesehen habe. Das mag nicht die Meinung meiner Nachbarn im Kino gewesen sein, denen es wohl ein bisschen zu wenig Action gab. Ich kann mich jedenfalls über mangelndes Tempo in dem Film nicht beschweren. Also: ansehen!

Unsere Ozeane

2010-03-05T18:20:00.003+01:00

Obwohl ich Dokumentationen eigentlich lieber daheim schaue, lockt mich die eine oder andere auch ins Kino. So „Unsere Ozeane“, ein 50-Millionen-Euro-Projekt über, ja, genau, die Ozeane.

Es macht einfach schon einen Mordseindruck, Wale und Riesenrochen über die große Leinwand im Mathäser schwimmen zu sehen. Ähnlich wie bei „Die Reise der Pinguine“ gibt es keinen klassischen Kommentar. Die meisten Bilder laufen gänzlich unkommentiert, der insgesamt gesprochene Text umfasst vielleicht eine DIN-A4-Seite.

Das ist teilweise schade, erfährt man doch nichts oder nur wenig über die Tiere, die da gerade durch das Bild huschen. Auf der anderen Seite kann man sich so einfach nur an der Großartigkeit und überwältigenden Schönheit unserer Meere erfreuen. Für mich – und jetzt wird’s metaphysisch – ist die Faszination der Ozeane auf den Menschen auch ein klares Zeichen dafür, dass das Leben aus dem Meer kommt.

Verkörpert durch einen kleinen Jungen und seinen Großvater kommen natürlich die obligatorischen Hinweise mit erhobenem Zeigefinger darauf, wie der Mensch die Natur zerstört. Da ich im Abspann etwas von Animatronik gelesen habe – leider bin ich des Französischen nicht mächtig – nehme ich mal an (oder hoffe), dass die im Todeskampf gezeigten Lebewesen nicht alle echt waren.

Es gibt jedenfalls eine ganze Menge zu sehen, von Delfinen über Wale, Haie, Riesenrochen bis hin zu Pinguinen und jede Menge uriger Wasserbewohner wie Krebse und Steinfische. Anders als in anderen Dokumentationen werden einzelne Tiere im Gegenschnitt verfolgt, was filmisch sehr schön ist. Und natürlich die Frage aufwirft, wie natürlich das ist, denn es kann sich ja nicht um eine echte Bildfolge handeln.

Aber egal, dies dürfte eine der Referenz-Bluerays werden. Vom Doku-Gehalt hingegen halte ich es wie die Zuschauerin hinter mir im Kino: „Die BBC-Dokus sind besser!“ Da namentlich „Unser blauer Planet“.

Der Kaufhaus-Cop

2010-02-27T23:19:00.002+01:00

Eigentlich wollte ich es ja komplett unterlassen, über diesen Film zu schreiben. Aber nein, die Welt muss gewarnt werden. Kevin James, besser bekannt als Doug Heffernan in der Sitcom „King of Queens“, hat schon in mehreren Filmen Nebenrollen gespielt. Diesmal übernimmt er die Hauptrolle in einem auf ihn komplett zugeschnittenen Streifen.

Der ach so liebenswerte Sicherheitsmann Paul Blart wäre zu gern ein richtiger Polizist, aber wegen seines Übergewichts und einer merkwürdigen Stoffwechselkrankheit fällt er jedes Mal durch den Fitnesstest. Stattdessen fährt er auf seinem Sedgway durch eine Shopping Mall und sorgt da für Recht und Ordnung.

Der "Kaufhaus-Cop" könnte ein Sedgway-Werbefilm sein, denn das Ding scheint ja geradezu geniale Fähigkeiten zu haben. In der Wirklichkeit handelt es sich eher um ein albernes Spielzeug für Leute, die 6000 Dollar zu viel haben.

Blart verliebt sich in eine Ladenangestellte, und als das Einkaufszentrum Schauplatz einer Geiselnahme wird, schlägt seine große Stunde.

Das könnte ja ganz lustig sein, ist es nur nicht. Die „Stirb langsam“-Anleihen sind so plump, der ganze erste Akt mit der Einführung der Charaktere streckenweise peinlich und langweilig – das macht keinen Spaß. Der Bösewicht lässt zuweilen halbwegs witzige Kommentare ab, aber das reicht leider überhaupt nicht.

Warum schreibe ich eigentlich darüber? Die Schergen des Übeltäters sind scheinbar große Nummern in den US-X-Games, Meisterschaften in Sachen wie Skateboard- oder BMX-Radfahren. Und einen guten Teil des Bonusmaterials haben diese Typen gefilmt. Die verfügen über weitaus mehr Humor als die Drehbuchschreiber. Das Ergebnis ist erheblich unterhaltsamer als der eigentliche Film.

Noch was Interessantes? Bei unter 30 Millionen Dollar Kosten hat der Film über 180 Millionen eingespielt, trotz einhellig schlechter Kritiken. Ein wie auch immer gearteter Nachfolger steht zu befürchten. Ach so, Waddy Wachtel hat die Musik gemacht. Der Mann mit dem komischen Namen war in den Achtzigern für Klassiker wie „Stand back“ von Stevie Nicks verantwortlich. Naja, jeder muss ja sein Auskommen haben.

Hellboy 2: Die goldene Armee

2010-02-20T16:01:00.003+01:00

Für das Sequel zu seinem „Hellboy“-Film hat Regisseur Guillermo del Toro einige Projekte fahren lassen: so etwa „Harry Potter 6“, „I am legend“ und „Halo“. Zumindest arbeitet er jetzt mit Peter Jackson am „Hobbit“, mal sehen, wie das wird.

Obwohl der erste Teil nicht unmäßig erfolgreich war und del Toro auch noch die Produktionsfirma unter dem Hintern weggeschossen wurde, sorgte der Erfolg von „Pans Labyrinth“ dafür, dass er von Universal das Go für „Hellboy 2“ bekam.

So gut wie das komplette alte Team ist versammelt, so wollen wir das bei Zweiten Teilen sehen. Und im Vergleich muss sich das rote Monster nicht verstecken, und nun kommt der Satz, den Spieletester am meisten hassen: wer den ersten Teil mochte, wird auch den zweiten gut finden.

Hier ist das mal tatsächlich so. Es ist der gleiche Humor, die gleiche Art Action, die gleiche Optik und so weiter und so fort. Ron Perlman hat endlich mal die Hauptrolle, die er verdient, Selma Blair allerdings füllt ihre Rolle als hier zur selbstbewussten Actionheldin mutierte, äh, Mutantin Liz nicht so richtig aus. Es sind einige Kleinigkeiten, über die man als Zuschauer stolpert. So etwa die Größe von Red: angeblich soll er 2,13 Meter groß sein. In einer Szene streitet er mit Liz und scheint kaum größer zu sein als sie. Selma Blair ist ein eher zierliches Persönchen. Und del Toros Art Direction nutzt sich meiner Meinung nach auch langsam ab, die optischen Paralleln zu „Pans Labyrinth“ sind unübersehbar.

Der Film ist jedenfalls deutlich mehr wert als die fünf Euro, die ich für die DVD bezahlt habe. Ein dritter Teil ist in Planung, allerdings dürfte del Toro mit dem „Hobbit“ noch eine Weile beschäftigt sein.

Metropolis

2010-02-15T06:25:00.002+01:00

Einer der bekanntesten Science-Fiction-Filme überhaupt dürfte dieser Stummfilm von Fritz Lang aus dem Jahre 1927 sein. Und er hat dazu eine interessante Geschichte. Am 12. Februar 2010 wurde eine Version uraufgeführt, die so nahe an die Original-Premierenfassung herankommt wie wohl nur irgend möglich.

Schon in den Zwanzigern gab es die Lokalisierung. Und so hat der US-Verleih Paramount die 153 Minuten lange Ursprungsfassung um fast 40 Minuten gekürzt und außerdem einige Motive und Handlungsstränge entfernt. Nachdem die Premierenfassung hierzulande floppte, schnitt man nach dem US-Vorbild eine kürzere Version, die allerdings damals ebenfalls kein Erfolg wurde.

Das Originalmaterial verschwand, und nur einem Restauratorenteam aus Russland und Tschechien ist es zu verdanken, dass die bis dahin gezeigte Version überhaupt existierte. In den Achtzigern brachte Giorgio Moroder eine Version ins Kino, die er mit seinem üblichen Sound und Leuten wie Freddy Mercury und Bonnie Tyler unterlegte und teils monochromatisch eingefärbt war. Furchtbar, wenn man mich fragt.

Dann tauchte 2008 eine 16mm-Kopie der Originalfassung in Argentinien auf. Und so gelang es, eine Version zu erstellen, der nur noch acht Minuten fehlen. Bei der Uraufführung dieser restaurierten (wenn auch weit von Perfektion entfernten) Fassung spielte das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin den Soundtrack live. Und das war schon ein Erlebnis! Beim Bildmaterial ist allerdings noch viel Luft drin. Ordentlich und von Hand bearbeitet könnte es viel besser sein, man darf auch gern fehlende Frames ergänzen.

„Metropolis“ dürfte mit seiner expressionistischen Optik wohl eine der wichtigsten Stilikonen des 20. Jahrhundert sein. Eine nachfolgende Dokumentation fängt mit Ausschnitten aus „Blade Runner“ an – und es ist beschämend, dass mir die Parallelen nicht schon vorher aufgefallen sind. So oder so hat er sehr viele der nachfolgenden Filme des Genres entscheidend beeinflusst. Man schaue sich etwa C-3PO aus „Star Wars“ an. Ebenfalls unglaublich: alle Bewegungen der Autos und Flugzeuge wurden in Stop-Motion-Technik gemacht. Kein Vergleich mit den üblichen abgehackten Animationen dieser Technik bis hin zu „Star Wars“ Teil 5 und 6.

Lang selber sagte 1969 zu dem Film, dass er beim Drehen der zentralen Aussage „Der Mittler zwischen Hirn und Händen muss das Herz sein“ nicht zustimmen konnte. Nun sei er aber der Meinung, dass seine Ex-Frau und Drehbuchautorin Thea von Harbou damit Recht hatte.

Was mir besonders gefällt ist, dass in diesem Film weder ein entfesselter Kapitalismus noch der Kommunismus das Heil bringen kann. Diese Aussage unterschreibe ich sofort. Und: „Metropolis“ gehört zum UNESCO-Weltkulturerbe und wurde als erster Film dort aufgenommen.

Unschönes Detail am Rande: die gut 27.000 Statisten rekrutierten sich zum großen Teil aus Arbeitslosen, die von Lang bei den Dreharbeiten übelst malträtiert wurden. So spielen sie nicht nur die unterdrückten Massen, sie sind es tatsächlich.

Inflationsbereinigt hätte der Film heute 200 Millionen Dollar verschlungen. Ich hatte beim Ansehen gedacht, es müsste mal eine zeitgemäße Neuverfilmung geben. Die ist in der Tat geplant. Zum meinem Schrecken erfuhr ich jedoch, dass Mario Kassar Co-Produzent sein soll, ansonsten eher für B-Actionfilme bekannt.

Sherlock Holmes

2010-02-13T00:55:00.002+01:00

Ah, ein neuer Film von Guy Ritchie. Diesmal zieht es den Briten weg von seinen kleineren Produktionen, er kredenzt uns hier ein 90-Millionen-Dollar-Remake von „Sherlock Holmes“. Was heißt Remake, es gibt ja nun Millionen Verfilmungen, die Story hier ist jedoch ganz neu.

Genau wie der gesamte Blickwinkel, denn Holmes und Watson sind recht aktiv unterwegs, schlagen gerne mal zu und feuern die eine oder andere Waffe ab. Kurz, es ist eher ein Actionfilm, angesiedelt im London des ausgehenden 19. Jahrhunderts.

Eine hübsche junge Frau darf auch nicht fehlen, und so spielt Rachel McAdams eine New Yorker Diebin, die Holmes ebenbürtig ist und ihn bereits zweimal über den Tisch gezogen hat. Robert Downey Jr. als Holmes und Jude Law in der Rolle des Dr. Watson verkörpern die beiden Freizeit-Detektive ganz ansehnlich.

Die Actionszenen sind durchaus sehenswert bis auf den recht künstlich wirkenden Showdown auf der gerade entstehenden Tower Bridge. Ich mag ja Spielereien mit Höhenangst, aber hier bleiben meine Handinnenflächen trocken. Alles in allem reißt einen nichts wirklich hier vom Hocker, Ritchie hat schon bessere Filme gemacht, etwa „Snatch“ oder „RockNRolla“.

Da der Film aber gute Einspielergebnisse hat und außerdem recht penetrant auf Professor Moriarty hingewiesen wird (der hier keine größere Rolle spielt), dürfte eine Fortsetzung recht wahrscheinlich sein. Das Internet rumort, dass Brad Pitt gerne den üblen Schurken, Holmes Erz-Nemesis, spielen möchte.

Cloverfield

2010-02-04T19:20:00.003+01:00

Klar, dass sich Mystery-Meister J.J. Abrams an einem Monsterfilm versuchen musste – wenn auch nur als Produzent. „Cloverfield“ ist im Prinzip die Guerilla-Version von „Godzilla“. Die ganze Handlung wird ausschließlich aus der Perspektive von fünf New Yorkern samt ihrem Camcorder erzählt.

Das hätte funktionieren können. Der Film hätte für „Godzilla“ das werden können, was „Krieg der Welten“ für „Independence Day“ ist: eine Geschichte, in der der Blick fürs Ganze fehlt und der Zuschauer stattdessen das Geschehen nur aus der Perspektive der Handlungstragenden sieht. Mit Filmen wie diesem hat Abrams es mir nicht leicht gemacht, mir „Star Trek“ anzusehen – den er wieder Erwarten sehr gut gemacht hat.

Leider haben wir hier folgende Probleme: diese fünf New Yorker Yuppies interessieren mich persönlich einen Scheiß. Alles beginnt auf einer Party zur Verabschiedung einer der Hauptpersonen, der Vizepräsident einer Firma in Japan werden soll. Mal abgesehen davon, dass ich Leute unsympathisch finde, die mit Anfang Dreißig Firmen leiten sollen, benimmt sich besagter Typ auch nicht gerade nett.

Der Rest der Leute ist mir eigentlich auch egal. Keine gute Ausgangsbasis. Dazu kommen eine Reihe Schwächen wie dass einer der Protagonisten sich einen neuen Handyakku aus einem Geschäft klaut, weil seiner leer ist – also, ich musste bisher neue Akkus immer erst aufladen. Das Monster wird viel zu früh gezeigt. Das alles hätte bis kurz vor Schluss ein Geheimnis sein sollen. Und warum bleibt der Timecode unten nicht sichtbar? Hätte ein schönes verbindendes Element sein können, denn natürlich läuft die Kamera nicht die ganzen gut sieben Stunden der Haupthandlung durch. Ist nur ein Detail, aber eins von vielen.

Ja, und abzüglich des Abspanns dauert der Film gute siebzig Minuten. Filme müssen ja nicht ausufernd sein, aber neunzig Minuten kann man schon erwarten. Wenn ich so viel meckere, will ich eins nicht weglassen: erst durch das Making-of ist mir klar geworden, wie viel Bluescreen und CGI-Kram in dem Film vorkommt und wie wenig mir das aufgefallen ist. So sollen Trickeffekte sein: unauffällig.

Da der Film bei einem relativ geringen Budget von 30 Millionen Dollar schlappe 160 Millionen Umsatz gemacht hat, ist ein Sequel in Planung. Unklar ist scheinbar noch, ob es eine tatsächliche Fortsetzung werden soll oder die gleichen Geschehnisse aus der Perspektive anderer Leute gezeigt werden soll. Letzteres hätte schon was – und vielleicht gelingen diesmal auch überzeugende und sympathische Hauptcharaktere.

J.J. Abrams wollte ein amerikanisches Monster schaffen, ein Gegenstück zu Godzilla – das ist ihm meiner Meinung nach nicht gelungen.

Das Kabinett des Dr. Parnassus

2010-01-30T14:40:00.003+01:00

Verdammt, über einen Monat keinen Blogeintrag! Hat ganz einfache Gründe: über Weihnachten einfach zu viele belanglose Filme gesehen, und im neuen Jahr war ich erst einmal im Kino.

Und zwar in dem Film, der wohl hauptsächlich als Heath Ledgers aller-, allerletzter Film in die Geschichte eingehen wird. Nachdem Terry Gilliam mit ihm ja schon „Brothers Grimm“ verbrochen hat (warum eigentlich nicht „Die Gebrüder Grimm“?), hatte er ihn für ein zweites Projekt verpflichtet. Ledgers Ableben kam dazwischen, dann starb der Produzent während der Dreharbeiten, und Gilliam selbst hatte in der Postproduktion einen Unfall.

Doch anders als andere Filmprojekte konnte Gilliam dieses abschließen. Er gewann Jude Law, Colin Farrell und Johnny Depp als Ledger-Doubles. Tom Cruise hatte offenbar Interesse bekundet, wurde aber von Gilliam abgelehnt. Offiziell, weil er – anders als die anderen drei – keine persönliche Verbindung zu Ledger gehabt hätte.

Trotz des ganzen Trubels wollen wir die eigentlichen Stars nicht vergessen: Christopher Plummer liefert als Dr. Parnassus eine ganz hervorragende Darstellung, ebenso Tom Waits als der Teufel alias Mr. Nick. Mit dem hat Parnassus einen Pakt, und wie das so mit Pakten mit dem Teufel ist, kann man eigentlich nur verlieren. Deutlich enttäuschender hingegen die drei männlichen Stars, die Ledger ersetzen: sie spielen im Prinzip so, wie sie selber die Rolle angelegt hätten. Ich hätte gern gesehen, wie sie Ledgers Stil der Rolle übernehmen - es sind ja schließlich Schauspieler.

Um was geht’s eigentlich? Um die Moral und um die Entscheidungen, die man so trifft sowie deren Konsequenzen. Das Kabinett versetzt Leute in ihre Gedankenwelt und stellt sie dort früher oder später vor die Wahl. So geschehen am Anfang mit Martin, einem Besoffenen, der aus einem Pub direkt vor das Kabinett stolpert. Er entscheidet sich, vor die Wahl gestellt, lieber dafür in den Pub zu gehen als den Berg Parnassus zu erklimmen, an dessen Gipfel die Weisheit wartet. Ja, leider falsche Entscheidung, denn die Kneipe explodiert, und von Martin sah man nie wieder etwas. Warum heißt der Trunkenbold eigentlich genauso wie ich? Hmmm ...

Gilliam wollte außerdem sich selber als Parnassus zeigen, einen Mann voller Geschichten, dem keiner mehr zuhört und der vielleicht nicht mehr genug Zeit hat. Leider verzettelt er sich mit seiner überbordenden Phantasie, die häufig genug ins völlig Absurde abgleitet. Ob Gilliam hier nun alles, was ihm wichtig ist, reinquetschen wollte - hm. Außerdem rutschen einige Beispiele für die Moral sehr ab, etwa Ledgers Charakter, der ein Philantrop ist mit einer ganz und gar unphilantropischen Einstellung.

Ich stelle fest: auch hier wieder Potenzial verschenkt, hätte deutlich besser werden können. Es gibt relativ viele CGI-Effekte, die allerdings eher den Scherenschnitten von Gilliams alten Trickeffekten bei Monty Python’s gleichen – ob das nun Absicht war oder dem geringen Budget geschuldet, man weiß es nicht.

Brücke nach Terabithia

2009-12-24T09:49:00.000+01:00

Von der völlig danebengegangenen Marketing-Kampagne in die falsche Richtung gelenkt, hatte ich etwas „Herr der Ringe“-artiges erwartet. Die Verfilmung des gleichnamigen Jugendbuches könnte nicht weiter davon entfernt sein. Denn hier geht es um Freundschaft zwischen Kindern und die Probleme des Erwachsenwerdens.

Jess ist ein zwölfjähriger Junge, der ein Talent hat: er kann malen und zeichnen. Leider wird dieses Talent in der White-Trash-Familie, in der er aufwächst, in keinster Weise gewürdigt. Seine Eltern kümmern sich lieber um seine vier Schwestern.

Da zieht Leslie in die Nachbarschaft, bezaubernd verkörpert von AnnaSophia Robb. Das mit Jess gleichaltrige Mädchen hat zwar Probleme, andere Kinder kennen zu lernen, birst aber vor Phantasie und Kreativität. Es dauert nicht lange, und die beiden werden beste Freunde. Bis das Schicksal zuschlägt.

Da ich das Buch nicht kannte, war ich von der Handlung ziemlich geschockt. Jeder Junge in diesem Alter wünscht sich ein Mädchen wie Leslie als Freundin, die einem eine echte Stütze und Hilfe ist. Ich geb’s gern zu, ich habe geheult wie ein Schlosshund, und selbst jetzt bekomme ich feuchte Augen.

Verschiedentlich habe ich gelesen, die Produktionsgesellschaft Walden Media wolle versuchen, hiermit den christlichen Glauben unter arme hilflose Kinder zu bringen. Ich weiß nicht, wie man auf so was kommen kann, aber sicherlich nicht, indem man sich „Terabithia“ ansieht. Also, liebe Kritiker – erst ansehen, dann Zeug erzählen.

Und: Bitte nicht von dem unsinnigen Klappentext und Trailern irreleiten lassen – „Die Brücke nach Terabithia“ ist ein sensibler, wunderbarer Film über Freundschaft, Verlust, das emotionale Reifen. Über all die wichtigen Dinge des Erwachsen-werdens, das Verhältnis zu den Eltern, zu Lehrern, zu anderen Kindern.

So - dann noch Fröhliche Weihnachten! Ich melde mich für die Feiertag ab - feiert schön und lasst Euch beschenken! ;)

Avatar – Aufbruch nach Pandora

2009-12-18T01:11:00.004+01:00

Hach, welche Aufregung, nach zwölf Jahren Abstinenz kommt ein neuer Film meines Lieblings-Regisseurs James Cameron in die Kinos. Welch großen Erwartungen hat man da! Können die überhaupt erfüllt werden? Und der Streifen soll auch gleich alle Dimensionen sprengen, denn nichts weniger als die Rettung des Kinos naht: nämlich 3D!

Laut der Werbung ist ja erst im Jahre 2009 das 3D-Kino erfunden worden. Nur blöderweise gab es schon in den Fünfzigern einen Haufen schwarz-weiß-B-Filme in 3D, und kann sich noch wer an den „Weißen Hai 3“ erinnern? Der war auch in 3D – und dank Polarisationsfilter sogar in Farbe.

Nichts anderes kommt hier zum Einsatz. Und wie seit Jahrzehnten darf man sich eine stylische Brille aufsetzen. Ja, und was sage ich jetzt dazu? Wenn das die einzige Möglichkeit ist, das Kino zu retten, sehe ich nicht 3D in Farbe, sondern schwarz. Schön, ist ganz nett, holografische Darstellungen auch tatsächlich dreidimensional zu sehen. Doch den heftigen Mehrpreis ist es kaum wert, ein ganz netter Effekt, aber ich kann mir jetzt nicht vorstellen, nur deswegen sofort ins Kino zu rennen und mal eben 13 Euro pro Vorstellung abzudrücken.

Aber ich wollte ja was zum Film schreiben. „Avatar“ ist eine Mischung aus Karl May, „Der mit dem Wolf tanzt“ und dem Buch „Die denkenden Wälder“. Letzteres übrigens ein ganz hervorragender SF-Klassiker von Alan Dean Foster, das längst eine eigene Verfilmung verdient hätte.

Wäre alles nicht so schlimm, doch hier bleiben die Charaktere flacher als ihre 3D-Darstellung. Auch Sigourney Weaver und Michelle Rodriguez schaffen diesen Sprung nicht, ebenso wenig Zoe Saldana, die man nur als CGI-Alter Ego sieht. Die ganze Handlung ist extrem vorhersehbar. Bisher hat der Kanadier es aber immer geschafft, dem Ganzen epische Breite zu verleihen, es gefühlsmäßig aufzuladen. Ganz außergewöhnlich etwa bei „Titanic“, der mich heute noch zum Heulen bringt.

Das fehlt hier fast komplett. „Avatar“ lässt einen nicht völlig kalt, doch ich zittere nicht wirklich mit. Ich freue mich stattdessen an der vielleicht nicht revolutionären, aber doch überaus beeindruckenden Tricktechnik, die mich irgendwann vergessen lässt, was genau nun Trick- und was Realszenen sind.

Gerade die Gesichtsmimik der Charaktere zaubert mir ein breites Grinsen aufs Gesicht. Mit Davy Jones aus dem „Fluch der Karibik“ hält sie zwar nicht mit, doch dafür bekommen wir viel mehr davon. Kein Vergleich mehr etwa mit den statischen Ausdrücken in „Final Fantasy“.

Auch ein wenig langweilig ist das Industriedesign der Menschentechnik, eigentlich ist das ja Camerons Spezialität. Doch das sieht alles schon ziemlich nach „Aliens – Die Rückkehr“ aus, Musik ist übrigens von James Horner, hört man sofort. Und leider ist ihm zu den Na’Vi nicht mehr eingefallen als afrikanisches Ethno-Zeugs.

Tja – schade. Würde es hier Schulnoten geben, gäbe es eine „2“. Das ist natürlich nicht übel, aber das schlechteste Ergebnis eines James-Cameron-Films bei mir. Er hat außerdem angedroht, bei Erfolg zwei weitere Streifen zu machen. Ob ich mich darauf freuen soll, weiß ich ehrlich gesagt nicht.

Hätte ich das Drehbuch vorher gesehen, würde ich sagen „Nicht schlecht, aber jetzt gib’ mal richtig Gas!“ Hier wäre so viel mehr drin gewesen – ich befürchte fast, Cameron hat viel mehr Spaß daran gehabt, seine Tricktechnik zu entwickeln als die Story.

Brügge sehen … und sterben?

2009-12-15T14:19:00.002+01:00

Zuweilen taucht hier und da ein kleines Filmjuwel auf, mit dem man in keinster Weise gerechnet hat. So auch dieses hier, das ich nur gesehen habe, weil wir ins Kino wollten, nichts lief und wir aus einer Laune heraus reingegangen sind.

Ich hätte mich nicht besser amüsieren können. Der Film ist zum Lachen, zum Weinen, ein Drama, eine Komödie, und natürlich ein Gangsterfilm über zwei Killer und deren Boss. Außerdem spielt das halbe „Harry Potter“-Ensemble mit. Etwa Ralph Fiennes als Fast-Bösewicht. Oder Brendan Gleeson als Killer Ken. Und die nicht gerade hässliche Clémence Poésy als Freundin von Hauptdarsteller Colin Farrell.

Unsere beiden Killer werden von ihrem Boss Harry nach Brügge geschickt, um nach einem völlig missglückten Job dort auf weitere Anweisungen zu warten. In der wunderschönen geschichtsträchtigen Altstadt nimmt die Geschichte der beiden Killer ihren Lauf.

In aller Brutalität und Konsequenz haben doch alle Charaktere ihre wenn auch Ganovenehre am Leib. Man erschießt beispielsweise keine schwangeren Frauen, nur weil sie im Weg sind. Nein, da denkt man sich dann etwas anderes aus.

Das Debut von Regisseur Martin McDonagh hat viele Momente und Highlights, dazu noch eine Menge Symbolismus wie etwa Gemälde von Bosch. Die man aber nicht in Bezug setzen muss, um den Film zu verstehen, keine Angst! :)

Und es wird geflucht. Jede Menge. Auf der DVD sind an einer Stelle alle Schimpfworte zusammengeschnitten, gibt knapp eineinhalb Minuten reines Gefluche. Und damit der Leser dieses Blogs auch was davon hat, hier eine Nachricht von Harry im Original. Die beiden Killer sollten auf seinen Anruf warten, waren aber lieber ein belgisches Bier trinken:

Number One, why aren't you in when I fucking told you to be in? Number Two, why doesn't this hotel have phones with fucking voicemail and not have to leave messages with the fucking receptionist? Number Three, you better fucking be in tomorrow night when I fucking call again or there'll be fucking hell to pay. I'm fucking telling you - Harry.

All inclusive

2009-12-03T12:32:00.001+01:00

Ein Film, der mit David Bowies "Modern Love" anfängt - hört sich schon mal gut an. Leider bleibt es nicht so.

In dieser romantischen Komödie geht es nicht um ein, zwei oder drei sondern gleich um vier Pärchen. Die sind alle befreundet und in unterschiedlichen Beziehungsstadien. Die einen führen ein klassisches Spießbürgerleben mit Haus und niedlichen Kindern, die anderen wollen welche, können aber keine bekommen, die nächsten hassen sich und haben eine Tochter, die bald aus dem Haus ist, die letzten sind bereits geschieden.

Weil sie Gruppenrabatt bekommen, fahren sie alle nach Eden, einer Karibikinsel. Dort gibt es Sonne, Stand, Meer – und eine Paartherapie. Geleitet vom Meisterpsychologen Monsieur Marcel (routiniert und fast gelangweilt: Jean Reno) müssen sie allerlei Prüfungen über sich ergehen lassen, bis der Film zum unweigerlichen Hollywood-Happyend führt.

Fast schade, denn die Konstellationen hätten deutlich mehr hergegeben. Stattdessen bekommen wir eine Reihe ordentlicher Gags, ein fünfminütiges Werbevideo für „Guitar Hero“ und die amerikanische Moral, dass der heimische Herd samt Frau doch der schönste ist.

Ach ja, und vier Frauen, deren Bikini-Figur sich unabhängig vom Alter sehen lassen kann und auch häufig und gern gezeigt wird. Durch diese generische Standardhandlung stolpern unter anderem Vince Vaughn, Jason Bateman und „Sex and the city“-Star Kristin Davis.

Das Karibikflair ist jetzt im Winter im Kino ganz hübsch anzuschauen, der eigentliche Film aber völlig belanglos.

2012

2009-11-20T22:03:00.004+01:00

Ja, man kann sich doch täuschen. Ich hatte eine neue Emmerich-Katastrophe erwartet. Und gesehen habe ich den wohl lange Zeit Maßstäbe setzenden Katastrophenfilm.

Um nichts anderes als die Vernichtung der Erde geht es hier. Wir haben alle dafür wichtigen Protagonisten: den US-Präsidenten (Danny Glover), den vor der Katastrophe warnenden Verrückten (Woody Harrelson), das geschiedene Pärchen, das um sein Leben und das ihrer Kinder kämpft (John Cusack und Amanda Peet). Und natürlich ein Hündchen, das gerettet wird.

Emmerich hat dann doch noch einen Hollywood-Granden verpflichtet, George Segal spielt einen Jazzmusiker auf einem Kreuzfahrtschiff. Von der Story darf man so viel und so wenig erwarten wie im Genre üblich: Menschen versuchen mehr oder weniger erfolgreich ihr Leben zu retten. Und diesmal fährt Emmerich auf, was seine Grafikcomputer hergeben: kilometerhohe Flutwellen, atombombengleiche Vulkanausbrüche, ganze Bundesstaaten verschluckende Erdbeben.

Aber das ist derartig in Szene gesetzt – ich habe mit offenem Mund im Kino gesessen und nur noch „Wow“ gedacht. Das ist mir zuletzt bei „Titanic“ passiert. „Weltuntergangsporno“ habe ich in so ziemlich jedem größeren Medium über „2012“ gelesen. Ja, mag sein. Wird der Wirkung der Bilder aber nicht gerecht.

Wir haben hier natürlich ein paar Storylöcher, pathetische Dialoge und verpasste Gelegenheiten, die den Film noch weitaus besser hätten machen können. Aber die halten sich in Grenzen – bei Hollywood-Mainstream-Produktionen ist das mittlerweile selten. Und ein absolutes Novum für Roland Emmerich, der bis jetzt noch jeden Film mehr oder weniger verbockt hat.

Ärgerlich: über einige Zeit begleitet den Zuschauer ein russischer Oligarch. Und der redet mit einem Akzent und in einer Weise, es ist peinlich. Vor allem, wenn man Russen kennt und weiß, wie die sprechen. Das hätte man wohl vermeiden können. Danny Glover spielt dazu den Präsidenten wie ein Weichei. Dafür gibt’s einigen Humor. Besonders schön: Stabschef Anheuser (warum sind Stabschefs in Filmen immer miese Schweine?) zeigt auf Demonstranten mit Schilder „The End is near!“ und sagt etwas wie „Ich hätte nie gedacht, dass die Spinner mit den Schildern tatsächlich recht haben könnten“.

Kleine Story am Rande: die virale Netzkampagne für „2012“ rief dazu auf, nach der „Wahrheit“ zu googeln. Wo man natürlich auf tausende Verschwörungswebseiten stößt. Bei der Nasa gingen nun tausende Nachfragen ein. Daraufhin zürnten dort besorgte Wissenschaftler den Produzenten, denn Teenager hatte ihren Selbstmord angekündigt, wenn die Welt denn nun untergeht. Was mich als Mitteleuropäer zu der Frage bringt: wie dämlich kann man sein. Naja, das nur nebenbei.

Noch ein zweifelhafter Rekord: es dürfte wohl der Film mit den meisten Todesopfern sein. Hier sterben nicht Hunderttausende, sondern Milliarden. Irre ich mich da? Emmerich hat jedenfalls versprochen, keine weiteren Katastrophenfilme mehr zu drehen. Mal sehen, ob er sich daran hält – „2012“ dürfte jedenfalls von der Epik her kaum zu übertreffen sein.

Wanted

2009-11-14T10:34:00.002+01:00

Regisseur Timur Bekmambetov hat in Russland bereits die beiden „Wächter“-Filme gemacht. Die haben ein Problem: kennt man die Bücher nicht, kapiert man die Filme nicht. Und kennt man die Bücher, erkennt man, dass den Umsetzungen eine Menge fehlt.

„Wanted“ ist die erste Hollywood-Produktion des Russen. Es spielen eine Reihe von Hollywood-Größen mit wie Angelina Jolie, Morgan Freeman, und sogar Terence Stamp hat sich hierfür hergegeben. Das Thema ist den „Wächter“-Filmen nicht unähnlich. Hier haben wir die „Bruderschaft“, eine Organisation von Menschen mit einer speziellen Superkraft, die Menschen ermorden.

Diese werden seit über 1000 Jahren über einen Webstuhl ausgesucht, der ihre Namen per Webfehler in Binärcode rausgibt. Hört sich schon recht schwachsinnig an, nicht? Ist es auch. Natürlich wird dann alles nicht so, wie es zunächst scheint. Und bis dahin geht eine Menge zu Bruch, lassen viele Leute ihr Leben und erweist das Machwerk seiner „FSK 18“-Freigabe alle Ehre.

Das Problem ist noch viel grundlegender: unser Held hasst seinen Job, sein Leben und seine Freundin. Damit bietet er eine klassische Projektionsfläche für die ganzen Bübchen, die so gerne Neo wären und die man an ihren Ziegenbärtchen und schwarzen Ledermänteln erkennt.

Oder weniger populistisch und pauschalisierend: Leute, die ihre Lebensumstände für ihr miserables Leben verantwortlich machen und sich für auserwählt halten. Von denen gibt’s leider zu viele. Sie stellen sich hier außerhalb jeder Moral, und wenn auch der Bösewicht zum Schluss sein wahres Gesicht zeigt, der Rest der Organisation ist ja „nur“ irregeleitet.

„Ich weiß nicht, wer ich bin!“ ruft Held Wesley. Schlimm genug, wenn er meint, einen Haufen Leute umzubringen, würde ihm einen Lebensinhalt geben. Es gibt dann noch ein paar nette Actionszenen mit Autos und einem Zug, das war’s. Der Film war recht erfolgreich, daher wird gerade an einem zweiten Teil gearbeitet.

Kleine Info am Rande: die russische Version wurde aufwendig synchronisiert – was außerhalb von Deutschland eh eher selten praktiziert wird. Und „Wächter“-Autor Sergey Lukyanenko höchstpersönlich hat die Texte übersetzt.

Pans Labyrinth

2009-11-08T17:40:00.004+01:00

Guillermo del Toros wohl bekanntester Film stand schon lange auf meiner „Muss ich sehen“-Liste, aber erst jetzt habe ich es geschafft. Del Toro arbeitet gerade an den beiden „Hobbit“-Verfilmungen mit Peter Jackson zusammen. Man kennt ihn jedoch auch von eher mittelmäßigen Filmen wie den beiden „Hellboy“-Teilen, dem extrem enttäuschenden „Blade 2“ und dem unausgegorenen „Mimic“.

In „Pans Labyrinth“ kombiniert der Mexikaner in einem Horror-Märchen den Schrecken des Partisanenkrieges im Spanien des Jahres 1944 mit den Erlebnissen eines kleinen Mädchens in einer Fabelwelt. Ofélia reist mit ihrer hochschwangeren Mutter zum Stiefvater, einen Armee-Hauptmann. Dieser Mann sieht die Mutter nur als Erfüllungsgehilfin bei seinem Wunsch nach einem Sohn.

Gleichzeitig macht Ofélia Bekanntschaft mit Feen und einem Faun, der ihr erklärt, sie sei eine Prinzessin. Um ihren Thron zu besteigen, muss sie drei schwierige Prüfungen ablegen. Anders als in anderen Filme mit ähnlichem Sujet ist die Traumwelt des Mädchens genauso schrecklich und brutal wie die Realität.

Del Toro schafft in beiden Erzählsträngen eine dichte Atmosphäre, eine optische Opulenz, die allein schon das Ansehen lohnt. Die Geschichte mit ihrem recht erschütternden Ende hat mich hingegen sehr bewegt. So etwa der Hinweis auf die Probleme beim starren Befolgen von Befehlen anderer.

Ich bin mir zwar ehrlich gesagt unsicher, ob mir nicht noch eine Menge Sachen entgangen sind, aber sicherlich sehe ich mir "Pans Labyrinth" noch häufiger an.

Kleine Parallele: auch im Film „Labyrinth“ mit David Bowie aus den Achtzigern geht es um ein Mädchen und ihren noch sehr kleinen Bruder, das es mit einer undurchsichtigen Figur zu tun bekommt.

Und noch eins: in Spanien wurde auf den Kinoplakaten erst nach einiger Laufzeit darauf hingewiesen, dass der Film recht brutal und erschreckend ist – viele Mütter waren wohl mit ihren Kindern in den Film gegangen. Das erinnert mich an „Gremlins“, der auch einen geringfügig anderen Inhalt hatte, als das Marketing suggerierte. Um mich herum waren erschreckte Kinder, schockierte Mütter, in der Mitte saß ein grinsender Martin. ;)

Jumper

2009-11-04T11:23:00.002+01:00

Wenn man sich eine Superkraft aussuchen könnte, welche nähme man da? Die Fähigkeit zur Teleportation ist da sicherlich nicht die schlechteste Wahl. Allein die ganze Zeit, die man beim Reisen spart. Oder wenn man wie ich immer alles vergisst – kein Problem, man holt es eben schnell. So leben „Jumper“, die problemlos von einem Ort zum anderen springen können.

Reicht das für einen Film? Ich habe mir die Inhaltsangabe des zugrunde liegenden Romans durchgelesen und meine, dass der sehr viel mehr Wert gehabt hätte als das Skript. Stattdessen wird eine Geheimorganisation eingeführt, deren einzige Aufgabe es ist, alle Jumper zu identifizieren und dann umzubringen.

Samuel Jackson spielt den Anführer der „Paladine“ – dessen einzige Motivation ist „religiöser Fanatismus“. Ein wenig dünn für mich. Unser Held trifft dann auf einen weiteren Jumper, der seine komplette Existenz dem Kampf gegen die Paladine gewidmet hat und sie umbringt, wo er kann. Ebenfalls ein wenig dünn.

Die leicht verkorkste Produktion zeigt sich auch daran, dass nach Beginn der eigentlichen Dreharbeiten die beiden Hauptdarsteller ausgetauscht wurden – die Produktionsfirma war der Meinung, sie wäre zu jung, außerdem bräuchte man wenigstens ein bekanntes Gesicht. Das ist nun Hayden Christian, allen auch bekannt als Anakin Skywalker.

Hier droht eine Trilogie, das Ende des Films deutet schon stark auf eine Fortsetzung hin. Und da „Jumper“ dreimal soviel eingespielt wie er gekostet hat, werden wir uns auch die schon bald freuen können. Mir jedenfalls ist die Zeit dafür zu schade, ich kann mir schon denken, wie’s weitergeht. Telepathie ist doch auch eine schöne Superkraft.

Der Tag, an dem die Erde stillstand

2009-11-01T21:38:00.003+01:00

Und noch ein Remake: das Original von 1951 zählt zu den SF-Klassikern und hat bis heute Einfluss auf so ziemlich alles, was danach in der Richtung kam. Dementsprechend skeptisch war ich, als ich sah, dass ein entsprechendes CGI-aufgemotztes Spektakel daraus gemacht werden sollte.

Dazu noch mit Keanu Reeves in der Hauptrolle – man spekuliert ja noch, ob der Mann gesichtsgelähmt ist. Oder warum er in jeder Rolle so gut wie keine Emotionen und Mimik zeigt. Der Plot entspricht ungefähr dem Original, nur dass es hier nicht um den Kalten Krieg, sondern um Umweltzerstörung geht. Die Aliens wollen die Erde ob ihrer Einzigartigkeit vom Menschen „befreien“.

Der ganze Film hat ein Problem: Militär und Politik sind eigentlich alles nur machtgierige Schweine, die letztendlich mit allen Mitteln gegen die Außerirdischen vorgehen. Mich wundert, dass niemand eine Atombombe hervorgezaubert hat. Das mag aber den Machern wohl zu abgedroschen gewesen sein.

Dazu kommt die Sterilität. Auf der Erde herrschen Panik und Angst – nur merkt man davon als Zuschauer nichts. Stattdessen beschränken wir uns darauf, Klaatu (Reeves) zuzusehen, wie er von einem Punkt zum nächsten wandert, ohne einen erkennbaren Plan. Ebenso nicht wirklich erkennbar ist das Verhältnis der Schauspieler zueinander, Beziehungen und deren Änderungen fallen plötzlich einfach vom Himmel wie die Soldaten, die Klaatu erwischen wollen.

Für das, was „Der Tag, an dem die Erde stillstand“ aussagen will – Kritik an der menschlichen Ausbeutung des Planeten –, ist der Film nicht mal schlecht. Er ist ganz einfach durchschnittlich. Eine Menge Special-Effects machen mächtig Eindruck, das war’s dann auch schon. Jennifer Connelly spielt ihre weibliche Hauptrolle ähnlich distanziert wie schon im „Hulk“. Schön hingegen John Cleese als Nobelpreisträger, der Klaatu versucht zu überzeugen, der Menschheit eine Chance zu geben. Der Brite spielt hier einmal nicht den lustigen/schrägen alten Mann. Und wer unbedingt Will Smith' Sohn sehen möchte - der ist auch dabei.

Alles in allem keine absolute Zeitverschwendung, aber auch nichts, was man unbedingt gesehen haben muss.

RockNRolla

2009-10-29T09:20:00.002+01:00

Endlich mal wieder eine Gangster-Komödie von Guy Ritchie. Im Kino verpasst, habe ich ihn mir jetzt auf DVD angesehen. Anders als in „Snatch“ und „Bube, Dame, König, Gras“ geht es hier mal nicht um Kleinkriminelle, sondern um viele Millionen Euro, einen russischen Baulöwen, einen Gangsterboss und einen Haufen verschiedener weiterer Verbrecher. Und ein Gemälde.

Ritchie wollte einen Film über die Veränderungen in London machen, über das viele osteuropäische Geld, das in die Stadt kommt, und den um sich greifenden Wahnsinn der Grundstückspreise. Nun, das dürfte ja mittlerweile weniger ein Problem sein. ;)

Wie üblich bei Ritchie bevölkern coole Gangster den Film, dämliche Gangster, mächtige Gangster und brutale Gangster. Etwa russische Kriegsverbrecher mit Maschinenpistolen. Und diesmal haben wir mit Thandie Newton auch eine schöne Frau, der unser Hauptdarsteller One Two (Gerard Butler) in einer extrem witzigen Szene näher kommt. Kann sich einer noch an die Szene aus „Snatch“ erinnern, in der Cousin Avi mit der Concorde nach London fliegt?

Flugticket – Stempel im Pass – Getränk im Flugzeug trinken – Flugzeug fliegen sehen – und schon da. Das ging wirklich schnell! Ähnlich haben wir es hier: Newton in Dessous „Oh!“, - Butler mit aufgeknöpftem Hemd „Ah!“ – Newton mit leidenschaftlichem Gesichtsausdruck „Oh!“ – Reißverschluss zu – fertig! Das war übrigens nur eine filmische Notlösung: Butler hatte am Drehtag eine Halsentzündung, und Newton wollte ihn deswegen nicht küssen.

Leider hat der Film nicht das gleiche Tempo wie seine Quasi-Vorgänger, auch nicht die gleiche Gagdichte. Und noch was: wenn einer hier weiß, was aus dem russischen Oligarchen geworden ist – bitte posten! Trotzdem sehenswert. Wie im Abspann angekündigt, soll es ein Sequel (angeblich sogar eine Trilogie) geben – das Drehbuch steht bereits.

Auf bösem Boden

2009-10-25T15:45:00.003+01:00

Ausnahmsweise begebe ich mich in die Gefilde des Independent Films. Das Spielfilmdebut des Österreichers Peter Koller soll nach seiner Aussage eine Mischung aus „Tom und Jerry für Erwachsene“ und eines Italo-Westerns seins. Herausgekommen ist ein recht unausgegorenes Konglomerat aus Filmzitaten, recht extremer Gewalt und Absurditäten.

Das eher merkwürdige Pärchen Romeo und Julia (wie originell!) will ein Haus mieten/kaufen/weiß man nicht, und Romeo kommt bei der Geldübergabe für die Miete/Kaufpreis/weiß man nicht auf die glorreiche Idee, den Makler brutalst abzustechen.

Bei der Beseitigung der Leiche trifft er auf den „Verrückten“, der ihn bewusstlos schlägt und bis zum Hals eingräbt. Es folgen eine Reihe Widerlichkeiten und Demütigungen, bis Julia am Ort des Geschehens auftaucht. Dann beginnt eine eher absurde Verfolgungsgjagd mit klassischem Hin-und-her, Tür-auf-Tür-zu und weiteren Gewalteinlagen.

Koller sagt im Making-of, ein großer Teil der Crew habe erst später mitbekommen, dass es sich hier um eine Komödie handeln soll. Ich hab’s auch nicht wirklich verstanden. Er erklärt ebenfalls das Problem, der Julia-Schauspielerin verständlich zu machen, dass sie eine Frau ist, die gerne „von hinten durchgefickt“ wird und bei einer Vergewaltigung gelangweilt ist. Das Zauberwort ist „Motivation“. Und da frage ich auch mal nach. Bei einem Kurzfilm mag es reichen zu sagen, das ist nun mal so, bei einem Spielfilm würde ich da doch eine Erklärung erwarten.

Kari Rakkola als der Verrückte ist allerdings ein kleines Highlight, sieht übrigens fast so aus wie Rammstein-Sänger Till Lindemann. Birgit Stauber als Julia kann auf mehrere Fernsehrollen in „Wilde Engel“, „Klinik unter Palmen“, „Schlosshotel Orth“ und Konsorten zurückblicken. Hier zeigt sie jedenfalls keine bemerkenswerte Leistung, was auch an der Regie liegen mag.

Warum habe ich mir den Streifen überhaupt angetan? Ganz einfach: weil der ganze Film gerade mal 60.000 Euro gekostet hat. Und was das Team um Koller da auf die Beine gestellt hat, ist erstaunlich. An der Optik gibt’s nichts auszusetzen, Kameramann Markus Stotz erklärt gleich, wie man mit einer DV-Kamera Filmoptik hinbekommen kann.

Für die Visual Effects zeichnet der berüchtigte Peter Hacker verantwortlich. Alles in allem braucht „Auf bösem Boden“, was die Produktion angeht, keinen Vergleich zu erheblich teureren Filmen zu scheuen. Und ist ein Beweis dafür, dass sich Ideen auch kostengünstig realisieren lassen.

Vulkan

2009-10-20T22:52:00.002+02:00

Ach, was gibt es Schöneres als die großartigen Event-Zweiteiler des deutschen Privatfernsehens. Wichtige Punkte in der Geschichte werden genauso abgehandelt wie Naturkatastrophen, die hierzulande wohl nie vorkommen werden.

Deutsche Fernsehfilme hinken grundsätzlich US- oder anderen Mainstreamfilmen hinterher. Woran liegt das? Zu den Glanzzeiten des Öffentlich-Rechtlichen durften Filme dieser Art natürlich nie in irgendeiner Weise spannend sein. Sie mussten belehren und wenn möglich auch auf die Schrecken der Nazizeit/Faschismus/deutsche Geschichte allgemein hinweisen.

Dann kam das Privatfernsehen und kam zum (richtigen) Schluss, dass es doch bestimmt auch möglich ist, da Action und Spannung reinzubringen und den moralischen Zeigefinger ein wenig zurückzunehmen. Dabei kamen sie jedoch ebenfalls zu dem (falschen) Schluss, das Ganze mit Pappmaché-Charakteren, Trickeffekten und Action um ihrer selbst Willen aufzumotzen.

Diesmal: Vulkanausbruch in der Eifel. Könnte ja ein schönes Thema sein. Leider werden im ersten Teil stundenlang Charaktere eingeführt, die zwischendurch auf grausame Vorzeichen des nahenden Ausbruchs stoßen. Ganz schlimm: Katja Riemann als ihren Mann betrügende Ehefrau, die sich – just in der Eifel – mit ihrem Liebhaber trifft. Der ist ihre Jugendliebe, die sie mit 19 vor 15 Jahren verlassen hat. Da kommt man auf ein Alter von 34 Jahren. Das passt noch nicht mal mit einem Zahlendreher.

Armin Rohde spielt einen Mitarbeiter des Ordnungsamt, den niemand respektiert. Also verschafft er sich Respekt mit der Waffe, als er während des Ausbruchs zwei Jugendliche niederschießt, die ihn zum Gespött gemacht haben. Das Thema Gewalt durch Schusswaffen (etwa der Getränkeladenbesitzer, der auf einen Mann feuert, um an dessen Auto zu kommen) wird zwar weiter aufgegriffen, hat aber zum Ende des Films in keinster Weise Konsequenzen.

Vielleicht muss sich in einem Film ja nicht jeder einzelne Handlungsstrang in Wohlgefallen auflösen. Doch eine Absicht dahinter erkennen, das muss man schon können. Hier habe ich eher den Eindruck, die Autoren haben das dann einfach mal vergessen.

Der Rest der Besetzung ruft auch häufiger Kopfschütteln hervor. Etwa Yvonne Catterfeld als Doktorandin der Vulkanologie, die zwischendurch noch Zeit für ein Techtelmechtel mit der Hauptfigur hat. Ach ja, die wiederum ist so farblos, dass ich sie erst jetzt erwähnt habe.

Alles in allem: schöne Tricks, sonst war nix.

The day after tomorrow

2009-10-14T17:23:00.004+02:00

Ha, reingelegt, es geht natürlich nicht um das unsägliche Emmerich-Machwerk. Und keine Angst, das kommt auch in diesem Blog nie vor. Es geht vielmehr darum, dass ich um sieben Uhr morgens aus dem Fester sehe - und es schneit! Mitten im Oktober!

Man ist in Bayern ja Einiges gewohnt, aber das hier? Wo bleibt die verdammte globale Erwärmung, wenn man sie mal braucht? Oder haben die Iraner/Amis/Russen/New World Order endlich den Golfstrom umgeleitet?

Dass in den Läden schon so getan wird, als ob Weihnachten wäre mit den ganzen Dominosteinen und Spekulatius, meinetwegen - aber der Schnee kann gerne noch bis Januar da bleiben, wo er hingehört.

Und was hat das nun mit Filmen zu tun? Erstmal - nichts! ;)

District 9

2009-10-09T14:36:00.002+02:00

Ein großes, scheibenförmiges Raumschiff, direkt über Johannesburg – nein, es ist nicht die nie verlangte Fortsetzung von „Independence Day“. Der südafrikanische Regisseur Neill Blomkamp setzte diese Mischung aus Drama und Action-Thriller als Allegorie auf die Apartheid um.

Eigentlich sollte Blomkamp mit der Hilfe von Peter Jackson als Produzenten die Verfilmung von „Halo“ realisieren – das zerschlug sich bekanntermaßen, nicht notwendigerweise ein Nachteil. Also nutzten die beiden Filmemacher die Ressourcen, um die Kinoüberraschung dieses Jahres zu produzieren.

Das unbekannte Schiff beherbergt fast zwei Millionen insektenartige Außerirdische, die bei ihrer Entdeckung fast verhungert sind und sich in sehr schlechter Verfassung befinden. Rasch wird ein provisorisches Lager errichtet, das sich jedoch bald in einen Slum verwandelt. Zusammenstöße zwischen Menschen und Aliens sorgen für Spannungen, und so werden Menschen und die Erdbesucher streng voneinander getrennt. Mit allen negativen Konsequenzen wie armselige Lebensumstände, Schmuggel und Gewalt.

Held Wikus van der Meer soll nun die Umsiedlung der bösartig „Shrimps“ genannten Kreaturen in ein neues Lager weitab der Zivilisation organisieren. Der Bürokrat kommt dabei in Kontakt mit einer Substanz, die ihn langsam selber in einen Alien verwandeln.

Viele unterschiedliche Gruppen sind an den Waffen der Außerirdischen interessiert, die dank einer Bio-Sicherung nur sie abfeuern können. Und so wird van der Meer sehr interessant für all diese Menschen, die alles im Sinn haben, nur nicht Wikus’ Wohlergehen.

Verfolgt wird er dazu gezwungen, selber mit den ihm verhassten Außerirdischen zusammenzuarbeiten. Anfangs stringent im Doku-Stil gedreht wandelt sich das später in Handkamera, was dem Film Authenztität verleiht und über logische Lücken hinweghilft. Etwa warum die Außerirdischen sich das alles gefallen lassen und nicht mit ihren überlegenen Waffen zeigen, wer hier der Chef ist.

Auffällig auch der hohe Gewaltlevel, denn mit den „Shrimps“ wird nicht allzu sanft umgegangen. Das zieht sich durch den ganzen Film, zumal die Alien-Waffen auch nicht gerade zimperlich mit ihren Zielen umgehen.

Finden sich bis zur Mitte des zweiten Akts noch ein Haufen satirischer Elemente und Beobachtungen, weicht dies dann der rein action-getriebenen Handlung. Was eigentlich schade ist.

Trotzdem, ein sehenswerter Film und schönes Filmdebut von Blomkamp – und die Handlung lässt auch noch wunderbar einen zweiten Teil zu. Hoffen wir, dass der Esprit von „District 9“ auch dort noch erhalten bleibt.

The Big Lebowski

2009-10-03T11:46:00.001+02:00

Der wohl mit Abstand beste Film der Coen-Brüder ist ein Bowling-Film oder ein Kiffer-Film, je nach Geschmack. Für mich eine der besten Komödien, die jemals gemacht wurden. Das von mir heißgeliebte Sujet: sympathischer Held gerät durch skurrile Umstände in beschissene Situation, und alles, was er tut, macht alles noch sehr viel schlimmer.

Bis in die Nebenrollen fein besetzt – Philip Seymour Hoffman als Big Lebowskis persönlicher Assistent, Tara Reid als Big Lebowskis Frau – zeigen uns Jeff Bridges, John Goodman und Steve Buscemi, wie man ein hervorragendes Drehbuch lebendig werden lässt. Nicht zuletzt getragen vom genauso genialen Soundtrack.

Und obwohl ich kein Original-Version-Faschist bin, gebe ich doch den Tipp, sich den Film unbedingt auf Amerikanisch anzusehen. Hier kommen die Wortspiele richtig zur Geltung, ebenso das ganze Vokabular der einzelnen Akteure, quer durch soziale Schichten und Bezirke von Los Angeles.

Der „Dude“ (Jeff Bridges) dürfte wohl ein filmisches Original sein, mit seiner Vorliebe für White Russians, die übrigens pervers schmecken. Tipp vom Meister: lieber ein paar Whiskeys dabei trinken. Das kommt der Attitüde des Films zugute, wenn man sich nicht daran stört, dass unser Hauptdarsteller trinkt, kifft und flucht, während er seinen Torino fährt. Aber wer tut das schon. ;)

Der im Film erwähnte „In and out“-Diner ist übrigens tatsächlich ganz gut, zumindest als ich 1999 da war. ;)

Falls es hier noch irgendwen gibt, der den Film nicht gesehen hat: jetzt wird’s aber Zeit!

Oben

2009-09-26T09:35:00.009+02:00

Mit nicht geringen Erwartungen habe ich mir „Oben“ angesehen, gleich in 3D. Werden 3D-Filme jetzt die großartige Neuerung, die das Kino retten soll? Ich weiß ja nicht so recht.

Aber egal, hier gab’s jedenfalls ein paar schöne 3D-Effekte. Leider kommt der Film nicht richtig in die Puschen, oder sollte ich sagen, hebt nicht so richtig ab. Die Vorgeschichte – sehr rührend – wird als Montage kurz nach der Einführung der Charaktere gezeigt und wäre an sich eine schöne Story gewesen.

Aber die Autoren wollten es anders, und so geht es hier um die Reise eines alten Mannes und seines unfreiwilligen Begleiters, eines Pfadfinders, dem noch das Abzeichen für „alten Leuten helfen“ fehlt. Eines der Grundthemen des Filmes – unser Opa findet in dem Jungen eine Aufgabe, der Junge einen Vaterersatz – wird dadurch konterkariert, dass gar nicht klar wird, was mit dem Vater des Jungen genau ist. Das wird mit „Vater hat nie Zeit und soooo viel zu tun“ weggewischt.

Auch ein weiteres Sujet, nämlich das Enttarnen von Kindheitsvorbildern als obsessive Leute, die nur noch ein Ziel vor Augen haben, koste es, was es wolle, fällt einfach so vom Himmel wie das Haus mit seinem Luftballonantrieb. Unser Bösewicht hat im Original übrigens die Stimme von Christopher Plummer. Der lebt also noch.

„Oben“ ist kein schlechter Film, aber sicherlich einer der schlechteren von Pixar. Dazu kommt für mich ganz persönlich noch, dass das Mathäser in München den Vorfilm „Partly Cloudy“ unterschlagen hat. Ins Mathäser gehe ich eh nicht häufig, in meinem Lieblingskino lief der Film aber nicht in 3D. Und für schlappe 12 Euro kann ich wohl noch den Vorfilm erwarten. Zumal "Oben" gerade gute eineinhalb Stunden dauert.

Dann gibt es natürlich noch Apple-Reminiszenzen, Steve Jobs wird es danken. Und noch eine Notiz an mich selbst: keine ganze Tüte Weingummi mehr während der Vorstellung verputzen!

Und damit zumindest die Leser dieses Blogs in den Genuß des Vorfilms kommen, tadaa, da ist er:

Crank

2009-09-20T16:51:00.001+02:00

Wieder einer der Filme, in die man mich geschleppt hat und die sich als absolut keine Geldverschwendung rausgestellt haben. Hier sieht man auch, wie mit relativ wenig Geld ein herausragender, wegweisender Actionfilm gemacht werden kann. Fixe Handlung, kein Aufhalten mit irgendwelchen Subplots, merkwürdige Kamerawinkel – so muss das sein.

Die beiden Regisseure verzichteten auf reguläre Kameras und filmten den ganzen Kram digital auf HD, mit zwei Kameras in ständigem Einsatz, die sie selber bedienten. Crank ist ganz klar ein Kind seiner Zeit, mit dem ständigen Einsatz von Mobiltelefonen (dem Schrecken jedes Drehbuchautors), Google Maps und seinen Computerspielanleihen. Von denen mir natürlich keine entgangen ist, hihi.

Nachdem ich im Vergleich dazu „Underworld: Evolution“ gesehen hatte – der im übrigen wie sein Vorgänger kein schlechter Film ist und eine eigene Ästhetik aufweist – wirkte der behäbig, plump, langsam. Crank ist ein Feuerwerk ohne Gleichen und dürfte Jason Stathams Ruf als B-Actionstar für nicht wenige Jahre zementiert haben.

Schon die Eingangssequenz, in der Held Chev morgens aufwacht, feststellt, dass er vergiftet worden ist und als erste Reaktion erstmal seinen Flachbildschirm zertrümmert, zeigt, wo es hin geht. Genial: der auf- und abschwingende Klingelton seines Telefons (Nebenwirkung des Giftes), den ich mittlerweile bei jedem dritten Handyklingeln in der S-Bahn höre.

Und spätestens, als nach der Verfolgungsjagd im Einkaufszentrum Chevs schönes altes Auto auf der Seite liegend die Rolltreppe hochfährt wusste ich, wenn der Film sein Tempo und Originalität behält, habe ich hier ein Juwel vor mir. Und so war’s auch.

Genau aus dem Grund habe ich Angst, mir die Fortsetzung anzusehen. Taugt die wohl was? Ach ja, an alle: in den Kommentaren nix über den zweiten Teil verraten, sonst schicke ich Euch Statham persönlich auf den Hals! Der is krasse Kollege von mir, kapische?

Julie & Julia

2009-09-08T10:30:00.001+02:00

So, nach längerer Zeit bin ich wieder da – ich bin nämlich gerade im internetlosen Urlaub und daher auf Netzzeitspenden lieber Freunde angewiesen! Und was mag es bedeuten, dass ich die gleichen Segeltuchschuhe wie Amy Adams habe? Dann mal:

Julia Child war eine große Frau. Nicht nur, weil sie eine in den USA bekannte Fernsehköchin war, sondern weil sie eine beachtliche Körpergröße hatte. Komödienspezialistin Nora Ephron verarbeitet in diesem Film zwei Autobiographien: die besagter Julia Child und die von Julie Powell. Die New Yorker Büroangestellte will alle 524 Rezepte des Child-Kochbuches in 365 Tagen nachkochen und schreibt einen Blog darüber.

Das ambitionierte Unterfangen stößt natürlich anfänglich auf Skepsis, bis sich herausstellt, dass es Julie, begabeter Amateurin, wirklich ernst ist. Abwechselnd zeigt Ephron die wichtigsten Stationen der beiden engagierten Hobbyköchinnen. Und bringt so den Beweis, dass Frauen auch am Herd etwas zur Selbstverwirklichung tun können.

Die Regisseurin arbeitet hier wieder mit Meryl Streep (als Julia Child) zusammen, mit der sie schon vor über 30 Jahren „Silkwood“ gemacht hat, ein ganz und gar nicht lustiger Film. Ihren zeitgenössischen Gegenpart spielt Amy Adams, im „Spiegel“ nicht zu Unrecht als eine der großen Hoffnungen Hollywoods bezeichnet. Nur: bisher gab’s nur Nebenrollen in großen Filmen (etwa in „Catch me if you can“ oder „Der Krieg des Charlie Wilson“) und eine einzige Mainstream-Hauptrolle in „Verwünscht“. Hoffen wir mal, dass sie auch mal andere Rollen bekommt, in denen sie zeigen kann, dass noch mehr in ihr steckt als naiv-optimistische Charaktere.

Der Film gerät manches Mal arg ins Wanken, und nur das Können von Adams und Streep verhindert, dass er kippt. So etwa bei den konstruierten Problemen, mit denen beide Protagonistinnen zu kämpfen haben. Die Szene, in der Julie und ihr Mann streiten, wirkt so aufgesetzt, dass man nie in Versuchung gerät zu glauben, dass sie sich ernsthaft trennen könnten.

Außerdem klebt die Handlung zuweilen süßer als der Zuckerguß, den Julie für ihren Schokoladenkuchen bereitet. Liebe geht zwar durch den Magen, aber das wird hier deutlich überstrapaziert. Ganz überwiegend spielen Streep und Adams jedoch zauberhaft und charmant. Und genau deswegen ist „Julie & Julia“ sehenswert. Zumal ich hier das Vergnügen habe, über einen Film zu bloggen, in dem jemand bloggt, die sich mit dem Leben einer anderen Person beschäftigt.

Und noch ein Mix ...

2009-08-28T00:02:00.004+02:00

... dann gibt's aber wieder Filmkritiken! :) Hier meine Extended Version von "Untouched". Das Machwerk von The Veronicas, die bezaubernden Schwestern Origliasso, ist eine klassische längere Fassung - mir gefallen die allermeisten Remixe auf youtube nicht, weil sie fast alle deutlich langsamer als das Original ist, eine nette Upbeat-Tempo-Nummer.

Overdubs habe ich mit meiner getreuen Danelectro Dan-O-Blaster und meinem Korg Z1 gebastelt, gemixt mit Cubase.

Zensursula Dance Mix

2009-08-23T16:45:00.001+02:00

Hier noch was von mir selber: das Thema Internetsperre vermeide ich ja sonst eher, aber nachdem ich eine Rede von Ursula von der Leyen auf youtube gesehen habe, musste ich diesen Mix machen:

Andromeda – Tödlicher Staub aus dem All

2009-08-20T10:52:00.000+02:00

Gerade kam mal wieder ein Klassiker im Fernsehen, nämlich die Verfilmung von Michael Crichtons erstem Roman. Zumindest des ersten Buchs, das unter seinem Namen veröffentlicht wurde. Robert Wise hat den Film in Szene gesetzt, der auch nach fast 40 Jahren immer noch aktuell ist.

Atmosphärisch dicht fängt „Andromeda“ schon an – und zwar mit der klassischen „Hollywood-Nacht“ (Tagaufnahmen nehmen und nachher abdunkeln). Die wirkt hier so bedrohlich und beklemmend, dass mir jetzt noch die Magensäure zu schaffen macht. Kompliment an dieser Stelle übrigens an das Öffentlich-Rechtliche – offensichtlich ist der Film neu abgetastet worden. Und selbst mit meinem schäbigen komprimierten DVB-T-Empfang ist das Bild gestochen scharf und klar, vermutlich besser als auf den Zelluloid-Kopien damals im Kino.

Die Geschichte um eine außerirdische mikroskopische Lebensform, die Menschen innerhalb von Sekunden tötet, packt sofort. Ein kleiner abgelegener Ort in New Mexico wird von ihr entvölkert. Mehrere Wissenschaftler versuchen in einer unterirdischen Forschungsstation, der tödlichen Gefahr auf die Spur zu kommen und fordern einen Atomschlag an – nur um zu erkennen, dass dies genau den gegenteiligen Effekt als den gewünschten hätte. Die Lebensform würde mutieren und außerdem die Energie aus den Röntgenstrahlen zum Wachstum benutzen.

Das Labor selber ist gegen das Entkommen von gefährlichen Bakterien und Viren mit einer Nuklearwaffe gesichert – was zu einem nervenaufreibenden Schluß führt. Lediglich das Deux-ex-machina-Ende verärgert ein wenig, ansonsten hat Crichton hier die Vorlage für einen medizinischen Thriller der Oberklasse geliefert.

Heute noch schön anzusehen: die Computertechnologie, die natürlich massiv überholt ist, aber von der Konzeption heute noch ähnlich aussehen würde. Besonders der Hinweis auf die Vernetzung aller Rechner bringt mich zum Grinsen.

Kleiner Hinweis noch am Rande: Crichton wurde damals zu einer Studiotour eingeladen – und sein Führer war niemand anders als der junge Steven Spielberg. Der Regisseur von der erfolgreichsten Crichton-Verfilmung „Jurassic Park“. Interessant, wo sich in der Welt immer wieder Kreise schließen.

Smokin’ Aces

2009-08-14T15:59:00.003+02:00

Tatsächlich hat es mal ein Text in meiner Fernsehzeitschrift geschafft, mein Interesse für einen Film zu wecken, von dem ich vorher noch nie etwas gehört hatte. Nicht zuletzt die Darstellerriege ist beeindruckend: Andy Garcia, Ray Liotta und Ben Affleck sind dabei, dazu noch eine ganze Reihe weitere Gesichter, die man häufiger zu sehen bekommt. Etwa Ryan Reynolds als Hauptcharakter. Sogar R’n’B-Sängerin Alicia Keys spielt eine kleinere, aber dennoch wichtige Rolle.

Ein klassischer Gangster-Mafia-Film: ein Las-Vegas-Künstler mit besten Beziehungen zur Mafia taucht unter und droht auszupacken. Das FBI will alles, was er weiß, der Künstler möchte ins Zeugenschutzprogramm, die Anwälte, die seine Kaution gestellt haben, wollen ihn lebend zurück, eine ganze Reihe Kopfgeldjäger wollen ihn lebend oder tot, da eine Million Dollar auf sein Haupt ausgesetzt sind.

Es folgen eine Reihe herrlich absurden Szenen, in denen unsere Protagonisten und ein Geheimnis beim FBI eingeführt werden. Alles läuft in einem Hotel in wunderschöner Landschaft zusammen, und hier beginnt die Story leider auszufasern. Schaffen es etwa Filme wie „Snatch“ das alles mit einem wie auch immer verdrehten Sinn zusammenzufügen, laufen einige Storyverläufe auf ein Ende zu, einige andere auf ein anderes.

Es gibt ein paar schöne Actionsequenzen, aber ab der Mitte fängt der Film an, sich zu ernst zu nehmen. Hier wäre trockener Sarkasmus angebracht gewesen. Das überraschende Ende beeindruckt ebenfalls nicht über die Maßen, ist jedoch einigermaßen OK.

Ich habe mich gut unterhalten gefühlt, die gut zwei Stunden waren sicherlich keine Zeitverschwendung. Wem dieser Film gefällt: ein Prequel (in dem aber so gut wie keine der Originaldarsteller auftauchen) ist gerade in der Postproduktionsphase.

So schneidet man richtig!

2009-08-11T10:34:00.002+02:00

Ausnahmsweise ein kleines Bonmot an dieser Stelle:
Spiegel Online hat hier ein paar youtube-Kleinode zusammengestellt, und zwar selbstgemachte Filmtrailer. Das Besondere: die Szenen entstammen Originalen, sind jedoch anders zusammengeschnitten. So wird aus "Mrs. Doubtfire" ein sinistrer Thriller, aus "Blue Velvet" eine Teenie-Komödie, aus "Shining" hingegen ein netter Familienfilm. Ansehen lohnt sich!

Godzilla

2009-08-08T00:29:00.005+02:00

Als ich anfangs hörte, dass ein Godzilla-Remake gemacht werden würde, war ich begeistert: endlich würde es einen Godzilla geben mit ordentlichen Trickeffekten und einer Westliche-Welt-kompatiblen Storyline. Als ich hörte, dass Roland Emmerich Regie führen würde, war ich schon skeptischer, hatte ich doch das „Independence Day“-Desaster noch in guter bzw. schlechter Erinnerung. Doch es kam alles noch viel schlimmer.

Ich rege mich ja öfters über verschenktes Potenzial auf, und hier haben wir ein Paradebeispiel. Die Story hat Löcher, durch die das Monster mit Leichtigkeit durchschlüpfen könnte. Das US-Militär scheint dämlicher zu sein, als man eh schon glaubt, so oft, wie ihnen das Viech durch die Lappen geht.

Und: ein Monster von sicherlich 100 Metern Größe – die variiert übrigens sehr stark während des Films – verschwindet in der New Yorker U-Bahn. Ich bin mir sicher, verschwünde der Wolpertinger in der Münchener U-Bahn, dauerte es keine zwei Tage, bis er die Titel aller hiesigen Boulevard-Zeitungen zieren würde.

Thema Schludrigkeiten: es kostet kein Geld, mal eben nachzusehen, wie militärische Hardware ausgerüstet ist. Wenn schon Displays in Flugzeugen gezeigt werden, auf denen die Waffenbestückung draufsteht – warum um alles in der Welt schießen die mit „Harpoon“-Raketen auf die Echse? Das ist eine Anti-Schiff-Rakete. Die Raketenbezeichnungen gehen eh durcheinander, dann sind es „Mavericks“, dann lasergelenkte Bomben – was nun?

AH-64 haben keine Flügel mit Streben, keine drei Waffenpunkte pro Flügelstummel und kein Doppel-MG. Es gibt sogar Shots, in denen gezeigt wird, wie neben dem Piloten links und rechts die MGs feuern – erinnert übrigens sehr stark an die Draconier-Schiffe in der guten alten „Buck Rogers“-Fernsehserie aus den Siebzigern.

Das mögen ja alles nur Kleinigkeiten sein, aber die ziehen sich durch den ganzen Film. Der vorläufige Höhepunkt sind die drei U-Boote in der Hudson Bay. Vielleicht beordern sie noch einen Flugzeugträger samt Kampfgruppe dazu. Ich würde nicht mal eins dieser Riesendinger in eine Flussmündung beordern, ganz abgesehen von dreien. Eins wird dann ja auch prompt vom Torpedo eines Kollegen getroffen. Kein Wunder, bei dem Platz, den die Los-Angeles-Klasse braucht, konnte das arme Ding vermutlich gar nicht anders.

Es gibt ein paar lichte Momente, etwa Sergeant O’Neal (gespielt von Doug Savant) – diese sympathische Nebenrolle illustriert sehr schön die Hilflosigkeit des Militärs, etwa wenn er einen Befehl von seinem Vorgesetzten entgegen nimmt:
„Sperren Sie die U-Bahntunnel, damit es sie nicht benutzt!“ – „Ja, Sir! – Äh, wie sollen wir das machen, Sir?“

Dazu kommen ein paar kleine Sticheleien gegen die Amerikaner, etwa wenn es um Croissants und angeblichen französischen Kaffee geht – warum übrigens Jean Reno da mitspielt, geht über mein Fassungsvermögen. Trotzdem sind natürlich die paar französischen Atomtests schuld an der Mutation der Echse, nicht die paar hundert, die die Amerikaner im Pazifik durchgeführt haben.

Roland Emmerich und sein Drehbuchschreiber Dean Devlin haben es – mal wieder – großmaßstäblich versaut, wie Emmerich bisher noch jeden Film versaut hat. Mein Problem: Emmerich macht in der Regel Filme über Themen, die mich stark interessieren. So etwa sein nächstes Projekt, „2012“. Vermutlich werde ich fünf Euro opfern, nur um danach sagen zu können: „Ich hab’s ja gleich gewusst!“ ;)

Happy End

2009-07-31T16:54:00.001+02:00

Hier haben wir mal ein Beispiel für einen Film, bei dem es wenig hilfreich ist, wenn eine einzelne Person – Amos Kollek – sowohl für Drehbuch als auch Regie verantwortlich zeichnet. Deswegen ist aus dem Stoff für diese kleine, leichte Liebeskomödie kein ebensolcher Film geworden.

Audrey Tatou spielt ein französisches Mädchen, das auf der Suche nach Ruhm als Schauspielerin in New York ankommt und schließlich im Vorgarten eines ausgebrannten Drehbuchautors landet. Man kann es sich schon denken, sie inspiriert ihn zu einem ganz tollen Skript und wird selber gefeierte Schauspielerin. Ist auch nicht verwerflich, der Weg ist bei diesem Genre das Ziel.

Und dieser Weg ist leider krumm und schief, und nicht wegen überraschender Wendungen. Man mag dessen Verlauf kaum folgen, selbst wenn man mal die Logik und Motivation der einzelnen Leute außer acht lässt. Jennifer Tilly zeigt übrigens in einer Nebenrolle, dass sie genau dafür Talent hat – für Nebenrollen.

Auch der rein europäische Blick auf New York hilft nicht wirklich, Glaubwürdigkeit zu erzeugen. Unser Autor will ein massenkompatibles Skript schreiben. Also explodiert in der ersten Szene New York, der Held hat gerade Sex, als alles um ihn herum in die Luft fliegt und er aus dem 20. Stock springt. Das ist so absurd, das taugt noch nicht einmal als ironische Herangehensweise an Action-Blockbuster.

Es mag einen Grund haben, warum Drehbücher von Amos Kollek ausschließlich von Amos Kollek verfilmt werden, und Amos Kollek nur Filme nach Drehbüchern von Amos Kollek macht.

Harry Potter und der Halbblut-Prinz

2009-07-24T00:39:00.003+02:00

Im Kino ist es erheblich angenehmer als in meiner Dachwohnung (Rekord gestern: 29°C), also habe ich mir den neuen „Harry Potter“ angeschaut. Ich habe die Reihe nie als wirklich großartige Filme angesehen, sind sie doch recht brave und stark Vorlagenorientierte Romanverfilmungen. Mein Liebling ist dabei „Der Gefangene von Askaban“, weil er ein paar Horrorelemente hat und sich von den anderen durch seinen erfrischenden Stil unterscheidet.

Wie sieht’s nun beim sechsten Teil aus? Seit dem vierten Buch mussten die jeweiligen Autoren Auslassungen vornehmen, weil im in allen Filmen durchgehend ähnlichen Erzähltempo die kompletten Umsetzungen viel zu lange dauern würden.

Verständlich. Nicht verständlich ist, warum Regisseur David Yates ganz elementar wichtige Szenen weglässt, darunter sämtliche Actionsequenzen. Dafür gibt’s eine Neue, in denen die Todesser in den Weihnachtsferien das Haus der Weasleys wegblasen. Ich hatte mich schon so auf den Anfang gefreut, in dem offenkundig Tony Blair Besuch vom „anderen“ Minister bekommt. Außerdem wird ein großer Teil von Tom Riddles Vergangenheit einfach ignoriert. Das ist aber eine der Hauptfunktionen des sechsten Bandes.

Vom fehlenden Schlusskampf ganz zu schweigen. Und noch schlimmer: der Film heißt „Harry Potter und der Halbblut-Prinz“ – wer das ist, kommt ganz zum Schluss heraus, über das Warum wird vorsichtshalber gar nichts gesagt. Verschiedentlich habe ich gelesen, dass sich Leute über das ganze pubertäre Liebesgebandel beschweren, von denen weder Harry noch Ron Weasley oder Hermine Granger befreit sind.

Ja nun, Leute, ist im Buch genauso. Man kann darüber streiten, ob ein guter Autor so was entfernen kann oder nicht, aber die Vorlage entspricht dem nun mal. Unsere drei Hauptdarsteller Daniel Radcliffe, Rupert Grint und Emma Watson machen ihren Job wie immer sehr ordentlich, diesmal besonders herausragend wie sinister Professor Snape, Alan Rickman.

Neu als Professor Horace Slughorn sehr schön: Jim Broadbent. Man fragt sich allerdings, wann alle Schauspieler aus dem „Working Title“-Fundus aufgebraucht sind. Es fehlen noch Hugh Grant, Liam Neeson und Colin Firth. ;)

Eine Frage habe ich noch: warum sind für den nahezu identisch langen "Heiligtümer des Todes" zwei Filme nötig, vor allem, weil das Buch horrende Längen hat?

Frühstück bei Tiffany

2009-07-17T22:14:00.001+02:00

So, damit hier nicht jeder glaubt, ich kucke nur Nerd-Filme: hier einer der Klassiker der Filmgeschichte, den man sich auch noch in hundert Jahren ansehen wird: „Frühstück bei Tiffany“.

Stil-Ikone Audrey Hepburn in der Rolle des Partygirls Holly Golightly zeigte hier mit ihrem einfachen Givenchy-Kleid einen weiteren oft kopierten Look – das berühmte „kleine Schwarze“. Golightlys Ansichten ihrer Welt hingegen sind so bemerkenswert wie naiv. Der Kontrast der Gespräche zwischen ihr und dem Schriftsteller Paul Varjak ist übrigens ein wundervolles Beispiel für gut geschriebene Dialoge.

Die Ziele der ehrgeizigen Holly entsprechen – leider – wohl den tatsächlichen Vorstellungen einer ganzen Generation heutiger junger Frauen, die ihren Lebenszweck darin sehen, Model oder Sängerin oder ganz einfach nur reich zu werden. Hallo, Mädels, diese Geschichte hat eine Moral!

Als alter Happy-End-Liebhaber bin ich gar nicht böse darüber, dass der Film anders endet als der gleichnamige Roman von Truman Capote. Wie herzergreifend zu sehen, als Holly erkennt, was in ihrem Leben wirklich wichtig ist und was nicht. Was Prioritäten hat und wofür sie sich entscheiden muss. Wie sie Paul verletzt hat und warum.

Mal abgesehen davon, dass Audrey Hepburn wohl eine der schönsten Schauspielerinnen in der Geschichte dieses Planeten ist und immer sein wird – Regisseur Blake Edwards inszeniert hier mit leichter Hand eine genauso komische wie tragische Liebesgeschichte, die selbst nach fast 50 Jahren aktuell wie ergreifend ist. Sowohl Audrey Hepburn als auch George Peppard haben hier die Rollen ihres Lebens. Und ja, ich kenne das „A-Team“. ;)

Also: klarer Fall für den Film-Olymp.

Mash-Club

2009-07-14T15:55:00.004+02:00

Hat nicht direkt was mit Filmen zu tun, aber dieses schöne Plakat neben meiner Wohnstatt kann ich Euch nicht vorenthalten: dass man mir zu Ehren einen Club eröffnet, hätte ich nie und nimmer gedacht! ;)

Death Machine – Monster aus Stahl

2009-07-11T23:46:00.003+02:00

Eigentlich gehört RTL 2 ja eher zu den Fernseh-Ärgernissen mit ihrer nächtlichen Tittenwerbung, Gehirnlosen-TV-Eigenreportagen und Serien in schlampiger Reihenfolge. Aber für eins bin ich denen wirklich dankbar – ohne das häufige Zeigen von „Death Machine“ im Spätabend-Programm hätte ich dieses Action-Kleinod nie gesehen.

So kommt man also spät ~~aus der Kneipe~~ von der Arbeit nach Hause, schaltet noch das Fernsehen ein und bleibt hängen. Eine wundervolle Story, düsteres Ambiente und ein gestörter Psychopath als Chefentwickler eines Rüstungskonzern, mit dem sich in der Firma niemand anlegen möchte. Und der baut im Keller etwas, das man gar nicht kennen lernen will. Außer unserer tapferen Heldin natürlich.

Dann sind da noch die Öko-Terroristen, die den Handlungsfluss erst richtig in Gang setzen, und so geht's los. Absurde Wendungen sorgen ebenso für Spannung wie der fiese Antagonist.

Stephen Norrington hat mit seinem Erstling einen klassischen B-Film in Szene gesetzt. Später sollte er noch „Blade“ machen, der ihm ganz hervorragend gelungen ist, und „Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen“ – da schweigen wir lieber drüber.

Von Bösewicht Brad Dourif abgesehen, spielen nur No-Names in dem Streifen mit (Rachel Weisz hat einen Miniauftritt). Dazu strotzt die Geschichte vor Anspielungen auf ihre offensichtlichen Vorbilder „Alien“, „Aliens“, "Robocop" und „Terminator“ usw. So heißt ein Charakter Scott Ridley, zwei andere Weyland und Yutani.

Der Film lebt von seiner Inszenierung, seiner beklemmenden Atmosphäre, die trotzdem zuweilen von Humor durchbrochen wird. So müssen Low-Budget-Erstlinge aussehen, dann klappt’s auch mit deutlich teureren Folgefilmen. Die man natürlich nicht versauen darf.

Im Umlauf ist die geschnittene FSK-16-Fassung, die gut sechs Minuten kürzer als die indizierte 18er-Version ist, welche ich noch nie gesehen habe. Was aber die teils sprunghaften Schnitte erklärt. Trotzdem: ansehen, auch wenn’s nur die kürzere Version ist. Lohnt sich.

The Fog – Nebel des Grauens

2009-07-04T15:17:00.001+02:00

Ich bin ja kein Fan von Horror-Filmen – bei John Carpenter mache ich aber gerne eine Ausnahme. Gerade in den Achtzigern hat er eine Menge Hervorragendes gemacht. Ich hatte in „Kennen Sie Kino?“ damals einen Bericht über den Film gesehen und prompt nicht mehr schlafen können. ;)

Was ist nun so toll an dem Film? Zum einen die Idee, Nebel selbst zu einer Gefahr zu machen. Darin verstecken sich nicht Bösewichter, sondern sie verursachen den Nebel. Dann sind da für einen relativ billigen Independent-Film ein Haufen mittelmäßig bekannter Schauspieler wie Hal Holbrook oder Janet Leigh. Und natürlich die durch Carpenter erst bekannt gewordenen Jamie Lee Curtis. Carpenters selbstkomponierte Synthesizer-Musik tut ihr Übriges.

Schaut man sich den Film heute an, fallen einem natürlich die nicht unbedingt überragenden Trickeffekte auf. Ebenso die Nebelmaschinen, die vermutlich gerade außerhalb des Kamerabereichs standen. Trotzdem reicht’s auch heute noch für wohlige Schauer, beeindruckend für einen 1-Millionen-Dollar-Film.

Es gibt eine Ab-18-Fassung, die unterscheidet sich aber gerade durch eine Zwei-Sekunden-Szene, man hat also nicht unbedingt was verpasst. Viel spannender ist eher, dass Carpenter fast ein Drittel des Films nachgedreht hat, nachdem er und die Produzenten recht unzufrieden mit dem Rohschnitt waren. So hat er dann etwa die Kampfszene auf dem Leuchtturm neu eingefügt oder das Ausstatten der Zombies mit Messern und Klingen.

2005 gab es übrigens ein Remake, das Carpenter leider produziert hat. Der Film ist total langweilig und hat eine einzige gute Idee: nämlich aus dem Küstenstädtchen Antonio Bay eine Insel zu machen, ich hatte mich beim Original schon gefragt, wieso setzen die sich nicht einfach ins Auto und fahren landeinwärts? Ansonsten macht er den großen Fehler und zeigt Blake und seine Leute, die daraufhin nicht mehr ganz so schreckhaft wirken. Genau genommen gar nicht.

Also: lieber die alte DVD rausholen, sich spät abends ansehen, am Besten, wenn es draußen diesig oder neblig ist. Und dann nach roten Punkten Ausschau halten …

Alone in the Dark

2009-06-29T23:03:00.001+02:00

Es gibt keine mir bekannte gute filmische Umsetzung eines Computerspiels. Ich gebe ja die Hoffnung nicht auf und probiere es … hmmm, kommt mir irgendwie bekannt vor.

Dieses wundervolle Machwerk ist natürlich von Großmeister Uwe Boll. Ja, das alleine hätte schon reichen sollen. Aber ich bin ja lernresistent, also habe ich 94 Minuten Lebenszeit geopfert.

Ganze Szenenfolgen sind aus anderen Filmen kopiert, etwa der Angriff im Museum. Den möge man mal mit dem Einsatz des SWAT-Teams in „Das Relikt“ vergleichen. Es gibt danach eine völlig unmotivierte Sexszene zwischen Tara Reid und Christian Slater. Hier zeigt sich dazu die überaus schlechte Musikauswahl, nämlich „7 Minutes“, was absolut nicht zur Szene und schon gar nicht zum Rest des Films passt. Genauso die schöne Musik vom „Nuclear Blast“-Label, die plötzlich unbegründet Kampfszenen untermalt. Oder das Nightwish-Stück im Abspann.

Kleiner Tipp an Herrn Boll: wie man Szenen dreht, in denen Soldaten gegen Monster kämpfen, kann man sich in der Mitte von „Aliens“ ansehen. Ach, da lernt man überhaupt, wie man einen Horrorfilm mit Actionelementen macht.

Laut Boll gehört „Alone in the Dark“ ins Horrorgenre. Dazu soll aber vermutlich so was wie Grusel gehören. Oder Spannung. Oder Angst. Die habe ich eigentlich nur um den Ruf der Hauptdarsteller.

Es gibt einen zweiten Teil. Trotz eines Defizits von über zehn Millionen Dollar, die der Film gemacht hat. Es gibt sogar Gerüchte über einen dritten Streifen. Und so haben wir auch wieder ein Beispiel für ein erfolgreich zerstörtes Franchise, hinter dem diesmal außerdem eine Union aus Filmproduzenten und dem Designteam des fünften Teils der Computerspielreihe steckt.

Max Payne

2009-06-22T17:17:00.001+02:00

Es gibt keine mir bekannte gute filmische Umsetzung eines Computerspiels. Ich gebe ja die Hoffnung nicht auf und probiere es immer wieder, aber auch „Max Payne“ bringt tatsächlich nur Schmerz.

Wie bei vielen anderen Umsetzungen hat man sich redlich Mühe beim Casten gegeben und neben Hauptdarsteller Mark Wahlberg eine Reihe weiterer mittelmäßig bekannter und begabter Mimen aufgeboten. Da wären Beau Bridges (wann hat der zuletzt einen guten Film gemacht?), Donal Logue, Olga Kurylenko und in einem Kurzauftritt Nelly Furtado. Aber ach, es nützt alles nichts, stimmt die Geschichte nicht.

Was im Spiel noch düster war, wird hier lediglich öde und langweilig. Zwei längere Actionszenen, das war’s. Dazu eine Menge Logiklöcher – jetzt kommt ein Spoiler. Es geht um die Droge „Valkyr“, die bei vielen Süchtigen Horrortrips verursacht, in denen sie geflügelte Gestalten sehen – das einzige Symbol des Films. So lautet der Name des Zeugs, so sieht das Logo der Pharmafirma aus sowie die Tattoos, die Süchtige am Handgelenk tragen. Keine Erklärung, warum sich die Leute tätowieren lassen. Noch viel schlimmer: Kurylenko kommt auf dem Heimweg um, weil sie von den Wesen angegriffen wird. Da sie nur in ihrer Phantasie existieren, fragt man sich, was tatsächlich zu ihrem Tode geführt hat. Bei allen anderen Drogentoten gibt es einen vernünftigen Grund. Aber auch hier: keine Erklärung. Tja, hier haben wir es wieder, das verschenkte Potenzial, ich sollte ein Buch darüber schreiben.

Hier wäre ein meinetwegen übersinnliches Phänomen eine spannende Sache gewesen, auch wenn es nicht der Originalstory entspricht. Ganz schlecht ist es aber, ein Storyelement zum Aufspannen eines düsteren, furchtbaren Geheimnisses zu nutzen, um es dann einfach nicht aufzuklären. Das ist einfach Mist.

Was mir bei der Gelegenheit noch einfällt: liebe Regisseure und Drehbuchautoren, bitte in den nächsten zehn Jahren keinen einzigen Film mehr mit einer Vorblende des Beginns des dritten Akts beginnen lassen.

Da der Film bei 35 Millionen Dollar Produktionskosten knapp das Dreifache eingespielt hat, steht eine Fortsetzung zu befürchten. Die „Goldene Himbeere“, die Wahlberg für das Machwerk kassiert hat, lässt aber hoffen, dass er in einem Sequel nicht mitspielen wird. Hoffen wir das Beste.

Transporter 3

2009-06-19T22:50:00.003+02:00

Wer eine Action-Reihe wie eine Dokumentation über Speditionen benennt, ist ja schon mutig. Noch mehr Mumm hat aber, wer diesen Film veröffentlicht.

Seit Teil Eins dabei: der aus keinem B-Actionfilm wegzudenkende Jason Statham. Der hat auch schon in guten Filmen wie „Snatch“ oder „Crank“ mitgespielt. Hier hatte er wohl einen Vertrag über mehrere Filme unterschrieben. Man muss sich ja nicht wie Vin Diesel nach zwei erfolgreichen Streifen für einen Super-Schauspieler halten, der in Sequels nicht mehr mitzuspielen gedenkt. Man muss aber auch nicht in jedem Scheiß mitspielen.

Es fängt schon mittelmäßig an. Erste Regel für Filme: zu Beginn muss etwas Interessantes passieren. Übersetzt für Actionfilme: zu Beginn muss es richtig krachen. Wer an die lange Reihe guter Genrevertreter denkt, wird das bestätigen können. Der Zuschauer soll ja nicht aus dem Kino rennen oder, heute, nicht wegzappen.

Der Anfang: zwei Matrosen öffnen auf der Suche nach Schnaps auf ihrem Frachter einen Container, in dem sich leider Giftmüll befindet. Der bringt sie postwendend um. Das ist natürlich sehr bedauerlich für die beiden armen Seeleute, macht uns Zuschauer aber nicht richtig neugierig, jede Folge „Küstenwache“ beginnt spektakulärer.

Warum nicht mal etwas mehr Action auf See wie chemische Abfälle, die so gefährlich sind, dass nicht nur zwei Matrosen sich vergiften, sondern der ganze Pott sinkt? Alternativ: wieso fängt "Transporter 3" nicht wie jeder ältere Bond mit einem Auftrag an, der mit der eigentlichen Filmhandlung nichts zu tun hat? Mir fallen noch weitere Beispiele ein, die will ich hier aber nicht anführen, weil sie zuviel von der Handlung verraten.

Es geht weiter mit einer so schwachsinnigen Sexszene, die selbst Frauenfeinden zuwider sein dürfte. Logik hat leider in vielen Actionfilmen einen schweren Stand, doch hier sinkt sie fast auf Matthew Reillys Niveau ab. Naja, was erwartet man von einem Regisseur, der sich Olivier Megaton nennt? Krachen könnte es zumindest.

Die „Transporter“-Reihe schwelgte bisher immer im B-Film-Charme, hier ist das Label leider voll und ganz gerechtfertigt, im Gegensatz zu den ersten beiden. Ja - schade. Was mich immer ganz besonders ärgert: verschenktes Potenzial. Mit dem gleichen Budget und den gleichen Leuten hätte man einen schönen Film machen können. Merke: ein gutes Drehbuch kostet nicht viel - vor allem im Vergleich zum Rest einer Produktion.

Der seltsame Fall des Benjamin Button

2009-06-17T22:42:00.003+02:00

Ab und zu gibt es Filme, die entziehen sich der üblichen Kategorisierung in Drama, Liebesfilm, Action, Komödie undsoweiter. „Forrest Gump“ etwa. Oder eben „Der seltsame Fall des Benjamin Button“. Entsprechend gespannt war ich also.

Die Riege der Schauspieler umfasst einen Haufen großer Namen wie Brad Pitt, Tilda Swinton oder Cate Blanchett. Regie führte David Fincher, mit dem ich übrigens nie warm geworden bin. Vielleicht liegt’s in meinem Fall daran, dass er „Alien 3“ versaut hat – oder alle seine Filme irgendeinen größeren Punkt aufweisen, der mich stört. Er hat dazu die Angewohnheit, seine Werke mit Pointen enden zu lassen, Kurzgeschichten-Enden. Das ist hier genau umgekehrt.

Aus einer Kurzgeschichte hat er einen 166-Minuten-Film gemacht. Die Parallelen in der Erzählweise zu „Forrest Gump“ (auch noch ähnlich lang) liegen zum guten Teil daran, dass Eric Roth zu beiden Filmen das Skript geschrieben hat. Als Rahmenhandlung dient eine im Sterben liegenden Frau, die ihre Tochter das Tagebuch eines Freundes lesen lässt. Im Hintergrund wütet Hurrikan Katrina – was aber keine größere Rolle mehr zu spielen scheint, von einer kurzen Szene am Schluss abgesehen.

„Benjamin Button“ hat ein Riesenpotenzial, denn wie in jeder guten Geschichte zieht sich auch durch diese eine Liebesbeziehung, in diesem „seltsamen Fall“ durch zwei ganze Menschenleben. Siehe besagten „Forrest Gump“ oder „Vom Winde verweht“. Nur gelingt es Fincher und Roth nicht, anders als in den beiden Klassikern etwa, mich tatsächlich in die Story und das Drama hineinzuziehen.

Es wird noch anderes Potenzial verschenkt. Im Altenheim, in dem Button aufwächst, lebt Mr Daws. Der Mann wurde sieben Mal im Leben vom Blitz getroffen. Das hätte eine wunderbare Klammer für Buttons Leben sein können. Leider dienen die Sekunden-Rückblenden, die schön in 20er-Slapstick-Manier inszeniert sind, lediglich nur für kurze Lacher.

Und so ist die eigentlich anrührende Geschichte recht distanziert in Szene gesetzt – schade, sie hätte es ohne weiteres in den Olymp der besten Filme dieses Jahrzehnts schaffen können. Vielleicht kann Fincher es einfach nicht. Also: „Gute Nacht, Benjamin“.

Kolumne: Wi(e)der den tierischen Ernst

2009-06-12T12:34:00.003+02:00

Ein Novum in diesem Blog: wenn mich das spontane Bedürfnis überkommt, eine Kolumne zu schreiben, dann werdet Ihr die dann hier finden. Ausgelöst durch das „Terminator“-Debakel bin ich hier einer Sache auf der Spur, die immer häufiger bei mir Kopfschütteln auslöst …

… nämlich die wachsende Humorlosigkeit in Filmen. Kommt es mir nur so vor, oder scheint sich langsam der Humor aus Filmen zu stehlen, die nicht render-animiert sind oder auf denen groß und fett „Liebeskomödie“ steht?

In den Achtzigern hatte sich in den bis dahin ebenfalls meist bierernsten Actionfilmen langsam, aber sicher der Humor eingeschlichen. Selbst in den „Rambo“-Filmen fanden sich Stellen zum Schmunzeln, oder in „Aliens“ – außerdem wurden markige, gerne auch zynische Sprüche zum Markenzeichen „echter“ Helden. Und schon vorher zeichneten sich die Bondfilme mit Roger Moore sich durch häufiger feinsinnigen, oft genug auch plumpen Humor aus. Weswegen ich Moore im übrigen für den besten Bond halte – sorry, Sean. Er verkörpert den Gentleman-Spion einfach besser.

Doch ich schweife ab. Nein, ich muss doch zu Bond zurück. Die beiden Filme mit Daniel Craig werden ja gerne als brillanter Neuanfang gepriesen, die Zuschauerzahlen und Einnahmen stimmen wieder. Doch die Filme sind völlig humorlos. Stattdessen wird Bonds Psyche erklärt, er ist eben ein Superharter. Früher war er charmant, leger, salopp. Craig hingegen macht aus ihm einen prolligen Schläger. Kleiner Tipp unter Freunden: Frauen stehen deutlich mehr auf Männer, die Humor haben.

Vermutlich kommt deswegen Wolverine nicht wirklich zum Zug, darf er doch in seinem Spinoff wie auch der „X-Men“-Serie nicht einmal freundlich lachen, genauso wie der Rest der Besetzung. Schlimm.

Ganz oben thront aber noch jemand ganz anderes: Christian Bale. Fand ich den neuen „Batman“-Ansatz noch ganz gut, komme ich langsam zu der Überzeugung, dass etwas Humor hier ebenso nicht schaden würde. Und wie schon weiter unten geschrieben, der neue „Terminator“ gerät ebenfalls völlig humorlos, noch nicht mal ein Grinsen mag sich dem Zuschauer bei Zitaten aus den älteren Filmen auf die Lippen stehlen. Stattdessen stiehlt Bale selbst der Crew den Spaß an der Arbeit, wie diese Audio-Aufnahme vom „Terminator“-Set zeigt. Man möchte ihm zurufen „Mach Dich mal locker, Mann“.

Da lobe ich mir noch den „Reboot“ von „Star Trek“ – da gibt es in der Tat mal was zu lachen. Also, liebe Hollywood-Regisseure, die Ihr atemlos an meinen Lippen hängt: sagt Euren Drehbuchautoren, etwas Humor schadet nicht. Es darf auch gerne etwas mehr sein. Das Leben ist ernst genug – tierisch ernst.

Terminator: Die Erlösung

2009-06-07T12:34:00.005+02:00

Update: und hier ist es schon, das Anfangsstück aus den beiden ersten "Terminator"-Filmen.

Zum 25-Jährigen Bestehen des „Terminator“-Franchises haben uns die Rechteinhaber ein ganz besonderes Geschenk gemacht: sie haben es komplett in Grund und Boden gerammt, vor die Wand gefahren, zerstört. Schon „Terminator 3“ zeichnete sich durch absolute Überflüssigkeit aus, die Fernsehserie „Sarah Connor Chronicles“ wurde zumindest bereits eingestellt.

Was ist also passiert? Etwas ganz Schlimmes: der Film ist leider total öde. War der Zuschauer im ersten und zweiten Film noch gepackt vom Szenario, dem verzweifelten Kampf gegen die Zukunft und der Unerbittlichkeit des Terminators, ist hier davon nichts mehr übrig.

Erster großer Fehler: der Film spielt in der Zukunft. Bisher lebten alle Filme davon, dass ein Assassine aus der Zukunft kam und Sarah bzw. John Connor töten wollte. Es ist schon klar, so kann man nicht in Ewigkeit weiter machen. Ich persönlich meine übrigens ja auch, dass nach „Judgement Day“ Schluss hätte sein sollen.

Alle Teile hatten die Grundstimmung des drohenden Atomkriegs. Ein schreckliches Schicksal, dass uns allen droht, weltweit, ohne Entrinnen. Das ist hier alles schon Geschichte. Irgendwie schafft es Regisseur McG auch nicht, wirkliche Endzeit-Stimmung zu erzeugen, in der postatomaren Zukunft scheint es ja immer noch einen Haufen Soldaten zu geben, die auf ganz normalen Basen leben und ihre Flugzeuge und Hubschrauber putzen. Persönliche Enttäuschung: ich hatte auf einen schönen Luftkampf gehofft – gab’s aber nicht.

Zweiter großer Fehler: die Charaktere sind einem rotzpiepegal. Christian Bale als John Connor ist besonders unerträglich, etwa mit seinem messianischen Sendungsbewusstsein (in Form von Funksprüchen durchaus wörtlich zu nehmen). Kate Brewster (war das nicht mal Claire Danes?) spielt nicht viel mehr als die bangende Ehefrau, inklusive Szene, in der sie von hinten aus der Szene zu einer Wand im Vordergrund eilt, ihr Gesicht daran legt und „John“ flüstert. Wo sind die starken Frauenfiguren hin, die bisher in jedem Film der Serie vorkamen?

Gäb’s denn wenigstens noch fetzige Actionszenen – nö, bis auf eine schöne Verfolgungsjagd Fehlanzeige. Stattdessen haben wir hier eine farbarme überhellte Dystopie, der man die 200 Millionen Dollar Produktionskosten nicht so richtig ansieht. Man würde meinen, es gäbe für so viel Geld zumindest eine beeindruckende Szene. McGs schöne neue Welt zeichnet sich außerdem noch durch völlige Humorlosigkeit aus. Die Filme waren noch nie Actionkomödien, nicht ansatzweise, aber ein paar nette Momente hatte jeder der anderen Teile.

McG wollte außerdem noch Zitate aus den ersten beiden Vorgängern einflechten. Das ist ihm in wenigen Fällen gelungen (etwa gleiche Handlungorte im Los Angeles von 1984 und 2018), in der Regel wirken sie aber aufgesetzt und peinlich, teilweise sind ganze Abschnitte übernommen – das nennt man dann nicht mehr Hommage, sondern geklaut.

Nee, das war nix – unglücklicherweise macht McG auch den fünften Teil, und es soll eine Trilogie werden. Wieso überlässt man eine derart wichtige Reihe eigentlich Leuten, die sich (wie auch „T3“-John Mostow) in nichts Besonderem ausgezeichnet haben? Mal sehen, ob das Franchise sich nach dem Vor-die-Wand-fahren wieder aufrappelt wie der T-800 im ersten Film und seinen 30. Geburtstag erlebt. Oder Fans wie ich nur noch die alten DVDs in den Player schieben können.

Und noch etwas Nostalgie: sobald ich in meiner knapp bemessenen Freizeit dazu komme, gibt’s meine Interpretation des Original-Themas von Brad Fiedel (das in „Die Erlösung“ auch nur zart angedeutet vorkommt).

I am legend

2009-06-03T13:02:00.000+02:00

Noch so ein Beispiel aus der Development Hell: Seit Anfang der Neunziger ist das Remake vom „Omega-Mann“ (wiederum schon die zweite Verfilmung des Romans „I am legend“ von Richard Matheson) in Planung. Ridley Scott sollte ihn mit Arnold Schwarzenegger verfilmen, scheiterte aber am geplanten Budget und daran, dass weder er noch Schwarzenegger zu der Zeit noch Garanten für Blockbuster waren.

Auch ein neues Drehbuch konnte nichts daran ändern – schade, dieses Buch hätte sicherlich einen herausragenden Film abgegeben. Trotzdem war ich ziemlich aufgeregt, als ich endlich im Kino saß. Und eins ist klar: Will Smith spielt als Dr. Robert Neville hervorragend. Wie er die Einsamkeit, den beginnenden Wahnsinn verkörpert, einfach packend. Er kann wohl also doch mehr als lediglich den Clown spielen. In der letzten Szene mit seinem Hund und der darauffolgenden Einstellung im DVD-Verleih hat man schon einen Kloß im Hals.

Leider hat das Drehbuch ein paar Schwächen, etwa den Bezug zu Gott, der im letzten Akt auftaucht. Ebenso das frühzeitige Auftauchen der „Darkseeker“, die dazu noch mäßig gerendert sind. Trotzdem hat die Szene, in der Neville seinen Hund im dunklen Haus sucht, meinen Puls so hochgetrieben wie schon lange kein Film mehr. Und nicht, weil im Dunkeln irgendetwas lauert. Sondern weil Neville, der vorher eher cool und taff scheint, plötzlich eine Scheißangst hat.

Ärgerlicherweise ist der Film dann auch hopplahopp zu Ende. Wer die Special Edition der DVD hat, sei dankbar: da ist das alternative Ende drauf. Zwar kommt dort die Storywendung etwas überraschend, hält sich aber weitaus näher ans Buch, während die Kinofassung die Prämisse des Buches fast ins totale Gegenteil dreht.

Also: beklemmender Film, toll inszeniert, nur deutlich zu kurz. Und auf eine richtig gute Verfilmung des Originalstoffes müssen wir noch länger warten. Hoffentlich nicht so lange wie auf dieses Remake. Allerdings: ein Prequel ist in Planung.

Bang Boom Bang

2009-05-28T11:14:00.000+02:00

Wer aus dem Ruhrgebiet kommt, muss einfach diesen Film kennen – wer nicht daher kommt, sollte ihn sich ansehen, um etwas über die Mentalität der Ruhrgebietler zu lernen. Und nebenbei eine der besten deutschen Produktionen zu sehen. Von den Bauchschmerzen vom Lachen ganz abgesehen.

Eine ganze Menge hochkarätiger Schauspieler, darunter Diether Krebs in seiner letzten Rolle, machen diese Kleinkriminellenkomödie zu einem echten Ruhrpott-Kohle-Diamanten. Oliver Korittke als kiffender Bankräuber Keek, Ralf Richter als sein brutaler Kompagnon und „Schlucke“, Martin Semmelrogge, sind einfach unglaublich authentisch wie witzig, da mag man über die fehlbesetzte Alexandra Neldel hinwegsehen. Selbst in den Nebenrollen finden sich Gesichter wie das von Ingolf Lück, Sabine Kaack und Til Schweiger.

Ich liebe Filme wie „Snatch“ oder „The Big Lebowski“, in denen eine ganze Reihe unterschiedlicher Interessensgruppen mit ihrem Verhalten dafür sorgt, dass eine irrwitzige Folge von Ereignissen in Gang kommt. Und hier ist es nicht anders: wenn ich mich nicht verzählt habe, gibt es schlappe sieben Parteien, die alle eine wichtige Rolle spielen und Probleme jenseits der Vorstellungskraft verursachen. Einem guten Drehbuchautor gelingt es, elegant aus der Geschichte wieder raus zu kommen – und selbstredend ist das hier der Fall.

Der Streifen läuft übrigens seit seinem Kinostart ununterbrochen in Bochum, und ich kann wohl sämtliche Dialoge mitsprechen. Und ich kenne den Parkplatz, auf dem Keek und sein Kumpel Andy feststellen, was aus dem armen Schlucke geworden ist – wenn das mal keine echte Liebe ist!

Ansehbefehl für jeden, der „Bang Boom Bang“ noch nicht gesehen hat. Vielleicht kann mir jemand noch die Frage beantworten, warum der Untertitel „Ein todsicheres Ding“ lautet.

Zum Abschluss ein paar wundervolle Zitate:
„Ich baller in dem Coupe mit 240 über die Bahn!“
„90 Minuten Hardcore ... echte Gefühle!“
„Die bescheissen uns, wir bescheissen eine andere... Kreislauf, verstehst du!“
„Die Alte war ja schäbig wie die Nacht“
„Ja wat weiß ich denn, wat in dem sein Hundehirn vor sich geht“
„Sach mal, könnte ich eigentlich direkt mal den Pianka anrufen, dass er mir den neuen Z3 bestellt, oder?“
„Dat is nich Euer Ernst, ne? Die Schleifspur, die führt direkt von Kampmanns Firma direkt hier zu meiner Tankstelle?“

Wer noch ein paar weiß - her damit!

Slumdog Millionaire

2009-05-20T11:23:00.000+02:00

Das ist wohl der erste Film von Danny Boyle, der mir uneingeschränkt gefällt – „28 Days later“ baut im zweiten Akt bis zum Ende deutlich ab, „Sunshine“ hat kräftige Logiklöcher und taugt nicht als Möchtegern-„2001“.

Hier erzählt er aber kunstvoll die Geschichte des Slumdogs Jamal und welche Wendungen des Schicksals ihn in den Kandidatensitz der indischen Version von „Wer wird Millionär“ bringen. Schön zu sehen übrigens, wie die Spielshow international die exakt gleiche Musik und Bühnenbild benutzt. Als er des Betrugs verdächtigt wird, verknüpft Boyle Jamals Wissen und Erklärung der Antworten mit Episoden seines Lebens, in denen immer wieder sein Bruder Salim und seine große Liebe Latika eine große Rolle spielen.

Diese Episoden zeigen abseits der boomenden Wirtschaft Indiens die riesige Menge Menschen, für die nur ein paar Brotkrumen übrig bleiben. Und das in drastischen Bildern, die teils komisch, teils erschreckend sind. Und natürlich konnte sich Boyle ein paar Bollywood-Anleihen nicht verkneifen. Keine Angst, auch als Westeuropäer kann man sich den Film ansehen.

Die nicht ganz neue Prämisse, dass alles im Leben seinen Preis hat, es keine absoluten Niederlagen und Triumphe gibt und eh alles Schicksal ist, hat Boyle erfrischend neu verpackt. Und dem Oscarregen ist zu verdanken, dass wir den Film hierzulande auch im Kino sehen konnten.

Eins noch: mir ist Günther Jauch übrigens viel lieber als der miese Moderator Prem Kumar – der sagt einem bestimmt nicht die falsche Lösung vor. ;)

Star Trek

2009-05-13T11:10:00.000+02:00

Die alte Besatzung des Raumschiffs Enterprise macht wieder die Galaxis unsicher. Die alte? Dargestellt von lauter neuen, jungen Gesichtern, denn der Film ist, wie’s in den letzten Jahren ja modern ist, ein Prequel. Gemacht von „Alias“- und „Lost“-Erfinder J.J. Abrams hatte ich schon befürchtet, Mystery-Geschwurbel im 23. Jahrhundert ertragen zu müssen. Doch Kirks Ausbildung von der Pike (Achtung, Wortwitz) auf ist das bisherige SF-Highlight dieses Jahres.

Dank eines kleinen storytechnischen Kniffes ist Abrams nicht an die Vorgaben der bisherigen Filme und der Serien gebunden – und das klappt sehr gut. Keine Angst, er hat das Sujet nur geringfügig verändert, aber so, dass es recht frisch und unverbraucht wirkt

Besonderes Lob gebührt den Darstellern. Chris Pine als James T. Kirk weist alle Eigenschaften auf, die man vom Captain der Enterprise kennt: arrogant, selbstsicher, trotzdem humorvoll. Und bewegt sich sogar fast wie das Vorbild. Der von Zachary Quinto dargestellte Spock zieht wundervoll die Augenbraue hoch, und Zoe Saldana als Uhura ist wirklich süß. Außerordentlich gut: McCoy. Karl Urban stellt Pille so dar, wie wir ihn kennen: schlecht gelaunt, nie um einen Spruch verlegen, selbst die Gestik erinnert an den Doktor.

Einzig Simon Pegg will mir nicht gefallen. Obwohl ich ihn in „Hot Fuzz“ wirklich überragend fand, ist er als Scotty eine glatte Fehlbesetzung. Doch das ist Kleinkram gegen die spannende Geschichte, die hübschen Trickeffekte, endlich sieht man mal mehr als ein oder zwei Raumschiffe.

Rick Berman, der das Franchise nach Rodenberrys Tod 15 Jahre lang weitergeführt hat, mag ja vom einen oder anderen vermisst werden – von mir nicht.

Black Hawk Down

2009-05-08T09:12:00.000+02:00

Die unglaublich exakte Aufarbeitung des fehlgeschlagenen Einsatzes der US-Streitkräfte in Somalien von Journalist Mark Bowden, verfilmt von einem meiner Lieblingsregisseure, Ridley Scott – ich hatte mich so auf den Film gefreut, dass ich mir die US-DVD vor dem Kinostart in Deutschland angesehen hatte. Doch wo ist der Kern des Streifens?

Wie immer bei Scott, technisch perfekt in Szene gesetzt – es gab einen Oscar für den Schnitt – kann das daneben gehen? In der Tat, es kann. Zum einen haben wir hier recht offensichtlichen Rassismus – ich erwische mich selbst dabei, mir beim Ansehen des Films zu wünschen, dass die Amis den Somaliern mal ordentlich eins auf die Mütze geben sollten.

Zum zweiten macht die Umsetzung aus dem Buch, aus dem so wunderbar hervorgeht, wie ein Militäreinsatz an Arroganz und schlechter Planung scheitern kann, eine reine Ballerei. Im Prinzip besteht Black Hawk Down aus einer halben Stunde Einführung und zwei Stunden Dauerfeuer. Und das kann man recht wörtlich nehmen, es wird geschossen, geschossen, zwischendurch gefeuert, dann geballert und wieder geschossen. Es bleibt eigentlich nichts übrig von der Konfusion aus dem Buch, in dem anschaulich geschildert wird, wie mangelnde Ortskenntnis, fehlende Kommunikationsmöglichkeiten und taktische Fehlentscheidungen zu einem Desaster führen konnten.

Natürlich ist das fantastisch gefilmt, atemberaubende Kameraeinstellungen und herrlich absurde Momente, etwa wenn die Gruppe um Sergeant Eversmann in das Lager der UN-Soldaten kommt und dort Wasser in kleinen Plastikbechern und ein feines Frühstücksbuffet angeboten bekommt, nur ein paar Kilometer von der Hölle entfernt.

Aber das reicht leider nicht, um der Sache gerecht zu werden. Ich empfehle jedem, das Buch zu lesen. Sehe ich das falsch, oder kommt mir irgendwie die Prämisse des Films abhanden? Ich kann sie nicht entdecken. Fahndungshinweise sind hier erwünscht.

Starship Troopers

2009-05-02T23:27:00.000+02:00

Paul Verhoevens Werk aus dem Jahre 1997 gehört zu den zu Unrecht erfolglosen SF-Filmen und zog daher auch zwei überaus üble Fortsetzungen nach sich.

Mit am Bemerkenswertestes dürfte wohl sein, dass Verhoeven die Aussage des gleichnamigen, umstrittenen Romans von Robert A. Heinlein einfach um 180 Grad dreht. Geht es in dem Buch noch darum, dass Massendemokratie keine Basis für einen Staat sein kann und nur im Militarismus das Heil liegt, bringt der Film diese Motive völlig satirisch.

Angefangen bei den offensichtlichen Bezügen zur Nazizeit, zu sehen an den Uniformen, der Ikonografie des ganzen Films bis hin zu der schon abstrus-lächerlich überzogenen extremen Brutalität dürfte wohl jedem klar sein, wie der Film zu verstehen ist. Was die BPjS allerdings nicht daran gehindert hat, den Film zu indizieren. Nicht zuletzt aus diesem Grunde sehen wir im Fernsehen nur eine Version, die schlimmer verstümmelt ist als die Mobile Infanterie nach einem Angriff der Bugs.

Dabei gibt es in dem Film soviel zu entdecken. Da wären schon mal die Hauptcharaktere, die aussehen wie frisch geklont. Oder dass der blonde, blauäugige Johnny von einem Schwarzen ausgepeitscht wird. Die Nachrichtensendungen, in denen eine hysterische Mutter Beifall klatscht, wie die lieben Kleinen Käfer zertreten. Die durchdringende Militarisierung und völlige Ausrichtung der Gesellschaft auf Gewalt.

Ganz im Ernst, die absurde Gewaltdarstellung mit den zerfetzten Körpern und herumfliegenden Gliedmaßen bringt mich, der eigentlich von so was abgestoßen wird (Ihr werdet hier keine Rezensionen von Splatterfilmen finden), zum Lachen. Mir ist klar, warum der Film „nicht unter 18 Jahren“ freigegeben wird – aber indiziert? Deswegen muss ich mich mit einer Flipper-DVD zufrieden geben, man kann ja froh sein, wenn man als Erwachsener den Film überhaupt ungekürzt bekommt.

Revolutionär waren die CGI-Arachnoiden, die sich auch nach heutigen Maßstäben nicht verstecken müssen. Ich wünsche mir, in manchen aktuellen Produktionen würde soviel Mühe stecken.

Falling Down

2009-04-28T11:52:00.000+02:00

Gerade wieder gesehen, der Film über das Ausrasten eines scheinbar völlig normalen Angestellten in der Düsternis einer amerikanischen Großstadt, an einem sonnigen, unwirklich schönen Tag.

Und es ist einer der Filme, wo ich mich über die Prämisse tatsächlich geärgert habe. Wenn wir die Erlebnisse von D-Fens alias William Foster mitbekommen, denke ich mir jedes Mal „Der Mann hat doch recht!“ Und damit benutzt Regisseur Schumacher ein klassisches Stilmittel, nämlich den Zuschauer sich mit Jemanden identifizieren zu lassen, der natürlich im Unrecht ist.

Fosters Gegenspieler ist der Detective Prendergast, der am letzten Tag vor der Pensionierung soviel Zeug am Hals hat, genau wie Foster, dass man gut verstehen könnte, wenn er ebenfalls austicken würde. Tut er aber nicht, er ist ja schließlich ein Guter, selbst als er zum Schluss seine nervige Frau anschnauzt und seinen miesen Boss anpflaumt. Also: wir lernen, Gewalt ist böse, und die Story lässt für Foster als einzige Katharsis seinen eigenen Tod zu.

Dabei will der Mann doch nur nach Hause, um mit seiner Frau und seiner Tochter deren Geburtstag zu feiern. Dabei kommen ihm allerlei Hindernisse in den Weg, und wie Hans im Glück, nur umgekehrt, bekommt er einen Baseballschläger, ein Messer, bis er zum Schluss mehrere automatische Waffen und einen Raketenwerfer benutzt.

Wie auch immer, in dem Film kommen einige der besten Szenen der Filmgeschichte vor, etwa wenn Foster im Whammy-Burger Frühstück möchte und nichts von der Mittagskarte. Oder er dem selbstsüchtigen Golfer erklärt, dass das heute wohl nicht sein Tag ist. Im dritten Akt erfahren wir – wobei wir uns das schon gedacht haben – dass Foster ein Kontrollfreak ist. Jaja, er ist eben irre, super Idee, Herr Drehbuchautor. Aber auch: Michael Douglas spielt hervorragend intensiv, von Beginn im Kampf gegen die Fliege bis zum Ende im Kampf gegen die Polizei.

Ich kann jedenfalls mit Foster mitfühlen, man ist eben „für den Job überqualifiziert und unterfordert. Oder war es umgekehrt?“

The Terminator

2009-04-24T23:45:00.000+02:00

So, frisch aus dem Osterurlaub zurück hier nun der erste Streich.

Warum der „Terminator“? Nicht, weil er einer der Streifen ist, die noch heute großen Einfluss auf die Kultur haben. Nicht, weil jetzt der vierte Teil ins Kino kommt.

Sondern weil er sich mit einer der großen Zukunftsängste aus den Achtzigern beschäftigt: ein allumfassender Atomkrieg. Nuklearwaffen spielen ja eh häufig eine große Rolle in James Camerons Werken. Woran ich mich erinnere ist, wie ich den Film zum ersten Mal gesehen habe; auf Video, spätabends bei einem ungemütlichen, lauten Sommergewitter, das den Himmel gelb-braun gefärbt hatte – passend zu Camerons Zukunftsvision der Apokalypse.

Heute macht man sich ja irgendwie weniger Gedanken darum, aber zu der Zeit, als der Film in die Kinos kam, war die Vorstellung eines nuklearen Holocausts weit verbreitet, und nicht ohne Grund. Beide Seiten im Kalten Krieg hatten neue Raketen aufgestellt, und unter Andropow und Reagan sah es damals nicht so aus, als würde es eine Annäherung geben.

„The Terminator“ zeigt jedoch noch Weiteres in einer vorher nicht da gewesener Weise: unerbittliche, unerschütterliche Konsequenz, daraus resultierend heftige Brutalität. So wie der Terminator Sarah Connor unaufhaltsam jagt, so unaufhaltsam wird die Menschheit bis auf wenige Ausnahmen ihr Ende finden, entweder durch den Krieg gegen sich selbst oder den Krieg gegen die Maschinen.

Der Film hat aber noch andere Elemente, die in den Achtzigern noch neu waren. Zum einen eine klare Vision, wieso blinder Fortschrittsglaube in die Katastrophe führen kann. Anders als in den Siebzigern und davor zeichnet Cameron eine eher wissenschaftliche und glaubwürdige Version der Zukunft.

Zum anderen ist da die Charakterentwicklung von Connor vom süßen College-Hascherl zu jemandem mit großer innerer Stärke, die sie durchhalten und zum Schluss sogar selber mit dem Terminator fertig werden lässt. Eine der ersten weiblichen Action-Heldinnen, etwas, das Cameron später in „Aliens“ fortführen würde.

Impressum

2009-04-19T23:51:00.000+02:00

Verantwortlich für den Inhalt: Martin Schnelle
Kontakt: Email martinschnelle@aol.com
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Herzlich Willkommen!

2009-04-05T17:39:00.000+02:00

Hallo liebe Film-Freunde!

Herzlich Willkommen zu meinem Film-Blog "Der Lichtspiel-Leitfaden".

Was soll dieser Blog jetzt? Twittert nicht eh jeder?

Sinn dieses Blogs ist es nicht, schon aus der "Star Wars 7"-Pressevorführung rauszusimsen, wer nun Luke Skywalkers Sohn ist oder wo Peter Jackson in "Der kleine Hobbit" auftaucht. Stattdessen werde ich zu Filmen, die ich für bemerkenswert halte, ein paar Worte und Gedanken verlieren, die ich womöglich erst nach einiger Zeit oder mehrfachem Ansehen hatte. Keine Angst, der Elfenbeinturm bleibt dabei außen vor.

Konstruktive Kritik und andere Meinungen sind natürlich genauso willkommen wie Ihr selbst, kommentiert also. Ich behalte mir aber vor, Beleidigungen, politische Extremmeinungen und alles andere, was mir nicht passt, zu löschen. Aber auch hier keine Angst, das wird hoffentlich nicht nötig sein.

Ich will versuchen, jede Woche wenigstens einen Text online zu stellen, doch bitte nicht steinigen, falls das mal nicht klappt. Und vielleicht gibt's auch häufiger Texte, zumindest in der Anfangszeit.

Dann wünsche ich uns allen viel Spaß und - Vorhang auf!